Un Exercice de Style Remarquable

Inspirée par les célèbres « Brèves de Comptoir » de Jean-Michel Ribes, « Les Brèves du C… » se démarque par une écriture ciselée et un sens aiguisé du verbe. Les dialogues, tour à tour caustiques et émouvants, sont portés par des interprétations magistrales des trois comédiennes, qui insufflent une vitalité et une sincérité rares à chaque réplique. Leur expérience dans les médias, en tant que journalistes et animatrices, confère une authenticité et une maîtrise du rythme qui enrichissent le spectacle.

Une Mise en Scène Éclatante

La mise en scène d’Annabelle Milot est un modèle de subtilité et d’élégance. Les transitions fluides entre les tableaux, ponctuées par la narratrice qui situe les événements dans leur contexte historique, créent une chronologie cohérente et engageante. Milot réussit l’exploit de transformer des moments de vie quotidienne en une fresque théâtrale à la fois drôle et poignante, où chaque brève est travaillée comme un diamant brut, poli avec soin pour en révéler tout l’éclat.

Humour et Résilience

Au-delà de l’humour, qui est omniprésent et savamment dosé, la pièce pose un regard lucide et empathique sur les défis rencontrés par les personnels soignants durant la pandémie. Les brèves, souvent hilarantes, n’en demeurent pas moins des témoins de la résilience et du courage des soignants, ainsi que de l’absurdité parfois kafkaïenne des situations vécues. Le texte, tout en finesse, navigue entre le comique de situation et une critique sociale acerbe, rappelant que l’humour peut être une arme redoutable contre l’angoisse et le stress

Une Œuvre Universelle et Intemporelle

« Les Brèves du C… » parvient à fédérer tous les publics autour d’une expérience commune, celle du confinement et de la crise sanitaire. La pièce, bien que dédiée aux soignants, s’adresse à chacun de nous, résonnant avec nos propres souvenirs et émotions. Elle offre une catharsis collective, où le rire devient un vecteur de guérison et de réconciliation avec cette période sombre.

Conclusion

« Les Brèves du C… » est une œuvre magistrale qui conjugue habilement humour, émotion et réflexion. Elle se distingue par une écriture brillante et une interprétation exceptionnelle, faisant d’elle un incontournable du Festival d’Avignon 2024. Cette pièce est un vibrant hommage aux personnels soignants et un témoignage poignant de la force de l’humanité face à l’adversité. Une véritable leçon de vie et de théâtre, à ne manquer sous aucun prétexte.

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Claude Gauvreau : Une voix essentielle de la littérature québécoise

Claude Gauvreau, figure emblématique de la littérature québécoise, est connu pour ses œuvres avant-gardistes et profondément personnelles. Avec cette pièce, il nous offre un voyage introspectif, où la frontière entre l’art et la vie se dissout pour révéler une humanité bouleversante

La pièce s’inspire de la disparition tragique de Muriel Guilbaut, une actrice et muse de Gauvreau, survenue le 3 janvier 1952 à Montréal. À travers ce drame personnel, l’auteur explore des thèmes universels comme la perte, le deuil et la mémoire. Sa prose poétique et intense donne vie à des émotions brutes, créant un dialogue intime entre le passé et le présent.

Une Scénographie Émotive

Présentée au Théâtre la Factory, salle Tomasi, L’asile de la pureté séduit par sa mise en scène sobre mais poignante. Les décors minimalistes et les éclairages subtils servent à accentuer la profondeur des sentiments exprimés. Chaque élément scénographique est conçu pour renforcer l’intensité des mots de Gauvreau, offrant aux spectateurs une expérience immersive et sensorielle.

Une Distribution Remarquable

La pièce est portée par une distribution exceptionnelle, avec des acteurs qui incarnent avec justesse et sensibilité les personnages complexes de Gauvreau. Leur interprétation, marquée par une grande authenticité, permet de saisir toute la profondeur et la nuance des émotions mises en scène.

Rencontre et Échanges : Une Convivialité Québécoise

À l’issue de chaque représentation, la Délégation générale du Québec à Avignon propose un moment de convivialité pour échanger autour de l’œuvre et de la culture québécoise. Ces rencontres permettent au public de discuter de la pièce, d’approfondir leur compréhension des thèmes abordés et de découvrir l’héritage littéraire de Claude Gauvreau.

L’asile de la  pureté ,  n’est pas seulement une pièce de théâtre, c’est un hommage vibrant à Claude Gauvreau et à son apport inestimable à la littérature québécoise. Ce spectacle est une invitation à la réflexion, à l’émotion et à la découverte d’une culture riche et profonde. Nous espérons vous voir nombreux pour partager ce moment unique de théâtre et de mémoire.

Détails Pratiques :

– Lieu : Théâtre la Factory, salle Tomasi, 4 rue Bertrand
– Dates : Du 3 au 21 juillet (relâche les 9 et 16 juillet)
– Horaire : 11h25

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Un hommage poignant à l’œuvre de Hugo :

Victor Hugo, figure emblématique de la lutte contre les injustices du 19ème siècle, est au cœur de ce cabaret atypique. Les metteurs en scène Pierre Grammont et Gaëlle Lebert ont choisi de donner une nouvelle vie aux textes de l’écrivain en les adaptant pour une interprétation moderne et incisive. La présence de Pierre Grammont (jeu et chant), Juliette Leca, alias Julieta (human beatbox), et Simon Lehuraux (guitare) crée un trio dynamique qui transcende les époques et les genres. Ensemble, ils déclament, chantent, et slamment les paroles d’Hugo, rendant son message encore plus percutant dans le contexte actuel.

Une mise en scène audacieuse et contemporaine :

La scénographie, signée par Bernard Quesniaux, nous plonge dans un univers gothique et graphique. Des panneaux en plastique transparent apparaissent et disparaissent au gré des lumières, créant une atmosphère énigmatique et immersive. Ces panneaux, parsemés de tags révoltés et de paires d’yeux géants, symbolisent les témoins silencieux de l’injustice et de la souffrance. Les personnages, vêtus de costumes gris taggés en blanc, incarnent la révolte d’Hugo avec une intensité à la fois punk et romantique.

Une musique puissante et variée :

La musique joue un rôle central dans ce spectacle. Les compositions de Chadi Chouman, Bruno Fleutelot, Pierre Grammont, et Juliette Leca apportent une profondeur émotionnelle et une puissance brute aux textes d’Hugo. Les genres musicaux variés, allant des balades mélancoliques au rock énergique en passant par le slam rythmé, permettent de transmettre la colère et l’indignation de l’écrivain avec une force inédite. Le beatbox organique et colérique de Julieta et la guitare électrique vibrante de Simon Lehuraux ajoutent une dimension urbaine et contemporaine à l’ensemble.

Un manifeste brûlant et humaniste :

« Victor Victus Cabaret Pop » n’est pas seulement un spectacle, c’est un manifeste. En réinterprétant les textes de Hugo, les artistes rappellent que les luttes sociales, les guerres et les injustices de son époque résonnent encore aujourd’hui. C’est une invitation à réfléchir et à agir, à travers la puissance de la parole et de la musique.

Une équipe talentueuse et engagée :

Ce projet est le fruit du travail de l’équipe de la compagnie L’Esprit du Mardi, en coproduction avec Malraux Scène Nationale Chambéry Savoie et Fabric’Arts Faverges-Seythenex. Soutenu par le Dôme Théâtre Albertville, le Théâtre la Nacelle Aubergenville, l’ADAMI, et le Conseil Départemental de Savoie, ce spectacle bénéficie également de résidences au Dôme Théâtre d’Albertville et au Théâtre la Nacelle Aubergenville.

En Conclusion :

« Victor Victus Cabaret Pop » est une œuvre magistrale qui redonne vie aux combats de Victor Hugo avec une intensité et une modernité saisissantes. À travers une mise en scène audacieuse et une musique vibrante, ce spectacle nous rappelle que la lutte contre les injustices est intemporelle et universelle. Ne manquez pas cette performance exceptionnelle au Théâtre de l’Adresse, où le passé et le présent se rencontrent dans un tourbillon artistique et engagé.

Réservations :

– Téléphone : 04 65 81 17 85 ou 06 16 82 04 03
– (compagnie@lespritdumardi.fr / 06 61 35 27 18)

Photos © Jean-Claude Bruet

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Le 11 juillet 2024, à Oppède, a eu lieu l’avant-première de « Rien, sauf l’essentiel », une pièce de théâtre écrite par Marc Thoumelou et mise en scène par Anne-Louise de Ségogne. Cette création, prévue pour le Festival d’Avignon, promet d’être un événement marquant pour les amateurs de théâtre et les défenseurs de la solidarité. La pièce retrace la rencontre entre deux figures emblématiques de la générosité et de l’engagement social : Coluche et l’Abbé Pierre.

Un duo magnétique

Bruno Durand, dans le rôle de l’Abbé Pierre, et François Pilon, incarnant Coluche, offrent des prestations d’une intensité rare. Leur alchimie scénique restitue avec justesse la complexité de leurs personnages. Durand apporte une profondeur spirituelle qui sied parfaitement au charisme et à l’aura de l’Abbé Pierre, tandis que Pilon, formé à l’école de Jacques Lecoq, insuffle à son Coluche une énergie clownesque et un humour mordant. Leurs échanges sont empreints d’une sincérité bouleversante, permettant au public de percevoir les nuances et les contradictions de leurs personnalités.

Une mise en scène épurée et efficace

La mise en scène d’Anne-Louise de Ségogne se distingue par sa sobriété et son efficacité. La décision de limiter les éléments scéniques à une table, deux chaises et quelques accessoires permet de concentrer toute l’attention sur le texte et l’interprétation. Cette approche minimaliste renforce l’intensité du dialogue entre les deux protagonistes. Les accompagnements sonores discrètement évocateurs des années 80 ajoutent une touche nostalgique et authentique à la scène.

Un texte riche et poignant

Marc Thoumelou parvient à capturer l’essence des discussions entre l’Abbé Pierre et Coluche, oscillant entre humour et gravité. La pièce explore des thèmes universels tels que la foi, la charité, la politique et le respect de l’autre, tout en conservant une dimension profondément humaine. Les dialogues, basés sur les écrits et déclarations des deux hommes, sont à la fois plausibles et touchants. Ils révèlent les facettes cachées de leurs personnalités et la force de leur engagement.

Un message intemporel

« Rien, sauf l’essentiel » porte un message puissant et intemporel : la compréhension et la tolérance naissent du dialogue. En ces temps marqués par le sectarisme et le fanatisme, cette pièce rappelle avec justesse que l’harmonie est possible lorsque la raison l’emporte sur la division. Le ton de la comédie dramatique, souvent léger mais toujours profond, permet de délivrer ce message avec une efficacité redoutable.

Conclusion

« Rien, sauf l’essentiel » est une œuvre majeure qui marquera sans aucun doute le Festival d’Avignon 2024. Grâce à des performances d’acteurs remarquables, une mise en scène dépouillée mais percutante, et un texte d’une rare intensité, cette pièce parvient à toucher au cœur des spectateurs tout en les invitant à la réflexion. Une véritable leçon d’humanité et de tolérance, portée par deux figures emblématiques qui continuent d’inspirer bien au-delà de leur époque.

Rien, sauf l’essentiel

À la Chapelle de l’Oratoire (32, rue Joseph Vernet, Avignon)
12 → 21 juillet à 20h30
Relâche le mardi 16 juillet
Durée : 1h10
A partir de 15 ans

Abbé Pierre : Bruno Durand – Coluche : François Pilon

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Dans une réinterprétation audacieuse et éclatante, le metteur en scène Loïc Labaste transcende les conventions classiques de « Cyrano de Bergerac » en plongeant l’œuvre d’Edmond Rostand dans l’univers scintillant et effervescent du music-hall. Cette vision novatrice, loin de trahir l’essence de la pièce, en exacerbe la quintessence poétique et dramatique par l’entremise de chorégraphies exubérantes, de playbacks envoûtants, et de numéros comiques délicieusement orchestrés.

À 21 ans, le protagoniste, Hercule Savinien de Cyrano de Bergerac, incarné avec brio par Charly Paillet, subit l’affliction d’un complexe narcissique exacerbé par l’hyperbolique protubérance de son nez. Ce stigmate facial devient le vecteur de son dilemme existentiel, entravant son élan amoureux vers la divine Roxane, magnifiquement interprétée par Noémie Ducuing. Paillet parvient à illustrer avec une finesse exquise le combat interne de Cyrano, oscillant entre vulnérabilité émotive et bravoure verbale.

Labaste, par son génie créatif, métamorphose la scène en une arène où les frontières entre théâtre et spectacle se dissolvent. Les danses chorégraphiées avec une précision millimétrique par Yvan Bonnin-Manoux, se fondent harmonieusement avec les dialogues en alexandrins, conférant à chaque mouvement une résonance poétique. Hugo Schnitzler et Loïc Labaste, dans leurs rôles respectifs, ajoutent une dimension d’humour et de légèreté, contrastant avec la profondeur tragique de l’intrigue principale.

Ce dispositif scénique opulent et ses choix esthétiques audacieux ne sont pas de simples ornements. Ils participent intrinsèquement à la redécouverte de l’intemporalité de la pièce. La mise en scène déploie une fresque vivante et vibrante où chaque élément — lumière, son, gestuelle — devient un vecteur de signification, amplifiant le texte de Rostand d’une manière inédite et viscérale.

Face aux diktats tyranniques de la beauté physique, Cyrano se réinvente en héros transcendant, un parangon d’authenticité et de panache. En prêtant ses mots à Christian, il se fait l’éloquence même, sublimant ses propres sentiments à travers l’amour qu’il porte à Roxane. Cette dialectique du visible et de l’invisible, du dit et du non-dit, trouve une résonance profonde dans l’âme du spectateur contemporain.

Le succès de cette mise en scène réside dans sa capacité à réactualiser les thèmes universels de l’amour, de l’acceptation de soi et du courage. La puissance expressive de cette production émeut et fascine, tant par sa flamboyance visuelle que par la profondeur de son interprétation. En définitive, Loïc Labaste signe ici une œuvre magistrale, où la splendeur du verbe et la magnificence du spectacle se conjuguent pour offrir au public une expérience théâtrale d’une rare intensité.

« Cyrano de Bergerac » sous l’égide de Labaste n’est pas simplement un hommage à Rostand, mais une célébration de l’art théâtral dans toute sa grandeur et son exubérance. Un rendez-vous incontournable pour les amoureux du théâtre, de la poésie et du spectacle vivant.

Cyrano de Bergerac

Espace Alya – Salle A – Avignon

Auteur : Edmond Rostand
Artistes : Charly Paillet, Noémie Ducuing, Yvan Bonnin-Manoux , Hugo Schnitzler, Loïc Labaste
Metteur en scène : Loïc Labaste

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Une Mise en Scène Innovante

Le choix de la forme cabaret pour aborder un sujet aussi grave peut surprendre, mais s’avère ici d’une pertinence et d’une efficacité redoutables. Le cabaret, avec sa liberté de ton et sa capacité à mêler légèreté et profondeur, offre une distance critique qui permet de traiter l’antisémitisme avec une ironie mordante. La mise en scène exploite à merveille cette dualité, alternant moments de réflexion intense et instants de dérision, notamment à travers des blagues juives et des chansons yiddish.

Une Adaptation Fidèle et Créative

L’adaptation reste fidèle à l’essence de Sartre tout en se réinventant scéniquement. Les performances de Maud Narboni, Nicolas Pietri et Emmanuelle Touly sont à la fois vibrantes et nuancées, donnant vie aux idées complexes de Sartre avec une énergie palpable. La musique, arrangée par Fabien Packo, et la création lumière de Julien Barbazin, enrichissent l’expérience sensorielle du public, tandis que les vidéos d’Élise Boual apportent une dimension visuelle captivante, soulignant et amplifiant les thématiques abordées.

Un Texte Toujours d’Actualité

Écrit en 1944, « Réflexions sur la question juive » de Sartre n’a rien perdu de sa pertinence. En déconstruisant les mécanismes de l’antisémitisme, Sartre montre que ce dernier n’est pas un problème juif, mais un problème humain, révélateur de la peur et de l’angoisse existentielles. La mise en scène de Théâtr’âme met en exergue cette analyse avec une acuité qui résonne profondément dans le contexte actuel où les discours de haine et les préjugés continuent de prospérer.

Des Performances d’Acteurs Remarquables

Les acteurs, par leurs performances intenses et justes, parviennent à rendre accessibles et vivantes les réflexions philosophiques de Sartre. Le talent de Maud Narboni et Nicolas Pietri se manifeste dans leur capacité à incarner des personnages à la fois symboliques et profondément humains. Emmanuelle Touly, musicienne et chanteuse, ajoute une dimension émotionnelle forte, mêlant son art à celui du théâtre pour offrir une performance complète et émouvante.

Un Spectacle Soutenu et Reconnue

La reconnaissance institutionnelle de ce spectacle, soutenu par la Ville de Troyes et la Fondation pour la Mémoire de la Shoah, ainsi que la participation du Jeune Théâtre National, témoigne de l’importance et de l’impact de cette production. Ces soutiens soulignent l’urgence et la pertinence du message véhiculé par le spectacle.

Notre conclusion

En définitive, cette adaptation de « Réflexions sur la question juive » de Jean-Paul Sartre par la Compagnie Théâtr’âme est une réussite éclatante. Parvenant à conjuguer profondeur intellectuelle et accessibilité, gravité et humour, elle offre au public une expérience théâtrale riche et stimulante. Ce cabaret philosophique, à la fois divertissant et profondément éclairant, est une invitation à réfléchir sur notre humanité et à combattre les préjugés qui continuent de nous diviser. Un rendez-vous théâtral incontournable pour quiconque souhaite se confronter à la pensée lumineuse et toujours actuelle de Sartre.

AU PALACE
DU 4 AU 21 JUILLET
11H15 (durée 1H10)
RELÂCHES LES MERCREDIS

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Intrigue Complexe et Personnages Nuancés

L’intrigue tourne autour de Sir Robert Chiltern, un homme politique en apparence irréprochable, dont la carrière est menacée par l’arrivée de Mrs. Cheveley, une femme redoutablement ambitieuse et manipulatrice. Wilde, avec sa plume acerbe et son sens inné du dialogue, brosse des portraits saisissants de personnages en proie à leurs contradictions internes. Sir Robert, admiré pour son intégrité, est en réalité hanté par une malversation passée, révélant ainsi les failles et les dilemmes moraux d’un homme pris au piège de ses propres ambitions.

Une Mise en Scène Élégante et Efficace

La mise en scène, d’une élégance raffinée, utilise avec brio les ressources scénographiques du Théâtre Notre-Dame. Les décors somptueux et les costumes d’époque recréent fidèlement l’atmosphère sophistiquée de la société victorienne, tout en permettant une immersion totale dans le récit. Les jeux de lumière subtilement orchestrés accentuent les moments de tension dramatique, tandis que les transitions fluides entre les scènes maintiennent un rythme soutenu et captivant.

Interprétations Magistrales

Les interprétations des acteurs sont d’une intensité remarquable. Sir Robert Chiltern, incarné avec une grande finesse par l’acteur principal, dépeint avec justesse les tourments d’un homme partagé entre son ambition et son éthique. Mrs. Cheveley, campée par une actrice au charisme indéniable, séduit par son intelligence machiavélique et sa détermination sans faille. Les personnages secondaires, tels que Lord Goring et Lady Chiltern, apportent une profondeur supplémentaire à l’intrigue, leurs interactions ajoutant des couches de complexité aux thématiques explorées.

Thèmes Universels et Résonance Contemporaine

Wilde excelle dans l’art de dévoiler les hypocrisies et les tensions sociales de son époque, des thèmes qui résonnent avec une acuité particulière dans le contexte actuel. La pièce explore les notions de moralité publique et privée, la fragilité des apparences et les compromis nécessaires à la poursuite du pouvoir. Elle interroge également les attentes sociétales envers les individus, et en particulier envers ceux qui occupent des positions de prestige et d’autorité.

Un Défi Réussi

Cette production d’ »Un Mari idéal » est une réussite éclatante, mariant la profondeur du texte de Wilde à une réalisation scénique impeccable. Elle parvient à captiver un public moderne tout en rendant hommage à la verve et à l’esprit caustique de l’auteur. Les spectateurs ressortent non seulement divertis, mais aussi incités à réfléchir sur les enjeux moraux et sociaux, prouvant ainsi la pertinence et la puissance intemporelle de l’œuvre de Wilde.

Conclusion : Un Chef-d’œuvre Théâtral

En somme, cette représentation d' »Un Mari idéal » au Festival d’Avignon Off 2024 est un incontournable. Elle se distingue par la qualité exceptionnelle de ses interprètes, la maîtrise de sa mise en scène et la pertinence de son propos. Un moment de théâtre hautement sophistiqué qui réaffirme le génie d’Oscar Wilde et la capacité du théâtre à questionner et à éclairer les aspects les plus complexes de la condition humaine. Une expérience théâtrale inoubliable et profondément enrichissante.

Un Mari idéal 

d’Oscar Wilde

Festival d’Avignon Off 2024 

au Théâtre Notre-Dame

Du 3 au 21 juillet – 14h30

13 à 17 rue du Collège d’Annecy, Avignon

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Une Scénographie Épurée, Symbolisme Sublime

La morgue, lieu unique de cette tragédie moderne, devient le théâtre d’une intimité brutale et poignante. Les deux brancards, recouverts de draps immaculés, métaphorisent à la fois l’innocence perdue et la froideur des destinées brisées. Les tulles transparents, mobiles et éthérés, évoquent les voiles de la mémoire, se déployant et se refermant au gré des souffrances dévoilées. Le métronome, maître du temps, ponctue cette chorégraphie de vies fauchées avec une régularité implacable, rappelant la caducité inexorable de l’existence.

Personnages Aux Destinées Tragiques

Les trois protagonistes, Mathilde, Doudou la Rousse et Adan, incarnent avec une intensité rare des archétypes de la souffrance féminine. Mathilde, écrasée par la tyrannie psychologique de sa supérieure, nous renvoie à l’absurdité d’une vie professionnelle déshumanisée. Doudou la Rousse, artiste asservie par l’homme qui devrait l’élever, personnifie la tragédie de l’abus au sein de la création artistique. Adan, réfugiée afghane, devient le visage de l’exil et de la quête désespérée d’une humanité à reconstruire. Chacune de ces femmes, interprétée avec une virtuosité saisissante par Ariane von Berendt, Marine Biton Chrysostome et Guillemette Beaury, apporte une dimension supplémentaire à ce triptyque des douleurs contemporaines

Musique et Silences : Une Symphonie de Larmes

La musique, omniprésente et exécutée par les comédiennes elles-mêmes, se fait le relais des émotions les plus indicibles. Les trois accordéons, instruments de la nostalgie et de la mélancolie, deviennent les voix d’âmes égarées dans les méandres de leurs souffrances. Les silences, tout aussi éloquents, ponctuent ce dialogue de l’invisible, amplifiant l’impact des mots murmurés, des cris étouffés, des soupirs d’abandon.

Un Texte Inspiré par le Réel

Fruit de témoignages recueillis auprès des victimes et de ceux qui luttent contre ces violences, le texte de Philippot est une œuvre d’une authenticité déchirante. Il capte avec une précision chirurgicale la complexité des émotions, la subtilité des violences et la profondeur des traumas. Chaque mot, chaque phrase est un coup de scalpel dans la chair vive des injustices subies. L’écriture, à la fois poétique et brutale, sublime l’horreur pour en extraire une beauté tragique et universelle

Conclusion : Une Catharsis Collective

« Elles » n’est pas simplement une pièce de théâtre ; c’est une expérience cathartique, un appel à la conscience collective. Elle force le spectateur à confronter des réalités souvent occultées, à ressentir la détresse d’autrui et, ultimement, à s’interroger sur son propre rôle dans la perpétuation ou la dénonciation de ces violences. En nous dévoilant les vies brisées de ces femmes, Jean-Bernard Philippot nous invite à une réflexion profonde sur la résilience, la dignité et la nécessaire solidarité humaine. Cette œuvre magistrale, soutenue par une mise en scène épurée mais hautement symbolique, des interprétations d’une intensité rare et une musique poignante, est un hommage bouleversant à toutes celles qui, dans l’ombre, continuent de se battre contre l’inacceptable. « Elles » est un cri d’alarme, un poème en actes, un manifeste pour la justice et l’humanité.

RÉSUMÉ :

Résumé de « Elles » :

« Elles » est une pièce de théâtre créée par Jean-Bernard Philippot, explorant les violences faites aux femmes. Ce spectacle, le quatrième volet du projet de Philippot sur le thème de la résistance, met en scène trois femmes dans un huis-clos situé dans une morgue.

Synopsis :
Mathilde, Doudou la Rousse et Adan sont les protagonistes :
– Mathilde : Subit des violences psychologiques et du harcèlement au travail.
– Doudou la Rousse : Musicienne victime d’abus par le chanteur de son groupe.
– Adan : Réfugiée afghane, travaille comme femme de ménage et essaie de se reconstruire après avoir fui son pays. Leurs histoires sont racontées à travers un mélange de théâtre, musique en direct et projections vidéo, avec une scénographie minimaliste centrée autour de deux brancards.

Processus de création :
La pièce s’est développée à partir de témoignages recueillis par Philippot auprès de victimes de violences et de professionnels. Elle a été écrite entre 2021 et 2023 et créée lors du festival d’Avignon en 2024.

Mise en scène :
Trois comédiennes/musiciennes (Ariane von Berendt, Marine Biton Chrysostome et Guillemette Beaury) incarnent les personnages, utilisant des accordéons et des flûtes pour enrichir la narration.

Soutien et Tournée :
La pièce est soutenue par plusieurs institutions et sera en tournée en novembre 2024, notamment au Centre Culturel La Spirale de Fismes et à Soissons.

« Elles » est une œuvre poignante qui met en lumière les diverses formes de violence subies par les femmes, tout en célébrant leur résilience et leur lutte pour survivre et se reconstruire.

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L’intrigue savamment orchestrée repose sur un postulat à la fois simple et captivant : la famille Demasure se voit léguer une immense fortune par un mystérieux milliardaire argentin. Cependant, pour empocher l’héritage, toute la famille doit se présenter devant le notaire en Amérique du Sud. La quête prend une tournure rocambolesque lorsque Ariane, la sœur, s’évanouit dans la nature lors d’un tour du monde. La famille, désemparée mais déterminée, s’engage alors dans un road trip effréné et chaotique pour la retrouver, enchaînant les péripéties et révélations inattendues.

Sous la houlette de la metteur en scène Anne Bouvier, assistée de Martin Deldon, la pièce trouve un rythme effréné mais maitrisé. La direction d’acteurs est d’une précision chirurgicale, permettant à chaque comédien de déployer tout son talent. Jean Fornerod, Joseph Gallet, Marie-Hélène Lentini et Élodie Wallace incarnent avec brio des personnages aux personnalités riches et nuancées, donnant vie à une famille aussi dysfonctionnelle qu’attachante. Leur alchimie est palpable, et chaque interaction résonne d’authenticité et de profondeur émotionnelle.

La scénographie de Georges Vauraz est un véritable tour de force. Avec ingéniosité, elle transforme le plateau en une multitude de lieux exotiques et variés, plongeant le public dans l’univers global de cette quête familiale. Les créations lumineuses de Denis Koransky subliment chaque tableau, jouant habilement avec les contrastes et les ambiances pour soutenir l’évolution narrative.

Le Théâtre du Roi René, lieu emblématique d’Avignon, offre un écrin parfait pour cette comédie brillante. Sa salle du Roi accueille les spectateurs dans une ambiance intimiste, favorisant une immersion totale dans l’univers dépeint par les auteurs. La disposition des lieux permet à chaque spectateur de capter toutes les subtilités des performances et des décors, maximisant ainsi l’impact émotionnel de chaque scène.

L’engagement des artistes sur scène se ressent dans chaque réplique, chaque geste. Jean Fornerod, en patriarche à la fois autoritaire et désemparé, nous entraîne dans ses contradictions et ses doutes. Joseph Gallet, à la fois auteur et interprète, incarne avec justesse un personnage oscillant entre humour et profondeur. Marie-Hélène Lentini apporte une fraîcheur et une vivacité remarquables, tandis qu’Élodie Wallace, en sœur rebelle et mystérieuse, dégage une intensité qui captive l’audience. Leur performance collective est une véritable démonstration de maîtrise théâtrale, rendant hommage à l’écriture fine et subtile de Gallet et Wallace.

Les moments comiques, savamment dosés, alternent avec des passages plus graves, sans jamais tomber dans le mélodrame. Le spectateur est entraîné dans un tourbillon d’émotions, passant du rire aux larmes avec une fluidité remarquable. Les dialogues, percutants et pleins d’esprit, révèlent une profondeur insoupçonnée, offrant des moments de réflexion sur la nature humaine et les relations interpersonnelles.

L’aspect visuel de la pièce, également soigné, mérite une mention spéciale. Les costumes de Christine Villers sont non seulement esthétiquement plaisants mais aussi significatifs, chaque détail vestimentaire contribuant à définir les personnalités et les évolutions des personnages. La création musicale de Mehdi Bourayou, discrète mais essentielle, soutient parfaitement l’action, ajoutant une couche émotionnelle supplémentaire.

En somme, « Ma Famille en Or » réussit le pari audacieux de mêler humour et émotion dans une aventure théâtrale aussi divertissante qu’enrichissante. Ce spectacle est une preuve éclatante que le théâtre peut être à la fois accessible et profond, touchant un large public tout en abordant des thèmes universels avec sensibilité et intelligence.

Pour ceux qui ont la chance d’être à Avignon cet été, « Ma Famille en Or » est une expérience à ne pas manquer. Elle incarne l’essence même du théâtre : un art vivant, capable de rassembler, d’émouvoir et de faire réfléchir. Réservez sans plus tarder vos places pour cette pièce qui s’annonce comme l’un des moments forts de cette édition du Festival d’Avignon. Une chose est sûre, les spectateurs ressortiront avec des souvenirs impérissables et une envie renouvelée de célébrer la magie du théâtre.

Rendez-vous donc du 9 au 21 juillet 2024, à 15h25, au Théâtre du Roi René pour une plongée inoubliable au cœur de « Ma Famille en Or ». Un héritage théâtral que l’on reçoit avec joie et admiration.

RÉSUMÉ :

La famille Demasure a gagné le gros lot : un mystérieux milliardaire argentin leur lègue sa fortune et ils doivent se rendre en Amérique du sud pour toucher l’héritage. Mais il y a une condition : ils doivent tous être présents devant le notaire pour signer les papiers et récupérer l’argent qui va changer leur vie. Petit bémol, Ariane, la soeur, ne veut plus entendre parler d’eux. Elle est partie faire le tour du monde depuis trois mois et personne ne sait où elle est ! 

Prêts à tout pour toucher leur argent, ils vont se lancer à sa recherche pour tenter de la retrouver au gré des indices qu’elle a semés sur sa route.  Ce road trip imprévu et chaotique aux quatre coins du globe sera l’occasion pour eux de régler leurs comptes, déterrer les secrets et découvrir les raisons qui ont poussé cet inconnu à leur léguer sa fortune.

Info :
Par Joseph Gallet co-auteur du succès « Diner de famille » et Elodie Wallace autrice du Molière 2023 du meilleur seul en scène.

« Ma Famille en Or »

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L’Intrigue

L’histoire débute en 1187, lors du mariage d’Esclarmonde, une jeune femme du Domaine des Murmures. Refusant de prononcer les vœux matrimoniaux, elle choque toute l’assemblée en choisissant de se consacrer à Dieu. Sa décision radicale de vivre en recluse, emmurée jusqu’à sa mort, est à la fois un acte de foi et de rébellion contre l’autorité paternelle. Ce choix, cependant, la mène bien au-delà de la simple solitude : Esclarmonde se retrouve à la croisée des chemins entre les vivants et les morts, influençant son époque et les destinées des pèlerins et croisés.

Interprétation et Mise en Scène

Jessica Astier, qui interprète Esclarmonde, offre une performance captivante et émotive. Sa présence sur scène est magnétique, capable de transmettre la complexité des sentiments de son personnage : la dévotion, la douleur, l’isolement, mais aussi la force intérieure et l’inspiration qu’elle diffuse autour d’elle. La mise en scène de William Mesguich est ingénieuse, utilisant habilement l’espace restreint de la scène pour symboliser l’enfermement d’Esclarmonde tout en laissant place à des moments d’évasion et de rêve.

La scénographie, également conçue par Jessica Astier, soutient puissamment cette ambiance. Les décors de Grégoire Lemoine et les costumes d’Alice Touvet ajoutent une dimension historique réaliste, tout en renforçant le côté onirique de la pièce. Les vidéos de Mehdi Izza et la création sonore de Tim Vine enrichissent l’expérience sensorielle, plongeant le public dans un état proche de la contemplation mystique.

Thèmes et Réflexions

La pièce aborde des thèmes profonds et universels : le sacrifice, la liberté, la spiritualité, et la condition féminine. Esclarmonde, par son choix radical, devient une figure emblématique des femmes de son temps, mais aussi un symbole intemporel de résistance et de quête de sens. La mise en lumière de son destin nous interroge sur la notion de réclusion, volontaire ou imposée, et sur la puissance spirituelle et morale que peut en découler.

Expérience Poétique et Mystique

La pièce est une véritable expérience immersive. La narration poétique de Carole Martinez, respectée et magnifiée par l’adaptation de Jessica Astier, transporte le spectateur dans un voyage intérieur intense. La pièce parvient à mêler réalité historique et imaginaire, offrant une vision onirique et mystique de la vie d’Esclarmonde. Les murmures du fantôme de l’héroïne, qui résonnent à travers les âges, nous rappellent la persistance de son esprit et de son histoire.

Conclusion

En somme, Du domaine des murmures est une œuvre théâtrale profondément émouvante et riche de sens, qui célèbre la mémoire et la force des femmes à travers l’histoire. La performance de Jessica Astier et la mise en scène de William Mesguich forment un duo harmonieux, délivrant une pièce d’une beauté rare et d’une profondeur saisissante. Pour ceux qui savent tendre l’oreille, le murmure d’Esclarmonde est une invitation à la réflexion et à l’émerveillement. Une expérience théâtrale à ne pas manquer, célébrée à juste titre par le Prix Goncourt du Lycéen en 2011.

« DU DOMAINE DES MURMURES »

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