François Deblaye est artiste interprète  au parcours singulier, marqué par des allers-retours entre la scène artistique et les coulisses du spectacle vivant. D’abord chanteur, il explore très tôt l’écriture et l’interprétation avec une sensibilité tournée vers l’humain et l’émotion vraie.

Il évolue ensuite dans l’univers de la communication culturelle, notamment comme attaché de presse au Théâtre du Gymnase, développant une connaissance fine du milieu artistique et du rapport au public. Mais la musique reste son fil conducteur.

En 2020, il forme le duo Les Amoureux du Sacré Cœur, avant de revenir aujourd’hui à un projet solo plus intime. Avec son nouveau titre « L’autre côté de la rivière », François Deblaye propose une chanson introspective et poétique, une réflexion sur cette quête universelle du bonheur que l’on cherche souvent ailleurs… alors qu’il se trouve parfois tout près de nous.

Son univers s’inscrit dans une chanson Française contemporaine sensible, où le texte occupe une place centrale et où la sincérité prime sur l’effet.

Avec “L’autre côté de la rivière”, François Deblaye signe un titre délicat et profondément humain. Disponible dès à présent sur toutes les plateformes de téléchargement, le titre est accompagné de son clip sur YouTube, le morceau s’impose comme une parenthèse sensible et douce dans ce tumulte ambiant et anxiogène actuel

“L’autre côté de la rivière”, c’est l’histoire de ceux qui savent que le bonheur n’est pas toujours là où on le cherche… mais parfois, juste à côté de nous, il évoque cette province parfois méprisée et mal-aimée.

Une chanson comme un miroir

Dans cette nouvelle composition, François Deblaye explore cette quête intérieure que nous connaissons tous : chercher ailleurs ce que l’on possède déjà. La rivière devient métaphore. Elle sépare, elle intrigue, elle attire. On imagine que l’herbe y est plus verte ailleurs . On fantasme l’autre rive.Mais si le véritable voyage n’était pas géographique ? S’il était émotionnel ?

La voix se pose avec sincérité, portée par une production élégante qui laisse respirer le texte. Rien de superflu. Juste l’essentiel : une mélodie qui touche, des mots qui résonnent, et cette impression douce-amère d’avoir déjà vécu ce que la chanson raconte.

Un clip à découvrir impérativement 

Le titre est accompagné d’un clip à découvrir sur YouTube, qui prolonge cette atmosphère introspective et contemplative. Une invitation visuelle à la traversée, au questionnement, au recentrage

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Avec FOREVER – The Best Show About The King of Pop, c’est toute la puissance de cette œuvre mythique qui renaît sous les projecteurs dans une célébration scénique d’envergure.

Une célébration plus qu’un hommage

FOREVER n’est pas un simple spectacle hommage. C’est une immersion totale dans un univers artistique qui a redéfini les codes de la pop moderne. Dès les premières minutes, le spectateur est happé par une mécanique scénique parfaitement huilée où se conjuguent précision chorégraphique, intensité musicale et fidélité esthétique. Les artistes sur scène ne se contentent pas d’interpréter des titres emblématiques ; ils recréent une énergie, une atmosphère, une signature. Celle d’un artiste visionnaire dont chaque geste, chaque rythme et chaque silence participaient d’une écriture spectaculaire unique.

Une expérience sensorielle et émotionnelle

Le répertoire du King of Pop appartient désormais au patrimoine musical universel. De génération en génération, ces chansons demeurent intactes dans leur capacité à rassembler et à provoquer une émotion immédiate. L’événement capitalise sur cette force intemporelle pour proposer une expérience profondément immersive.

L’orchestre live insuffle une vibration organique aux arrangements tandis que les tableaux visuels restituent l’intensité des performances qui ont marqué l’histoire du spectacle vivant. Le public ne regarde pas simplement un show : il revit une mémoire collective.

Le Grand Rex, écrin d’un événement d’exception

Lieu emblématique du paysage culturel parisien, le Grand Rex s’impose comme un cadre idéal pour accueillir une production d’une telle ampleur. Chargée d’histoire, la salle confère au spectacle une dimension supplémentaire, presque cérémonielle.

Dans cet écrin mythique, la scénographie déploie toute sa puissance et rappelle combien l’univers de Michael Jackson était indissociable de la notion même de spectacle total.

Un héritage qui continue de rassembler

Plus de quinze ans après la disparition de l’artiste, l’empreinte de Michael Jackson demeure d’une étonnante modernité. Son influence irrigue toujours la création contemporaine, qu’il s’agisse de musique, de danse, de mode ou de mise en scène.

FOREVER – The Best Show About The King of Pop s’inscrit dans cette continuité en offrant au public l’opportunité rare de renouer avec une œuvre qui a façonné l’histoire de la culture populaire mondiale. Le succès international du spectacle témoigne de cette permanence émotionnelle : certaines légendes ne connaissent pas l’usure du temps.

Une invitation à la redécouverte

Que l’on soit admirateur de longue date ou simple amateur de performances scéniques d’envergure, FOREVER – The Best Show About The King of Pop agit comme une passerelle entre les époques. Le spectacle rappelle une évidence trop souvent oubliée : la scène possède ce pouvoir singulier de raviver les mythes et de transformer la nostalgie en expérience vivante.

Plus qu’un retour, FOREVER – The Best Show About The King of Pop propose une redécouverte. Plus qu’un souvenir, une célébration

Forever
The best show about The King of Pop

Du 17 au 20 Février 2026 au Grand Rex à Paris et en tournée dans toute la France

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Porté par quatre voix d’exception de la scène française, ce spectacle inédit vous plonge au cœur de l’univers musical envoûtant de cette artiste légendaire. Une célébration vibrante de ses plus grands succès, sous la direction artistique de l’incontournable Erick Benzi, artisan de ses plus belles réussites en France.Un show spectaculaire, émouvant et immersif, qui retrace la carrière exceptionnelle d’une icône ayant marqué des générations entières.

De Pour que tu m’aimes encore à My Heart Will Go On, en passant par Encore un soir, laissez-vous emporter par la magie de ses chansons intemporelles, interprétées par de jeunes artistes aux voix uniques, dans une mise en scène à couper le souffle.

Génération Céline, c’est : 2 heures de pur bonheur, Une communion intense avec le public, Une expérience musicale et émotionnelle unique, mais avant tout, un Un hommage vibrant à une légende vivante. En tournée dans toute la France dès le 9 janvier 2026, et à Paris, le 6 février 2026 au Dôme de Paris

France qui célèbre la carrière et les plus grands succès de Céline Dion, icone de la chanson francophone. Vivez une expérience immersive et émotionnelle unique en son genre, à travers les chansons intemporelles de Céline Dion qui vous sont présentées par de jeunes artistes aux voix uniques dans un spectacle à couper le souffle !

Laissez-vous emporter par la magie de ses succès inoubliables et découvrez l’héritage musical incomparable de cette légende vivante.

Génération Céline est hommage vibrant à une artiste d’exception qui continue d’inspirer des générations entières et de toucher le coeur de millions de fans à travers le monde. Pour (re)vivre sur scène l’émotion et le partage d’un répertoire incontournable, venez découvrir le spectacle Génération Céline : deux heures de pur bonheur et de communion pour tous les fans de Céline Dion et de ses chansons mythiques…

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Teinté de HI-NRG, courant musical emblématique des années 80 aux sonorités électroniques et synthétiques, « Libère-toi du rythme » s’impose comme une invitation immédiate à la danse. Mais derrière son groove imparable, le titre porte un propos fort : Nâdiya y dénonce l’invasivité des technologies numériques dans nos vies, capables d’entraver l’imagination, la créativité et la liberté individuelle. Le « rythme », astucieusement personnifié par l’artiste, devient une métaphore de cette routine numérique aliénante, proche de ce que certains appelleraient la matrice. Le message est clair : se déconnecter pour mieux se reconnecter à l’essentiel, sortir des sentiers battus et reprendre le contrôle

Artiste majeure de la scène pop française des années 2000, Nâdiya totalise plus de 5 millions de disques vendus. Elle débute sa carrière musicale en 2001 avec l’album Changer les choses, rapidement salué par le public et nommé aux Victoires de la musique 2002. En 2004, le single « Parle-moi » devient un hit incontournable et propulse la chanteuse au sommet. Sa popularité est consacrée en 2005 par une Victoire de la musique, faisant d’elle une icône de toute une génération.

Son univers, mêlant pop et influences urbaines, se distingue par une énergie communicative et des titres devenus cultes :« Et c’est parti », « Si loin de vous », « Tous ces mots », « Roc » ou encore « Tired of Being Sorry » en duo avec Enrique Iglesias.

Avant la musique, Nâdiya s’est illustrée dans l’athlétisme de haut niveau. Cette discipline lui a transmis une rigueur, une détermination et une énergie qu’elle transpose aujourd’hui sur scène, faisant de chacune de ses performances un moment intense et fédérateur. Avec plusieurs albums à succès, dont 16/9 et NÂDIYA, tous deux certifiés disque de platine, l’artiste continue d’évoluer sans jamais renier son identité. Point d’orgue à venir : Nâdiya fêtera ses 30 ans de carrière lors d’un concert unique le 18 décembre 2026 au Cirque d’Hiver à Paris.

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Depuis plus de vingt ans, Souad Massi s’impose comme une voix essentielle de la scène internationale. Sa guitare en bandoulière, elle chante les blessures du monde autant que les élans du cœur, avec une sincérité qui touche au plus juste. Le Zagate Tour s’inscrit dans cette continuité : un spectacle épuré, habité, où chaque chanson devient un espace de partage et de résonance.

Sur scène, Souad Massi offre une présence à la fois pudique et puissante. Sa musique, nourrie de ses racines nord-africaines et de ses influences folk anglo-saxonnes, traverse les langues et les frontières. Le public retrouvera ses titres emblématiques, mais aussi de nouvelles compositions, dans une scénographie qui privilégie l’émotion, la proximité et la profondeur du propos.

Le Zagate Tour fera escale dans des lieux emblématiques, mêlant théâtres, opéras et grandes salles européennes, confirmant le rayonnement d’une artiste dont la parole et la musique restent plus que jamais nécessaires.

DATES :

14.03.2026 :  Mézidon Vallée d’Auge – La Loco

21.03.2026 :  Dijon – Opéra de Dijon

28.03.2026 : Villefranche-sur-Saône – Théâtre de Villefranche

11.04.2026 :  Vitry-sur-Seine – Théâtre Jean Vilar

17.04.2026 : Les Ulis – Espace Culturel Boris Vian

07.05.2026 : Lörrach (DE) – Burghof

08.05.2026 : Potsdam (DE) – Nikolaisaal

09.05.2026 : Londres (GB) – Barbican Centre

31.05.2026 : Strasbourg – La Laiterie

18.06.2026 : Paris – Théâtre du Châtelet

18.10.2026 : Utrecht (NL) – TivoliVredenburg

29.11.2026 : Lille – Théâtre Sébastopol

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À peine revenu d’une tournée américaine saluée par le public, le fils du célèbre chanteur franco-américain Joe Dassin propose une représentation exceptionnelle dans la capitale, accompagné de ses musiciens du Paris Tour Eiffel Band. À travers le spectacle Joe Dassin Story, Julien Dassin invite le public à une immersion émouvante dans l’univers musical de son père. Les plus grands titres du répertoire – L’Été indien, L’Amérique, À toi – sont interprétés en live, dans un esprit de fidélité et de transmission.

Le spectacle se distingue également par l’intégration de rares images d’archives et de vidéos inédites, offrant un dialogue sensible entre mémoire et présent. Plus qu’un concert hommage, Joe Dassin Story se présente comme une célébration vivante de l’héritage d’une icône de la chanson française

Après avoir conquis le public dans plus de 25 pays, de l’Europe au Canada jusqu’aux États-Unis, le spectacle revient régulièrement en France et en Belgique pour des dates événement. Une soirée placée sous le signe de la nostalgie, de l’émotion et du partage, à ne pas manquer

Julien Dassin

chante

Joe Dassin

Théâtre de la Tour Eiffel – Paris

Jeudi 16 avril 2026-20h00

En tournée dans toute la France

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Déjà 2,5 millions de vues sur YouTube, ce duo revisite un classique intemporel avec une élégance naturelle et une énergie communicative. Les sonorités gipsy-pop, marque de fabrique des Gypsy Queens, insufflent une nouvelle jeunesse à ce morceau emblématique, porté par des voix qui s’accordent avec évidence. Résultat : un titre joyeux, chaleureux, irrésistiblement entraînant, un rayon de soleil …

Du glamour à l’italienne 

Tourné dans un décor italien chic et ensoleillé, entre Nice et New York, le clip est une véritable ode à la danse, au partage et à la dolce vita. On y retrouve l’atmosphère pétillante qui fait le charme des Gypsy Queens, sublimée par la présence charismatique et complice de Tony Danza. Un moment suspendu, qui fait du bien au cœur comme aux oreilles, et qui invite au voyage dès les premières notes. Façonnés par le flamboyant Didier Casnati, alias Didi, les Gypsy Queens ont tracé un parcours singulier. Des restaurants niçois aux scènes les plus prestigieuses, ils ont séduit un public international et partagé la scène, ou l’intimité de soirées privées avec des artistes tels qu’Elton John, Bono ou Beyoncé

Avec plus de 100 millions de vues sur YouTube et des millions d’écoutes sur les plateformes de streaming, leur univers envoûtant touche un public toujours plus large. Après deux albums marqués par des reprises devenues incontournables (Volare, L’Italiano, L’Americano), le groupe revient aujourd’hui avec Reminiscing with Friends, arrangé par le légendaire Larry Klein (Leonard Cohen, Norah Jones, Iggy Pop, Peter Gabriel).

Tu veux du feel-good ?

Premier extrait de cet album, Buona Sera Signorina incarne parfaitement l’esprit des Gypsy Queens : de la vie, du sourire, du partage, et ce petit supplément d’âme méditerranéen qui fait toute la différence. La collaboration avec Tony Danza apporte une touche supplémentaire d’émotion et de générosité, transformant le morceau en véritable hymne feel-good

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Née le 27 mars 1968 à South Orange, dans le New Jersey, Stacey Kent incarne une synthèse précieuse entre fidélité aux traditions et sensibilité contemporaine. Au-delà des distinctions et des chiffres, c’est avant tout par l’intensité subtile de l’émotion qu’elle suscite qu’elle s’impose comme l’une des grandes voix du jazz actuel

Avant les scènes et les projecteurs, il y eut les livres. Diplômée de littérature à New York, Stacey Kent nourrit très tôt un rapport intime aux mots, qui marquera durablement son rapport au chant. Mais c’est la musique qui finit par s’imposer, la conduisant jusqu’à Londres et à la prestigieuse Guildhall School of Music and Drama. C’est là que sa voix trouve sa pleine mesure, dans une rigueur britannique tempérée par la chaleur du jazz. À Londres, elle rencontre également le saxophoniste, percussionniste et producteur Jim Tomlinson. Leur mariage, célébré en 1991, scelle une alliance artistique exceptionnelle. Ensemble, ils construisent au fil des décennies une signature sonore immédiatement reconnaissable, où le saxophone dialogue avec la voix dans une complicité presque télépathique

En 1995, le cinéma lui offre une première apparition remarquée dans Richard III de Richard Loncraine. Une brève scène, mais déjà une évidence : Stacey Kent possède cette présence naturelle qui n’a pas besoin d’effets pour s’imposer. Lorsque paraît Close Your Eyes en 1997, les amateurs de jazz savent qu’une nouvelle étoile est née. Onze titres suffisent à installer sa réputation, notamment les sublimes More Than You Know et You Go to My Head. Tout est déjà là : la pureté cristalline du timbre, la diction impeccable héritée de ses études littéraires, cette façon unique de faire vivre chaque syllabe

Les albums s’enchaînent avec la précision d’un orfèvre : The Tender Trap (1998), Only Trust Your Heart (1999), puis Let Yourself Go: Celebrating Fred Astaire (2000), hommage lumineux à l’âge d’or américain. En 2002, In Love Again célèbre Richard Rodgers avec une élégance devenue sa signature

Ma rencontre avec Jim Tomlinson a eu un impact majeur sur ma carrière

Extrait interview art scène radio

Mais c’est en France que Stacey Kent trouve un véritable second foyer. Le public Français, réputé pour son exigence et sa fidélité aux grandes voix, lui réserve un accueil enthousiaste. The Boy Next Door (2003) est certifié disque d’or,  une consécration rare pour une artiste de jazz. À Paris, chacun de ses concerts devient un rendez-vous presque rituel, où initiés et néophytes se retrouvent dans une même ferveur

Les récompenses jalonnent naturellement un parcours d’une telle cohérence. Animatrice d’émissions de jazz sur BBC Radio 1 et 2, Stacey Kent reçoit le British Jazz Award en 2001, puis le BBC Jazz Award de la meilleure voix en 2002. En 2006, The Lyric, réalisé en étroite collaboration avec Jim Tomlinson, est sacré meilleur album de l’année aux BBC Jazz Awards. L’année suivante, Breakfast on the Morning Tram confirme son statut, mêlant avec finesse compositions originales et standards revisités. En mars 2009, la France lui rend un hommage particulier en la décorant de l’Ordre des Arts et des Lettres, saluant non seulement une artiste majeure, mais aussi une « passeuse » d’émotions, capable de faire dialoguer les cultures et les sensibilités

Le secret de Stacey Kent réside dans cette capacité rare et naturelle à dépasser la simple performance technique pour atteindre une forme d’intime universalité. Sa voix possède la douceur de berceuse pour adultes, apaisante sans jamais sombrer dans la mièvrerie. Sur scène, accompagnée de musiciens d’exception, Jim Tomlinson (son époux) ou le pianiste Art Hirahara, elle offre un voyage musical généreux, suspendu hors du temps, une parenthèse où tout le reste est suspendue

J’ai un lien spécial avec la France grâce à mon grand-père français installé aux États-Unis

Extrait interview art scène radio 

Dans les grandes salles comme dans les clubs intimistes, le même miracle opère : le public se laisse envelopper par cette voix qui semble venir d’un âge d’or rêvé. Pourtant, rien de passéiste dans sa démarche. Stacey Kent ne joue pas un rôle : elle est une artiste profondément contemporaine, habitée par une élégance intemporelle

Héritière d’Ella Fitzgerald, Billie Holiday ou Sarah Vaughan, elle trace néanmoins son propre sillon, avec modestie et exigence. Une voix qui ne se contente pas de chanter des notes, mais raconte des histoires, partage des émotions et crée des souvenirs durables. Stacey Kent revient  avec A Little Time For Love, un EP lumineux qui met en valeur son phrasé exquis et la complicité musicale intime qu’elle partage avec Jim Tomlinson. Le titre phare, Carinhoso, rayonne par la délicatesse de leur jeu vocal, tandis que Lucky To Be Me s’ouvre sur une atmosphère ample et accueillante. Trains And Boats And Planes offre un nouveau moment rare d’harmonie partagée.

Le toucher rythmique subtil d’Art Hirahara relie l’ensemble de l’EP, insufflant à chaque morceau un souffle délicat et une grâce naturelle. Cette sortie, prévue en décembre, offre un avant-goût chaleureux du prochain album de Stacey Kent, A Time For Love, attendu pour début avril 2026. Dans un monde souvent bruyant et précipité, Stacey Kent continue d’offrir ce cadeau rare : une pause, un instant de beauté pure, où la musique murmure plus qu’elle ne s’impose, et touche précisément pour cette raison

Nouvel EP A Little Time For Love disponible

Nouvel album A Time For Love sortie le 3 avril 2026

Nouvelle tournée 2026 : 

31 mars : Annecy – 1er avril : Lyon – 03 & 04 avril : Pau – 07 avril : Lille – 8 avril : Boulogne-Billancourt –  9 avril : Nantes – 11 avril : Cenon – 3 décembre : Déville-lès-Rouen

 8 décembre : Salle Pleyel- Paris 

Photo 1 : Sara Pettinella

Photo  3 : Lorena Dini

photo 2 : @actumedia

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Après une carrière marquée par des collaborations prestigieuses et des rencontres décisives,  de l’Eurovision aux grandes maisons de production, Sofia Mestari a choisi de réorienter son parcours en s’installant à Marrakech. Ce retour au Maroc s’apparente autant à une quête personnelle qu’à une volonté d’enracinement artistique. Elle y trouve un espace propice à la création, un lien renouvelé avec sa culture et un public qu’elle s’apprête à retrouver lors de son tout premier concert au Maroc, programmé après le Ramadan.

Parallèlement à la musique, l’artiste a toujours mené un engagement social constant, en France comme à l’étranger. En Côte d’Ivoire, elle a notamment contribué à la distribution de milliers de kits scolaires au profit d’enfants défavorisés, en partenariat avec la fondation Children of Africa. Ces initiatives humanitaires, loin d’être secondaires, façonnent sa conception même de l’art : une manière de transmettre, de participer, d’agir et de rendre également visible ce qui ne l’est pas suffisamment.

Cette nouvelle phase de sa carrière s’accompagne de collaborations artistiques au Maroc, dont un travail en cours avec Ahmed Soultan, figure majeure de la scène musicale afro-marocaine. Ensemble, ils explorent des sonorités mêlant influences Africaines, textures électroniques et mélodies introspectives, ouvrant la voie à un renouvellement esthétique.

Avec AFRICA, Sofia Mestari ne signe pas seulement un nouveau single : elle affirme une maturité nourrie d’expériences, de voyages, d’engagement et de liberté . Sa musique se veut désormais porteuse d’espoir, d’émotion et de sens. Ce retour, empreint de sérénité et de profondeur, sonne comme l’ouverture d’un nouveau chapitre où l’artiste, plus que jamais, avance en accord avec ce qui l’inspire et la définit profondément.

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Car avant d’embrasser les standards du jazz, Cécile Brocas a sillonné les plus grandes scènes parisiennes en tant que choriste gospel et RnB, accompagnant artistes de variété et de hip-hop, aussi bien en concert qu’en studio et à la télévision. Vingt années d’un travail vocal exigeant, qui ont façonné une maîtrise solide du rythme, de la nuance et de l’émotion vraie.

Un quintet soudé et une aventure musicale façonnée par de grands noms

Depuis 2019, Cécile Brocas mène son quintet de jazz, une formation soudée avec laquelle elle a conçu cet album. Autour d’elle, une équipe d’exception : Fred Nardin (piano, direction musicale, arrangements), déjà aux côtés de Pascal Obispo, Fabien Marcoz (contrebasse), Romain Sarron (batterie), et, en invité de cœur, le saxophoniste Baptiste Herbin, véritable « frère souffleur » dont le lyrisme flamboyant répond aux nuances douces et pleines de retenue de la chanteuse.

Leur entente évoque par moments les fulgurances de Cannonball Adderley aux côtés de Nancy Wilson ou l’élégance de Clifford Brown accompagnant Helen Merrill  mais toujours avec cette singularité propre à Cécile Brocas, parfaitement captée par la couverture du photographe Philippe Lévy-Stab, amoureux du noir et blanc et de l’argentique.

Un album enregistré à l’aube d’une nouvelle vie

That Was a Dream porte parfaitement son nom. La chanteuse l’a enregistré juste avant la naissance de sa petite Laura, donnant paradoxalement à ce premier album la douceur et la profondeur d’une période suspendue. Priviliégiant la délicatesse à la puissance, Cécile Brocas offre des interprétations où l’écoute de l’autre héritage de ses années en tant que kiné, devient une sensibilité musicale unique. Après avoir touché pour soigner, elle touche désormais pour émouvoir

L’album propose un parcours élégant dans le grand répertoire américain, mais porté par une volonté de réinventer sans dénaturer.
Parmi les partis pris de Fred Nardin : une composition rare de Thelonious Monk, dont est tiré le titre de l’album, une nouvelle tonalité pour You’d Be So Nice to Come Home To, l’ajout d’un orgue sur Peace, né d’un heureux hasard : l’instrument se trouvait dans le studio, deux interventions précieuses du guitariste Hugo Lippi (sur Skylark et Peace), la présence lumineuse du percussionniste Inor Sotolongo sur plusieurs titres. À ces standards s’ajoutent deux chansons françaises et un cadeau inespéré : Que feras-tu de ta vie ? Une version Française du chef-d’œuvre de Michel Legrand, La Muraille de Chine d’Henri Salvador, découverte alors que Fred Nardin travaillait sur des arrangements pour Pascal Obispo, et surtout All I’ve Ever Really Wanted, une composition originale signée Philippe Powell sur des paroles de Jesse Harris.

Cette dernière est née d’un moment de grâce : deux semaines avant l’enregistrement, après une jam au Duc des Lombards, Powell, séduit par la voix de Cécile, lui propose spontanément d’écrire un titre. Une rencontre qui tombe à pic. Et qui marque souvent, dans une carrière, un tournant.
Avec ce premier opus, Cécile Brocas fait une entrée en musique à la fois lumineuse et naturelle, comme si sa voix attendait depuis longtemps de prendre le premier rôle. Entre un quintet soudé, des signatures prestigieuses, une maturité vocale rare et une sensibilité forgée au contact de l’humain, That Was a Dream s’annonce comme l’un des disques de jazz vocal les plus prometteurs de l’année 2026

Sortie du 1er single : 28 novembre 2025

Sortie de l’album : 23 janvier 2026

Photo : Philippe Levy-Stab
Contact presse : Sébastien Belloir

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