Quand on m’a proposé d’assister à cette adaptation du chef-d’œuvre d’Alfred de Musset, l’envie a été immédiate. Et en découvrant que Florian Hessique faisait partie de la distribution, la curiosité s’est transformée en véritable attente.

Une histoire d’amour entre orgueil et passion

Dans cette pièce, tout résonne avec une étonnante modernité. On y suit Camille et Perdican, amis d’enfance promis l’un à l’autre, qui se retrouvent après plusieurs années de séparation. Très vite, leurs retrouvailles laissent place à un jeu subtil et cruel où les sentiments se cachent derrière la fierté, les silences et les provocations.

La mise en scène fait parfaitement ressortir cette tension permanente entre désir d’aimer et peur de souffrir. Chaque échange semble faire basculer un peu plus les personnages entre tendresse et affrontement, jusqu’à rendre leur histoire profondément bouleversante

Des textes d’une beauté saisissante

Ce qui frappe avant tout, c’est la puissance du texte de Musset. Certaines répliques résonnent avec une force incroyable et donnent à la pièce toute sa dimension universelle.

Impossible de ne pas être touché par les mots de Perdican :

« On est souvent trompé en amour, souvent blessé, souvent malheureux ; mais on aime, et quand on est sur le bord de sa tombe, on se retourne pour regarder en arrière, et on se dit : j’ai souffert souvent, je me suis trompé quelquefois, mais j’ai aimé. »

Ou encore par cette confession de Camille :

« Je veux aimer, mais je ne veux pas souffrir. Je veux aimer d’un amour éternel et faire des serments qui ne se violent pas. »

Des phrases qui traversent les années sans perdre de leur vérité…

Une mise en scène portée par des comédiens habités

La force du spectacle repose aussi sur l’interprétation des comédiens, qui donnent une grande intensité émotionnelle à cette œuvre romantique. Les regards, les silences, les changements de ton : tout participe à rendre les personnages profondément vivants et humains.

La scénographie accompagne avec finesse cette montée des émotions et crée par moments une véritable sensation de temps suspendu, où poésie et tension dramatique se répondent constamment.

Une pièce à découvrir absolument

Entre romantisme, cruauté des sentiments et beauté des mots, cette adaptation de On ne badine pas avec l’amour offre un très beau moment de théâtre. Une œuvre vibrante et toujours actuelle, portée par une équipe artistique remarquable, que je vous recommande vivement d’aller découvrir.

On ne badine pas avec l’Amour  

Guichet Montparnasse
Jusqu’au 25 Juin 2026

Mise en scène : Peter King, Cédric Keller
Artistes : Patrick Bethbeder, Maya Dory, Abel Gouttenoire, Emma Gombaud, Florian Hessique, Cédric Keller, Célia Lelong

Billetterie : points de vente habituels

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Au Dôme de Paris

du mercredi 03 au dimanche 07 juin 2026

Mercredi, jeudi, vendredi, Samedi : 20h00

Samedi et dimanche : 15h00

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Puis le rideau s’ouvre…

Un trio qui embrase la salle

Attablée, Julie Ferrier capte immédiatement le regard. En quelques secondes, elle impose une présence folle, un rythme, une énergie presque électrique. Et pendant plus d’une heure quinze, les éclats de rire s’enchaînent sans jamais retomber.

La pièce culte de Josiane Balasko revisitée avec moderniste

Si Josiane Balasko signe un texte culte, mais cette version de Nuit d’ivresse lui offre une nouvelle jeunesse : vivante, moderne, terriblement incarnée.

Julie Ferrier et Philippe Lellouche le duo parfait

Le duo formé par Philippe Lellouche et Julie Ferrier fonctionne à merveille. Les répliques claquent, les silences font mouche, les regards suffisent parfois à déclencher l’hilarité générale.

Et au milieu de cette partition parfaitement orchestrée, Ian Fénélon dans le rôle du cafetier (impeccable du début à la fin) apporte ce supplément d’âme qui rend les personnages profondément attachants.

Julie Ferrier une tornade sur scène

Mais la véritable tornade de la soirée, c’est Julie Ferrier. Elle ne joue pas la pièce : elle la dévore, la transforme, l’habite entièrement. Chaque geste, chaque intonation, chaque improvisation semble naître dans l’instant. On a envie de l’applaudir en pleine scène tant son énergie est communicative. Rarement une comédienne aura donné cette sensation de liberté et de générosité sur scène

La pièce culte écrite par Josiane Balasko revisitée avec modernité

Le public, lui, ne s’y trompe pas. Les rires fusent de tous les côtés, francs, puissants, incontrôlables. Et lorsque la lumière s’éteint, c’est une salle debout qui ovationne les comédiens.
Une standing ovation méritée pour une pièce qui fait un bien fou.

Standing ovation pour une troupe en état de grâce

Nuit d’ivresse, c’est exactement ce que l’on aime au théâtre : des personnages hauts en couleur, une mécanique comique redoutable, une troupe soudée et ce sentiment précieux d’avoir passé un moment suspendu. Une de ces soirées dont on ressort le sourire aux lèvres… avec déjà l’envie d’y retourner

NUIT D’IVRESSE 

Actuellement au Théâtre de la Madeleine jusqu’au 30 Mai 2026

Auteur : Josiane Balasko
Mise en scène : Laurent Petrelli
Avec : Julie Ferrier, Philippe Lellouche, Ian Fénelon

Billetterie : Points de vente habituels

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Dès l’entrée, une énergie inattendue flotte dans l’air, portée par les sons de The Strokes. Je m’installe, curieuse, mais encore un peu sur la réserve.

Une ouverture volontairement déroutante

Puis la pièce commence

Les premières minutes déconcertent : des personnages déguisés, une narration difficile à saisir…Pendant un quart d’heure, le doute s’installe. Et si l’on restait à distance ? Et si la promesse n’était pas tenue ?

Et puis, soudain, tout bascule

L’arrivée sur scène de Rachid ( rôle interprété par Maxime ) agit comme un déclencheur.

On comprend alors que ce flottement initial n’a rien d’un hasard : il fait partie intégrante de la mécanique imaginée par Olivier Martinez.

Une montée en puissance irrésistible

À partir de cet instant, Pfiou Pfiou devient un véritable feu d’artifice. Les scènes s’enchaînent à un rythme effréné, les situations explosent, et le rire devient irrépressible.

C’est pétillant, absurde, audacieux, brillamment interprété. On perd ses repères, et c’est précisément là que réside la magie.

L’absurde comme moteur

L’intrigue devient presque secondaire. On ne cherche plus à comprendre, mais à ressentir. Les personnages apparaissent, se révèlent, se croisent dans une joyeuse confusion. On se surprend à se demander : est-ce écrit ? est-ce improvisé ? Tant l’énergie semble brute, vivante, spontanée. Portée par la production d’Olivier Diaz, la pièce assume pleinement son audace : désorienter pour mieux rassembler.

Une énergie scénique contagieuse

Sur scène, les comédiens s’amusent autant que le public. Les fous rires circulent, traversent la salle, brisent le quatrième mur. On a l’impression d’assister à quelque chose d’unique, d’éphémère comme si chaque représentation était différente.

Des comédiennes « wouah »

Et comment ne pas saluer les comédiennes, absolument saisissantes, qui osent tout avec une liberté jubilatoire ? Elles plongent sans retenue dans l’absurde, repoussent les limites, et embarquent le public dans une folie délicieuse. Leur présence ne se contente pas d’accompagner la pièce : elle l’enveloppe, la fait vibrer, lui donne toute sa densité et sa générosité.

Bravo les filles !

Entre héritage et affirmation de soi

La présence de Laurent de Funès intrigue autant qu’elle touche. Héritier de Louis de Funès, il offre ce lien précieux avec une mémoire du théâtre et du cinéma qui nous est chère.

Mais au-delà de cet héritage, on est curieux de le voir affirmer pleinement sa propre identité artistique.

L’adhésion de la salle

À la sortie, les spectateurs échangent des regards complices. Tous s’accordent : oui, les quinze premières minutes déroutent… mais ensuite, quelle envolée !

Déjà fini ?

Lorsque les comédiens saluent, une seule pensée s’impose : déjà fini ? Une expérience plus qu’un récit

Pfiou Pfiou dépasse la simple narration. C’est une expérience. Une parenthèse de joie pure, portée par une troupe généreuse, engagée, profondément vivante

Une pièce à inscrire à son agenda

Dans une ville comme Paris, où l’offre théâtrale est foisonnante, il n’est jamais simple de choisir. Mais celle-ci mérite, sans hésitation, sa place dans votre agenda.

Parce que rire fait du bien. Parce que voir des comédiens prendre autant de plaisir sur scène est rare. Et parce que ce plaisir est profondément contagieux.

La pièce est à l’affiche jusqu’au 31 mai 2026, avant de partir en tournée.

Un conseil : ne la ratez pas.

Vous en sortirez avec le sourire… et l’envie d’y retourner.

« Pfiou Pfiou » 

La Scène Parisienne

jusqu’au 31 mai 2026

Mise en scène : Olivier Martinez
Avec : Laurent de Funès, Maxime, Olivier Martinez, Jessica Mompiou, Gilbert Diaz, Delphine Saroli

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Karim Mamèche était brigadier à la BAC 18, une unité de terrain au cœur de Paris.
Un policier engagé… jusqu’au jour où tout s’effondre. Accusé, jugé, condamné à huit ans de prison… il en passera deux derrière les barreaux avant d’être finalement relaxé.

Alors que s’est-il réellement passé ?
Que révèle cette affaire sur les coulisses de la police, sur ses silences, sur ses zones de tension ?Dans Bylka, il livre aujourd’hui sa vérité.

Un témoignage rare, brut… au cœur d’une affaire qui continue d’interroger. Voici son histoire Au Passage des Artistes

INTERVIEW
KARIM MAMECHE 

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En Thérapie : mode d’emploi pour âmes fissurées

Autant être honnête : j’y suis allée avec une légère appréhension.  Je me demandais si j’allais ressortir stimulée… ou légèrement épuisée.

Les premières minutes me donnent presque raison. Quelques longueurs, des noirs un peu mystérieux,  on tâtonne, on cherche ses repères. Et puis, insidieusement, quelque chose se passe. On s’installe. On observe. On écoute. Et, sans prévenir, nous voilà propulsés dans le fauteuil du thérapeute

En Thérapie : Une pièce troublante sur les limites de ceux qui prétendent comprendre.

Car c’est là toute la force de la pièce : elle nous embarque dans ces face-à-face tendus où l’on ausculte des vies cabossées. On analyse, on juge un peu (beaucoup), on compatit. On voudrait intervenir, poser LA bonne question, sauver quelqu’un,  comme si, en une heure trente, on avait validé un diplôme express en psychologie.

Et puis retournement subtil : celui qu’on pensait solide, presque intouchable, se fissure. Le thérapeute vacille. Ses certitudes se lézardent. Et soudain, ce n’est plus seulement le patient qui a besoin d’aide.

Une thérapie théâtrale qui questionne notre obsession du “mieux”

Dans une époque où chacun cherche à se comprendre, à se réparer, à “travailler sur soi” (expression devenue aussi courante que “prendre un café”), la pièce pose une question délicieusement inconfortable : et si ceux qui nous écoutent avaient eux aussi besoin d’être entendus ?

Le spectacle met en lumière une évidence qu’on préfère souvent ignorer : tous les thérapeutes ne se valent pas. Et surtout, ils ne sont pas des super-héros. Pas de cape, pas de bouclier, pas de perfection lisse. Juste des humains, avec leurs failles, parfois compatibles avec les nôtres, parfois dangereusement dissonantes

Une pièce qui gratte là où ça dérange vraiment

Et au milieu de ce jeu d’équilibristes émotionnel, Francis Huster impressionne. Juste, précis, habité. Il réussit ce tour de force d’incarner à la fois la maîtrise et la fragilité, l’écoute et la tempête intérieure. On le regarde autant qu’on le scrute.

À ses côtés, les comédiens brillent par leur justesse. Aucun faux pas, aucune surenchère. Juste de l’humain, brut, parfois inconfortable — donc parfaitement réussi.

On est tous le patient de quelqu’un

Alors oui, En thérapie n’est pas une pièce qui se livre immédiatement. Elle se mérite un peu. Elle nous déstabilise, nous questionne, nous renvoie à nous-mêmes, ce qui, avouons-le, est exactement ce qu’on attend… d’une bonne thérapie. Et au moment de sortir, une certitude : on n’est pas venu pour se divertir uniquement. On est venu pour se regarder. Et ça, c’est autrement plus dérangeant. Donc essentiel…

   EN THÉRAPIE
Au Théâtre Libre

Du 02 au 26 Avril 2026
Du Mercredi au Dimanche

Artistes : Francis Huster, Raphaëlle Rousseau en alternance avec Salomé Scotto, Yann Gaël et Tess Laubergne.

Mise en scène : Charles Templon assisté de Félix Beaupérin

Billetterie : Points de vente habituels

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François Deblaye est artiste interprète  au parcours singulier, marqué par des allers-retours entre la scène artistique et les coulisses du spectacle vivant. D’abord chanteur, il explore très tôt l’écriture et l’interprétation avec une sensibilité tournée vers l’humain et l’émotion vraie.

Il évolue ensuite dans l’univers de la communication culturelle, notamment comme attaché de presse au Théâtre du Gymnase, développant une connaissance fine du milieu artistique et du rapport au public. Mais la musique reste son fil conducteur.

En 2020, il forme le duo Les Amoureux du Sacré Cœur, avant de revenir aujourd’hui à un projet solo plus intime. Avec son nouveau titre « L’autre côté de la rivière », François Deblaye propose une chanson introspective et poétique, une réflexion sur cette quête universelle du bonheur que l’on cherche souvent ailleurs… alors qu’il se trouve parfois tout près de nous.

Son univers s’inscrit dans une chanson Française contemporaine sensible, où le texte occupe une place centrale et où la sincérité prime sur l’effet.

Avec “L’autre côté de la rivière”, François Deblaye signe un titre délicat et profondément humain. Disponible dès à présent sur toutes les plateformes de téléchargement, le titre est accompagné de son clip sur YouTube, le morceau s’impose comme une parenthèse sensible et douce dans ce tumulte ambiant et anxiogène actuel

“L’autre côté de la rivière”, c’est l’histoire de ceux qui savent que le bonheur n’est pas toujours là où on le cherche… mais parfois, juste à côté de nous, il évoque cette province parfois méprisée et mal-aimée.

Une chanson comme un miroir

Dans cette nouvelle composition, François Deblaye explore cette quête intérieure que nous connaissons tous : chercher ailleurs ce que l’on possède déjà. La rivière devient métaphore. Elle sépare, elle intrigue, elle attire. On imagine que l’herbe y est plus verte ailleurs . On fantasme l’autre rive.Mais si le véritable voyage n’était pas géographique ? S’il était émotionnel ?

La voix se pose avec sincérité, portée par une production élégante qui laisse respirer le texte. Rien de superflu. Juste l’essentiel : une mélodie qui touche, des mots qui résonnent, et cette impression douce-amère d’avoir déjà vécu ce que la chanson raconte.

Un clip à découvrir impérativement 

Le titre est accompagné d’un clip à découvrir sur YouTube, qui prolonge cette atmosphère introspective et contemplative. Une invitation visuelle à la traversée, au questionnement, au recentrage

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Avec FOREVER – The Best Show About The King of Pop, c’est toute la puissance de cette œuvre mythique qui renaît sous les projecteurs dans une célébration scénique d’envergure.

Une célébration plus qu’un hommage

FOREVER n’est pas un simple spectacle hommage. C’est une immersion totale dans un univers artistique qui a redéfini les codes de la pop moderne. Dès les premières minutes, le spectateur est happé par une mécanique scénique parfaitement huilée où se conjuguent précision chorégraphique, intensité musicale et fidélité esthétique. Les artistes sur scène ne se contentent pas d’interpréter des titres emblématiques ; ils recréent une énergie, une atmosphère, une signature. Celle d’un artiste visionnaire dont chaque geste, chaque rythme et chaque silence participaient d’une écriture spectaculaire unique.

Une expérience sensorielle et émotionnelle

Le répertoire du King of Pop appartient désormais au patrimoine musical universel. De génération en génération, ces chansons demeurent intactes dans leur capacité à rassembler et à provoquer une émotion immédiate. L’événement capitalise sur cette force intemporelle pour proposer une expérience profondément immersive.

L’orchestre live insuffle une vibration organique aux arrangements tandis que les tableaux visuels restituent l’intensité des performances qui ont marqué l’histoire du spectacle vivant. Le public ne regarde pas simplement un show : il revit une mémoire collective.

Le Grand Rex, écrin d’un événement d’exception

Lieu emblématique du paysage culturel parisien, le Grand Rex s’impose comme un cadre idéal pour accueillir une production d’une telle ampleur. Chargée d’histoire, la salle confère au spectacle une dimension supplémentaire, presque cérémonielle.

Dans cet écrin mythique, la scénographie déploie toute sa puissance et rappelle combien l’univers de Michael Jackson était indissociable de la notion même de spectacle total.

Un héritage qui continue de rassembler

Plus de quinze ans après la disparition de l’artiste, l’empreinte de Michael Jackson demeure d’une étonnante modernité. Son influence irrigue toujours la création contemporaine, qu’il s’agisse de musique, de danse, de mode ou de mise en scène.

FOREVER – The Best Show About The King of Pop s’inscrit dans cette continuité en offrant au public l’opportunité rare de renouer avec une œuvre qui a façonné l’histoire de la culture populaire mondiale. Le succès international du spectacle témoigne de cette permanence émotionnelle : certaines légendes ne connaissent pas l’usure du temps.

Une invitation à la redécouverte

Que l’on soit admirateur de longue date ou simple amateur de performances scéniques d’envergure, FOREVER – The Best Show About The King of Pop agit comme une passerelle entre les époques. Le spectacle rappelle une évidence trop souvent oubliée : la scène possède ce pouvoir singulier de raviver les mythes et de transformer la nostalgie en expérience vivante.

Plus qu’un retour, FOREVER – The Best Show About The King of Pop propose une redécouverte. Plus qu’un souvenir, une célébration

Forever
The best show about The King of Pop

Du 17 au 20 Février 2026 au Grand Rex à Paris et en tournée dans toute la France

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Musicalement exceptionnel, techniquement hors norme, le groupe So Floyd a su convaincre les mélomanes, les puristes et les fans de Pink Floyd par la précision de ses riffs, la magie des lumières, la qualité du son, l’interprétation exceptionnelle et la fidélité troublante aux concerts du légendaire groupe londonien.

So Floyd revisite les plus grands succès du groupe britannique, des morceaux ancrés dans la mémoire collective et des concerts inscrits au panthéon de la musique !

Revivez sur scène tous les titres légendaires « Another brick in the wall », « Money », « Time », « Wish you were here », “Shine on you Crazy Diamond” et bien d’autres encore…

Après avoir conquis les zéniths de France, le phénomène So Floyd annonce son retour magistral dans la capitale. Le groupe investira la scène mythique du Dôme de Paris (Palais des Sports) le jeudi 12 février 2026, pour une soirée qui promet d’être bien plus qu’un simple concert : une véritable immersion sensorielle dans l’univers du plus grand groupe de rock progressif de l’histoire.

Avec The Pink Floyd Show, So Floyd propose un spectacle en 4 actes, correspondant à autant d’univers visuels et sonores, qui permet de retrouver les différentes époques de la production musicale riche et variée du groupe culte. Grâce à une fidélité sonore et visuelle époustouflante, So Floyd s’est imposé comme la référence absolue pour les amateurs de Pink Floyd. Loin de la simple imitation, le groupe propose une restitution méticuleuse des chefs-d’œuvre de David Gilmour, Roger Waters, Richard Wright et Nick Mason. Unanimement, le groupe est reconnu pour son respect scrupuleux des arrangements originaux et son énergie scénique électrisante.

Venez découvrir deux heures de spectacle pour un hommage troublant qui promet un bond dans le temps et une approche originale de l’œuvre du plus grand groupe des années 70

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Porté par quatre voix d’exception de la scène française, ce spectacle inédit vous plonge au cœur de l’univers musical envoûtant de cette artiste légendaire. Une célébration vibrante de ses plus grands succès, sous la direction artistique de l’incontournable Erick Benzi, artisan de ses plus belles réussites en France.Un show spectaculaire, émouvant et immersif, qui retrace la carrière exceptionnelle d’une icône ayant marqué des générations entières.

De Pour que tu m’aimes encore à My Heart Will Go On, en passant par Encore un soir, laissez-vous emporter par la magie de ses chansons intemporelles, interprétées par de jeunes artistes aux voix uniques, dans une mise en scène à couper le souffle.

Génération Céline, c’est : 2 heures de pur bonheur, Une communion intense avec le public, Une expérience musicale et émotionnelle unique, mais avant tout, un Un hommage vibrant à une légende vivante. En tournée dans toute la France dès le 9 janvier 2026, et à Paris, le 6 février 2026 au Dôme de Paris

France qui célèbre la carrière et les plus grands succès de Céline Dion, icone de la chanson francophone. Vivez une expérience immersive et émotionnelle unique en son genre, à travers les chansons intemporelles de Céline Dion qui vous sont présentées par de jeunes artistes aux voix uniques dans un spectacle à couper le souffle !

Laissez-vous emporter par la magie de ses succès inoubliables et découvrez l’héritage musical incomparable de cette légende vivante.

Génération Céline est hommage vibrant à une artiste d’exception qui continue d’inspirer des générations entières et de toucher le coeur de millions de fans à travers le monde. Pour (re)vivre sur scène l’émotion et le partage d’un répertoire incontournable, venez découvrir le spectacle Génération Céline : deux heures de pur bonheur et de communion pour tous les fans de Céline Dion et de ses chansons mythiques…

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