Quand on m’a proposé d’assister à cette adaptation du chef-d’œuvre d’Alfred de Musset, l’envie a été immédiate. Et en découvrant que Florian Hessique faisait partie de la distribution, la curiosité s’est transformée en véritable attente.

Une histoire d’amour entre orgueil et passion

Dans cette pièce, tout résonne avec une étonnante modernité. On y suit Camille et Perdican, amis d’enfance promis l’un à l’autre, qui se retrouvent après plusieurs années de séparation. Très vite, leurs retrouvailles laissent place à un jeu subtil et cruel où les sentiments se cachent derrière la fierté, les silences et les provocations.

La mise en scène fait parfaitement ressortir cette tension permanente entre désir d’aimer et peur de souffrir. Chaque échange semble faire basculer un peu plus les personnages entre tendresse et affrontement, jusqu’à rendre leur histoire profondément bouleversante

Des textes d’une beauté saisissante

Ce qui frappe avant tout, c’est la puissance du texte de Musset. Certaines répliques résonnent avec une force incroyable et donnent à la pièce toute sa dimension universelle.

Impossible de ne pas être touché par les mots de Perdican :

« On est souvent trompé en amour, souvent blessé, souvent malheureux ; mais on aime, et quand on est sur le bord de sa tombe, on se retourne pour regarder en arrière, et on se dit : j’ai souffert souvent, je me suis trompé quelquefois, mais j’ai aimé. »

Ou encore par cette confession de Camille :

« Je veux aimer, mais je ne veux pas souffrir. Je veux aimer d’un amour éternel et faire des serments qui ne se violent pas. »

Des phrases qui traversent les années sans perdre de leur vérité…

Une mise en scène portée par des comédiens habités

La force du spectacle repose aussi sur l’interprétation des comédiens, qui donnent une grande intensité émotionnelle à cette œuvre romantique. Les regards, les silences, les changements de ton : tout participe à rendre les personnages profondément vivants et humains.

La scénographie accompagne avec finesse cette montée des émotions et crée par moments une véritable sensation de temps suspendu, où poésie et tension dramatique se répondent constamment.

Une pièce à découvrir absolument

Entre romantisme, cruauté des sentiments et beauté des mots, cette adaptation de On ne badine pas avec l’amour offre un très beau moment de théâtre. Une œuvre vibrante et toujours actuelle, portée par une équipe artistique remarquable, que je vous recommande vivement d’aller découvrir.

On ne badine pas avec l’Amour  

Guichet Montparnasse
Jusqu’au 25 Juin 2026

Mise en scène : Peter King, Cédric Keller
Artistes : Patrick Bethbeder, Maya Dory, Abel Gouttenoire, Emma Gombaud, Florian Hessique, Cédric Keller, Célia Lelong

Billetterie : points de vente habituels

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Au Dôme de Paris

du mercredi 03 au dimanche 07 juin 2026

Mercredi, jeudi, vendredi, Samedi : 20h00

Samedi et dimanche : 15h00

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Un théâtre, trois destins, une dernière scène

Une générale presse, c’est toujours un moment particulier. De nombreux journalistes sont présents, la pression est palpable pour les comédiens, et pourtant, dès les premières minutes, Théâtre à vendre trouve son rythme et impose son univers.

Une réflexion sur le temps qui passe

La pièce, écrite par Christian Favier et mise en scène par Tex, se joue tous les jeudis à La Divine Comédie jusqu’au 29 mai 2026. Sur scène : Julie Degenne, Denis Cherer et Tex lui-même

Le théâtre comme miroir des relations humaines

Dès l’affiche, le ton est donné : une esthétique élégante, lumineuse, presque joyeuse, qui donne envie d’entrer dans l’histoire. Et l’histoire justement nous plonge dans les retrouvailles de trois comédiens qui se connaissent depuis les années 80. Ils se retrouvent une dernière fois sur la scène d’un théâtre menacé, un théâtre à vendre, avant son expulsion.

Un trio de comédiens qui fonctionne à merveille

Au-delà du décor et de la nostalgie, la pièce parle surtout du temps qui passe, des liens qui restent, des non-dits, des blessures, des manipulations parfois, mais aussi de ce que chacun garde au fond de soi. Dans une société où tout va vite, où tout se crée et disparaît presque aussitôt, Théâtre à vendre prend le temps de questionner les émotions humaines, les relations, la vérité des sentiments et ce que l’on ose — ou non — révéler aux autres

La sincérité comme fil conducteur

On sent très vite que les comédiens aiment profondément ce qu’ils jouent. Leur présence est juste, sincère, habitée. Le trio fonctionne parfaitement et embarque immédiatement le public dans quelque chose de vivant et d’authentique. On croit à leurs personnages, à leurs tensions, à leurs retrouvailles. Et c’est précisément cette sincérité qui touche.

Cette pièce marque également le retour sur scène de Tex, neuf ans après Monsieur Nounou au Théâtre Georges Feydeau. Un retour réussi, porté par une mise en scène fluide et des partenaires de jeu remarquables

Des artistes qui aiment profondément leur public

Théâtre à vendre est une pièce qui fait du bien. Parce qu’elle parle d’humanité, parce qu’elle est portée par des artistes généreux, et parce qu’on sent, du début à la fin, l’amour du théâtre et du public.

Une comédie sensible et sincère, à découvrir sans hésiter

Théâtre à vendre
Actuellement à la Divine Comédie à Paris 

Une Pièce de : Christian Faviez
Mise en scène : Tex
Artistes : Juliette Degenne, Denis Cherer et Tex

Billetterie : points de vente habituels

TEX en interview Au passage des Artistes 

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Il se fait connaître du grand public avec son premier album Baïda en 1997, qui rencontre un grand succès grâce à des titres mêlant sonorités orientales et variété française. Sa carrière prend une dimension internationale en 1998 avec le célèbre concert 1, 2, 3 Soleils, aux côtés de Khaled et Rachid Taha à Paris-Bercy. Cet événement devient un symbole du métissage musical et contribue à populariser le raï en France et à l’étranger.

Par la suite, Faudel sort plusieurs albums comme Samra, Un autre soleil ou encore Bled Memory, explorant différents styles entre pop, musique orientale et chanson française. En parallèle de la musique, il participe également à diverses émissions de télévision et projets artistiques. Même s’il s’est fait plus discret certaines années, Faudel reste une figure importante du raï moderne et de la scène musicale franco-maghrébine.

INTERVIEW
Faudel 

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Puis le rideau s’ouvre…

Un trio qui embrase la salle

Attablée, Julie Ferrier capte immédiatement le regard. En quelques secondes, elle impose une présence folle, un rythme, une énergie presque électrique. Et pendant plus d’une heure quinze, les éclats de rire s’enchaînent sans jamais retomber.

La pièce culte de Josiane Balasko revisitée avec moderniste

Si Josiane Balasko signe un texte culte, mais cette version de Nuit d’ivresse lui offre une nouvelle jeunesse : vivante, moderne, terriblement incarnée.

Julie Ferrier et Philippe Lellouche le duo parfait

Le duo formé par Philippe Lellouche et Julie Ferrier fonctionne à merveille. Les répliques claquent, les silences font mouche, les regards suffisent parfois à déclencher l’hilarité générale.

Et au milieu de cette partition parfaitement orchestrée, Ian Fénélon dans le rôle du cafetier (impeccable du début à la fin) apporte ce supplément d’âme qui rend les personnages profondément attachants.

Julie Ferrier une tornade sur scène

Mais la véritable tornade de la soirée, c’est Julie Ferrier. Elle ne joue pas la pièce : elle la dévore, la transforme, l’habite entièrement. Chaque geste, chaque intonation, chaque improvisation semble naître dans l’instant. On a envie de l’applaudir en pleine scène tant son énergie est communicative. Rarement une comédienne aura donné cette sensation de liberté et de générosité sur scène

La pièce culte écrite par Josiane Balasko revisitée avec modernité

Le public, lui, ne s’y trompe pas. Les rires fusent de tous les côtés, francs, puissants, incontrôlables. Et lorsque la lumière s’éteint, c’est une salle debout qui ovationne les comédiens.
Une standing ovation méritée pour une pièce qui fait un bien fou.

Standing ovation pour une troupe en état de grâce

Nuit d’ivresse, c’est exactement ce que l’on aime au théâtre : des personnages hauts en couleur, une mécanique comique redoutable, une troupe soudée et ce sentiment précieux d’avoir passé un moment suspendu. Une de ces soirées dont on ressort le sourire aux lèvres… avec déjà l’envie d’y retourner

NUIT D’IVRESSE 

Actuellement au Théâtre de la Madeleine jusqu’au 30 Mai 2026

Auteur : Josiane Balasko
Mise en scène : Laurent Petrelli
Avec : Julie Ferrier, Philippe Lellouche, Ian Fénelon

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Dès l’entrée, une énergie inattendue flotte dans l’air, portée par les sons de The Strokes. Je m’installe, curieuse, mais encore un peu sur la réserve.

Une ouverture volontairement déroutante

Puis la pièce commence

Les premières minutes déconcertent : des personnages déguisés, une narration difficile à saisir…Pendant un quart d’heure, le doute s’installe. Et si l’on restait à distance ? Et si la promesse n’était pas tenue ?

Et puis, soudain, tout bascule

L’arrivée sur scène de Rachid ( rôle interprété par Maxime ) agit comme un déclencheur.

On comprend alors que ce flottement initial n’a rien d’un hasard : il fait partie intégrante de la mécanique imaginée par Olivier Martinez.

Une montée en puissance irrésistible

À partir de cet instant, Pfiou Pfiou devient un véritable feu d’artifice. Les scènes s’enchaînent à un rythme effréné, les situations explosent, et le rire devient irrépressible.

C’est pétillant, absurde, audacieux, brillamment interprété. On perd ses repères, et c’est précisément là que réside la magie.

L’absurde comme moteur

L’intrigue devient presque secondaire. On ne cherche plus à comprendre, mais à ressentir. Les personnages apparaissent, se révèlent, se croisent dans une joyeuse confusion. On se surprend à se demander : est-ce écrit ? est-ce improvisé ? Tant l’énergie semble brute, vivante, spontanée. Portée par la production d’Olivier Diaz, la pièce assume pleinement son audace : désorienter pour mieux rassembler.

Une énergie scénique contagieuse

Sur scène, les comédiens s’amusent autant que le public. Les fous rires circulent, traversent la salle, brisent le quatrième mur. On a l’impression d’assister à quelque chose d’unique, d’éphémère comme si chaque représentation était différente.

Des comédiennes « wouah »

Et comment ne pas saluer les comédiennes, absolument saisissantes, qui osent tout avec une liberté jubilatoire ? Elles plongent sans retenue dans l’absurde, repoussent les limites, et embarquent le public dans une folie délicieuse. Leur présence ne se contente pas d’accompagner la pièce : elle l’enveloppe, la fait vibrer, lui donne toute sa densité et sa générosité.

Bravo les filles !

Entre héritage et affirmation de soi

La présence de Laurent de Funès intrigue autant qu’elle touche. Héritier de Louis de Funès, il offre ce lien précieux avec une mémoire du théâtre et du cinéma qui nous est chère.

Mais au-delà de cet héritage, on est curieux de le voir affirmer pleinement sa propre identité artistique.

L’adhésion de la salle

À la sortie, les spectateurs échangent des regards complices. Tous s’accordent : oui, les quinze premières minutes déroutent… mais ensuite, quelle envolée !

Déjà fini ?

Lorsque les comédiens saluent, une seule pensée s’impose : déjà fini ? Une expérience plus qu’un récit

Pfiou Pfiou dépasse la simple narration. C’est une expérience. Une parenthèse de joie pure, portée par une troupe généreuse, engagée, profondément vivante

Une pièce à inscrire à son agenda

Dans une ville comme Paris, où l’offre théâtrale est foisonnante, il n’est jamais simple de choisir. Mais celle-ci mérite, sans hésitation, sa place dans votre agenda.

Parce que rire fait du bien. Parce que voir des comédiens prendre autant de plaisir sur scène est rare. Et parce que ce plaisir est profondément contagieux.

La pièce est à l’affiche jusqu’au 31 mai 2026, avant de partir en tournée.

Un conseil : ne la ratez pas.

Vous en sortirez avec le sourire… et l’envie d’y retourner.

« Pfiou Pfiou » 

La Scène Parisienne

jusqu’au 31 mai 2026

Mise en scène : Olivier Martinez
Avec : Laurent de Funès, Maxime, Olivier Martinez, Jessica Mompiou, Gilbert Diaz, Delphine Saroli

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Au fil des années, Albert Tawil a su construire un réseau solide dans l’industrie culturelle, ce qui lui permet de jouer un rôle de passeur entre les artistes et le public. Il est également reconnu pour son sens de l’innovation et sa capacité à détecter des projets originaux. Discret médiatiquement, il n’en reste pas moins une figure influente dans les coulisses du monde artistique, où il agit comme un véritable facilitateur de projets créatifs.

INTERVIEW
Albert Tawil 

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Karim Mamèche était brigadier à la BAC 18, une unité de terrain au cœur de Paris.
Un policier engagé… jusqu’au jour où tout s’effondre. Accusé, jugé, condamné à huit ans de prison… il en passera deux derrière les barreaux avant d’être finalement relaxé.

Alors que s’est-il réellement passé ?
Que révèle cette affaire sur les coulisses de la police, sur ses silences, sur ses zones de tension ?Dans Bylka, il livre aujourd’hui sa vérité.

Un témoignage rare, brut… au cœur d’une affaire qui continue d’interroger. Voici son histoire Au Passage des Artistes

INTERVIEW
KARIM MAMECHE 

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– INTERVIEW –

Eric Emmanuel Schmitt 

Djazia Ahrénds – Benhabilés : Vous étiez destiné à la philosophie. À quel moment l’écriture a-t-elle pris le dessus sur la pensée ?

Éric-Emmanuel Schmitt : En réalité, l’écriture a précédé la philosophie. Lorsque j’étais enfant, vers 7 ou 8 ans, je rentrais de l’école et j’écrivais des histoires. Tout le monde autour de moi — mes parents, mes instituteurs, mes professeurs — avait compris que j’étais écrivain… sauf moi. J’écrivais aussi naturellement que je respirais, comme un pommier fait des pommes.

Puis il a fallu faire des choix d’études, choisir un métier. J’ai alors décidé de me tourner vers la philosophie, puis vers l’enseignement universitaire. Et j’ai adoré cela. Mais le succès de ma première pièce, La Nuit de Valognes, puis surtout celui du Visiteur, ont changé les choses. À partir de là, j’ai pu me consacrer entièrement à l’écriture.

Vos œuvres sont aujourd’hui étudiées dans les écoles. Cela vous rapproche-t-il de l’enseignant que vous étiez ?

J’ai parfois l’impression de n’avoir jamais quitté l’école. J’adorais apprendre enfant, et j’aime toujours apprendre aujourd’hui. L’école est pour moi un lieu d’élévation.

Mais c’est vrai que c’est étrange de se savoir étudié. Quand on m’a dit que mes textes étaient au programme, j’ai d’abord été inquiet : je préférais être un auteur choisi librement. Puis d’anciens élèves m’ont rassuré en me disant qu’ils avaient pris du plaisir à me lire. Et c’est cela qui compte.

Le succès change-t-il votre manière d’écrire ?

Il donne surtout de la force. Savoir que mes livres sont attendus, c’est comme un rendez-vous amoureux. Cela nourrit et encourage.

Mais lorsque j’écris, je suis entièrement avec mes personnages. Je ne pense pas au public. Je suis plongé dans leur vie, leur vérité.

Aujourd’hui, écrivez-vous avec plus de liberté ou plus de responsabilité ?

Plus de responsabilité. Au début, j’avais peur d’être ignoré. Aujourd’hui, j’ai peur de décevoir. Je pense à ces lecteurs qui économisent pour acheter un livre ou voir une pièce. Je ne veux pas trahir leur confiance. Mais cette pression donne aussi des ailes

Dans votre livre « Juste après Dieu, il y a papa », vous parlez d’un père et d’un fils… mais aussi de vous ?

On écrit toujours avec ce que l’on est. Je suis à la fois fils et père. Mais la fiction permet d’aller plus loin que le simple témoignage. Elle offre une liberté et une profondeur que le récit strictement autobiographique n’a pas toujours.

D’où vous vient l’inspiration ?

De la vie. Mais je ne suis pas un observateur, je suis un empathique. Je ressens les autres de l’intérieur. Je peux parler avec quelqu’un pendant une heure sans savoir la couleur de ses yeux… mais je connais la couleur de son regard. Ce que je capte, c’est l’émotion. C’est cela qui nourrit mon écriture.

Dans cette histoire, qui souffre le plus : le père ou le fils ?

Les deux. Parce qu’il y a de l’amour, et l’amour contient toujours de la joie… et de la douleur.

Le père aime tellement qu’il veut protéger, quitte à étouffer. Le fils, lui, veut être libre sans renier cet amour. C’est une tension universelle.

Grandir, est-ce trahir ceux qui nous ont construits ?

Non, ce n’est pas trahir, c’est se séparer. Dire : “je vais vivre ma vie”. C’est une coupure nécessaire, souvent douloureuse. On pourrait dire qu’un fils doit symboliquement “tuer” son père pour devenir lui-même. Mais jamais un père ne souhaite cela. C’est une relation asymétrique, à la fois belle et douloureuse.

Une question plus personnelle… Votre livre Monsieur Ibrahim et les fleurs du Coran m’a profondément marquée. Est-ce que vous écrivez ce que vous pensez… ou pour vous transformer ?

Quand je prends la plume, je ne sais pas ce que je vais découvrir. Chaque livre est une aventure. Je dis souvent que je ne suis pas le père de mes livres, mais leur fils. Ce sont eux qui m’ont fait grandir. Ils m’ont rendu plus compréhensif, plus aimant.

Merci infiniment pour cet échange. Vos mots nous rappellent l’essentiel et nous réconcilient avec l’humain

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En Thérapie : mode d’emploi pour âmes fissurées

Autant être honnête : j’y suis allée avec une légère appréhension.  Je me demandais si j’allais ressortir stimulée… ou légèrement épuisée.

Les premières minutes me donnent presque raison. Quelques longueurs, des noirs un peu mystérieux,  on tâtonne, on cherche ses repères. Et puis, insidieusement, quelque chose se passe. On s’installe. On observe. On écoute. Et, sans prévenir, nous voilà propulsés dans le fauteuil du thérapeute

En Thérapie : Une pièce troublante sur les limites de ceux qui prétendent comprendre.

Car c’est là toute la force de la pièce : elle nous embarque dans ces face-à-face tendus où l’on ausculte des vies cabossées. On analyse, on juge un peu (beaucoup), on compatit. On voudrait intervenir, poser LA bonne question, sauver quelqu’un,  comme si, en une heure trente, on avait validé un diplôme express en psychologie.

Et puis retournement subtil : celui qu’on pensait solide, presque intouchable, se fissure. Le thérapeute vacille. Ses certitudes se lézardent. Et soudain, ce n’est plus seulement le patient qui a besoin d’aide.

Une thérapie théâtrale qui questionne notre obsession du “mieux”

Dans une époque où chacun cherche à se comprendre, à se réparer, à “travailler sur soi” (expression devenue aussi courante que “prendre un café”), la pièce pose une question délicieusement inconfortable : et si ceux qui nous écoutent avaient eux aussi besoin d’être entendus ?

Le spectacle met en lumière une évidence qu’on préfère souvent ignorer : tous les thérapeutes ne se valent pas. Et surtout, ils ne sont pas des super-héros. Pas de cape, pas de bouclier, pas de perfection lisse. Juste des humains, avec leurs failles, parfois compatibles avec les nôtres, parfois dangereusement dissonantes

Une pièce qui gratte là où ça dérange vraiment

Et au milieu de ce jeu d’équilibristes émotionnel, Francis Huster impressionne. Juste, précis, habité. Il réussit ce tour de force d’incarner à la fois la maîtrise et la fragilité, l’écoute et la tempête intérieure. On le regarde autant qu’on le scrute.

À ses côtés, les comédiens brillent par leur justesse. Aucun faux pas, aucune surenchère. Juste de l’humain, brut, parfois inconfortable — donc parfaitement réussi.

On est tous le patient de quelqu’un

Alors oui, En thérapie n’est pas une pièce qui se livre immédiatement. Elle se mérite un peu. Elle nous déstabilise, nous questionne, nous renvoie à nous-mêmes, ce qui, avouons-le, est exactement ce qu’on attend… d’une bonne thérapie. Et au moment de sortir, une certitude : on n’est pas venu pour se divertir uniquement. On est venu pour se regarder. Et ça, c’est autrement plus dérangeant. Donc essentiel…

   EN THÉRAPIE
Au Théâtre Libre

Du 02 au 26 Avril 2026
Du Mercredi au Dimanche

Artistes : Francis Huster, Raphaëlle Rousseau en alternance avec Salomé Scotto, Yann Gaël et Tess Laubergne.

Mise en scène : Charles Templon assisté de Félix Beaupérin

Billetterie : Points de vente habituels

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