– INTERVIEW –

Eric Emmanuel Schmitt 

Djazia Ahrénds – Benhabilés : Vous étiez destiné à la philosophie. À quel moment l’écriture a-t-elle pris le dessus sur la pensée ?

Éric-Emmanuel Schmitt : En réalité, l’écriture a précédé la philosophie. Lorsque j’étais enfant, vers 7 ou 8 ans, je rentrais de l’école et j’écrivais des histoires. Tout le monde autour de moi — mes parents, mes instituteurs, mes professeurs — avait compris que j’étais écrivain… sauf moi. J’écrivais aussi naturellement que je respirais, comme un pommier fait des pommes.

Puis il a fallu faire des choix d’études, choisir un métier. J’ai alors décidé de me tourner vers la philosophie, puis vers l’enseignement universitaire. Et j’ai adoré cela. Mais le succès de ma première pièce, La Nuit de Valognes, puis surtout celui du Visiteur, ont changé les choses. À partir de là, j’ai pu me consacrer entièrement à l’écriture.

Vos œuvres sont aujourd’hui étudiées dans les écoles. Cela vous rapproche-t-il de l’enseignant que vous étiez ?

J’ai parfois l’impression de n’avoir jamais quitté l’école. J’adorais apprendre enfant, et j’aime toujours apprendre aujourd’hui. L’école est pour moi un lieu d’élévation.

Mais c’est vrai que c’est étrange de se savoir étudié. Quand on m’a dit que mes textes étaient au programme, j’ai d’abord été inquiet : je préférais être un auteur choisi librement. Puis d’anciens élèves m’ont rassuré en me disant qu’ils avaient pris du plaisir à me lire. Et c’est cela qui compte.

Le succès change-t-il votre manière d’écrire ?

Il donne surtout de la force. Savoir que mes livres sont attendus, c’est comme un rendez-vous amoureux. Cela nourrit et encourage.

Mais lorsque j’écris, je suis entièrement avec mes personnages. Je ne pense pas au public. Je suis plongé dans leur vie, leur vérité.

Aujourd’hui, écrivez-vous avec plus de liberté ou plus de responsabilité ?

Plus de responsabilité. Au début, j’avais peur d’être ignoré. Aujourd’hui, j’ai peur de décevoir. Je pense à ces lecteurs qui économisent pour acheter un livre ou voir une pièce. Je ne veux pas trahir leur confiance. Mais cette pression donne aussi des ailes

Dans votre livre « Juste après Dieu, il y a papa », vous parlez d’un père et d’un fils… mais aussi de vous ?

On écrit toujours avec ce que l’on est. Je suis à la fois fils et père. Mais la fiction permet d’aller plus loin que le simple témoignage. Elle offre une liberté et une profondeur que le récit strictement autobiographique n’a pas toujours.

D’où vous vient l’inspiration ?

De la vie. Mais je ne suis pas un observateur, je suis un empathique. Je ressens les autres de l’intérieur. Je peux parler avec quelqu’un pendant une heure sans savoir la couleur de ses yeux… mais je connais la couleur de son regard. Ce que je capte, c’est l’émotion. C’est cela qui nourrit mon écriture.

Dans cette histoire, qui souffre le plus : le père ou le fils ?

Les deux. Parce qu’il y a de l’amour, et l’amour contient toujours de la joie… et de la douleur.

Le père aime tellement qu’il veut protéger, quitte à étouffer. Le fils, lui, veut être libre sans renier cet amour. C’est une tension universelle.

Grandir, est-ce trahir ceux qui nous ont construits ?

Non, ce n’est pas trahir, c’est se séparer. Dire : “je vais vivre ma vie”. C’est une coupure nécessaire, souvent douloureuse. On pourrait dire qu’un fils doit symboliquement “tuer” son père pour devenir lui-même. Mais jamais un père ne souhaite cela. C’est une relation asymétrique, à la fois belle et douloureuse.

Une question plus personnelle… Votre livre Monsieur Ibrahim et les fleurs du Coran m’a profondément marquée. Est-ce que vous écrivez ce que vous pensez… ou pour vous transformer ?

Quand je prends la plume, je ne sais pas ce que je vais découvrir. Chaque livre est une aventure. Je dis souvent que je ne suis pas le père de mes livres, mais leur fils. Ce sont eux qui m’ont fait grandir. Ils m’ont rendu plus compréhensif, plus aimant.

Merci infiniment pour cet échange. Vos mots nous rappellent l’essentiel et nous réconcilient avec l’humain

L’article Éric-Emmanuel Schmitt : Grandir, ce n’est pas trahir, c’est se séparer est apparu en premier sur .

En Thérapie : mode d’emploi pour âmes fissurées

Autant être honnête : j’y suis allée avec une légère appréhension.  Je me demandais si j’allais ressortir stimulée… ou légèrement épuisée.

Les premières minutes me donnent presque raison. Quelques longueurs, des noirs un peu mystérieux,  on tâtonne, on cherche ses repères. Et puis, insidieusement, quelque chose se passe. On s’installe. On observe. On écoute. Et, sans prévenir, nous voilà propulsés dans le fauteuil du thérapeute

En Thérapie : Une pièce troublante sur les limites de ceux qui prétendent comprendre.

Car c’est là toute la force de la pièce : elle nous embarque dans ces face-à-face tendus où l’on ausculte des vies cabossées. On analyse, on juge un peu (beaucoup), on compatit. On voudrait intervenir, poser LA bonne question, sauver quelqu’un,  comme si, en une heure trente, on avait validé un diplôme express en psychologie.

Et puis retournement subtil : celui qu’on pensait solide, presque intouchable, se fissure. Le thérapeute vacille. Ses certitudes se lézardent. Et soudain, ce n’est plus seulement le patient qui a besoin d’aide.

Une thérapie théâtrale qui questionne notre obsession du “mieux”

Dans une époque où chacun cherche à se comprendre, à se réparer, à “travailler sur soi” (expression devenue aussi courante que “prendre un café”), la pièce pose une question délicieusement inconfortable : et si ceux qui nous écoutent avaient eux aussi besoin d’être entendus ?

Le spectacle met en lumière une évidence qu’on préfère souvent ignorer : tous les thérapeutes ne se valent pas. Et surtout, ils ne sont pas des super-héros. Pas de cape, pas de bouclier, pas de perfection lisse. Juste des humains, avec leurs failles, parfois compatibles avec les nôtres, parfois dangereusement dissonantes

Une pièce qui gratte là où ça dérange vraiment

Et au milieu de ce jeu d’équilibristes émotionnel, Francis Huster impressionne. Juste, précis, habité. Il réussit ce tour de force d’incarner à la fois la maîtrise et la fragilité, l’écoute et la tempête intérieure. On le regarde autant qu’on le scrute.

À ses côtés, les comédiens brillent par leur justesse. Aucun faux pas, aucune surenchère. Juste de l’humain, brut, parfois inconfortable — donc parfaitement réussi.

On est tous le patient de quelqu’un

Alors oui, En thérapie n’est pas une pièce qui se livre immédiatement. Elle se mérite un peu. Elle nous déstabilise, nous questionne, nous renvoie à nous-mêmes, ce qui, avouons-le, est exactement ce qu’on attend… d’une bonne thérapie. Et au moment de sortir, une certitude : on n’est pas venu pour se divertir uniquement. On est venu pour se regarder. Et ça, c’est autrement plus dérangeant. Donc essentiel…

   EN THÉRAPIE
Au Théâtre Libre

Du 02 au 26 Avril 2026
Du Mercredi au Dimanche

Artistes : Francis Huster, Raphaëlle Rousseau en alternance avec Salomé Scotto, Yann Gaël et Tess Laubergne.

Mise en scène : Charles Templon assisté de Félix Beaupérin

Billetterie : Points de vente habituels

L’article En Thérapie : Francis Huster explore les vertiges d’un psy pas si solide est apparu en premier sur .

INTERVIEW
Laurent De Funès 

Synopsis :

L’article Laurent De Funès en interview : Actuellement sur scène, il perpétue l’héritage familial est apparu en premier sur .

Heiða Björg venue du froid et de la lumière

Elle vient d’abord d’Islande, de Reykjavík, une terre de silence, de vent et de poésie brute. Un pays où les aurores boréales éclairent les longues nuits et où la nature impose son mystère. De ce Nord presque irréel, l’artiste semble avoir gardé une sensibilité particulière : une profondeur, une douceur, une manière très intime de faire vibrer les émotions.

Une artiste entre trois cultures

Puis sa vie la conduit vers un autre univers, radicalement différent : le Maroc. Là, tout devient chaleur, couleurs et mouvement. Les lumières, les traditions et l’énergie du pays nourrissent son imaginaire pendant plusieurs années. Entre le froid du Nord et l’intensité du Sud, son identité artistique se construit peu à peu. Aujourd’hui installée en France elle porte en elle ces deux mondes

    Le parcours singulier de Heiða 

Mais au-delà des paysages et des influences, ce qui frappe chez Heiða Björg est avant tout la personne : une artiste chaleureuse, généreuse, profondément humaine. Peut-être est-ce là le secret de son univers. Une musique qui ne cherche pas seulement à séduire, mais à relier

Une identité musicale 

Entre les aurores boréales islandaises et les lumières marocaines, son art ressemble à elle : inattendu, lumineux et profondément vivant.

Heiða Björg

Une  artiste sans frontières

En concert à l’Alhambra le 22 Mars 2026 

Billeterie : https://www.heidabjorg.com

et  points de vente habituels

L’article Heiða Björg : l’artiste des contrastes est apparu en premier sur .

Le show, le plus libérateur du moment

Sur scène, quatre comédiennes pétillantes racontent avec humour et sincérité cette période de vie souvent entourée de tabous. Chacune apporte sa personnalité, son énergie, son humour, et leur complicité donne au spectacle une chaleur irrésistible

La comédie musicale qui transforme un tabou… en triomphe hilarant. La mise en scène de Alex Goude est rythmée, inventive, et portée par un choix musical particulièrement réjouissant.

On rit énormément, mais on apprend aussi. Le spectacle aborde la ménopause avec réalisme, tendresse et une bonne dose d’autodérision. Autre bonne surprise : le public est très varié. Femmes, hommes, toutes générations confondues

Le spectacle réussit ainsi une chose rare : faire tomber les tabous, sans jamais donner de leçon… On rit, on comprend, et on ressort du spectacle avec un regard plus tendre sur cet étape de la vie : faire de la ménopause non plus un tabou, mais une fête collective. Car au fond, Ménopause parle des femmes, et donc un peu de nous tous.

Un spectacle joyeux, libérateur… et résolument feel « Goude »

« Ménopause »

Actuellement au Grand Point Virgule

du mercredi au dimanche – jusqu’à 2 Mai 2026.

Points de vente habituels.

Mise en scène : Alex Goude 

Avec en alternance Marion Posta, Juliette Sarre, Dominique Magloire, Anne Lecoutour, Patricia Samuel, Virginie Bracq, Marianne Viguès, Isabelle Turschwell, Amélie Foubert

L’article Tabou hier, triomphe aujourd’hui : “Ménopause” embrase la scène est apparu en premier sur .

Au fil des années, Thierry de Pina a construit un parcours singulier, fondé sur un théâtre de l’intime et du récit. Sur scène, il affectionne particulièrement la forme du seul-en-scène, un exercice exigeant qui repose entièrement sur la présence de l’acteur et la puissance du texte. Dans ce dispositif minimaliste, chaque mot, chaque silence et chaque geste prennent une dimension particulière. Son travail est étroitement lié à l’univers de l’écrivain Emmanuel Darley, dont il a adapté plusieurs textes pour la scène. Ces collaborations artistiques ont donné naissance à des spectacles sensibles et profondément humains, où la littérature devient matière vivante. Les histoires racontées évoquent souvent les marges de la société : des êtres en quête de reconnaissance, des vies fragiles ou déplacées, des identités en construction

L’INTERVIEW
Thierry De Pina 

Parmi les œuvres marquantes de son parcours, l’adaptation théâtrale de Le Mardi à Monoprix illustre parfaitement cette démarche. Dans ce récit poignant, un personnage revient chaque semaine rendre visite à son père vieillissant. À travers ces rencontres, se dessinent les blessures, les non-dits et l’amour filial qui subsiste malgré les incompréhensions. La pièce aborde avec délicatesse les questions d’identité, de filiation et d’acceptation.

Avec Pays Bonheur, Thierry de Pina poursuit cette exploration des destins singuliers. Le spectacle raconte le voyage d’un homme quittant son pays avec l’espoir d’une vie meilleure en Europe. Derrière la promesse d’un « pays du bonheur » se révèlent pourtant les épreuves de l’exil, les illusions et les luttes pour exister dans un monde souvent indifférent. Porté par une interprétation sensible, le récit prend la forme d’une confession universelle sur l’espoir et la dignité.

Le travail de Thierry de Pina repose sur une esthétique volontairement épurée. Peu de décor, peu d’artifices : la scène devient un espace de parole où l’imaginaire du spectateur est invité à combler les silences. Cette simplicité apparente est en réalité le fruit d’une recherche exigeante sur la présence de l’acteur et la musicalité du texte.

Au-delà de la performance théâtrale, l’artiste revendique un théâtre profondément humain et social, où la scène devient un lieu d’écoute et de partage. Chaque spectacle est une rencontre, un moment suspendu où l’on découvre des histoires que l’on n’entend pas toujours ailleurs.

Dans une époque où tout semble aller toujours plus vite, Thierry de Pina rappelle que le théâtre peut encore être cet espace rare où l’on prend le temps d’écouter une voix, un destin, une parole fragile. Et c’est peut-être là, dans cette simplicité revendiquée, que réside la véritable force de son travail.

L’article Thierry de Pina, l’art du récit au service de l’humain est apparu en premier sur .

François Deblaye est artiste interprète  au parcours singulier, marqué par des allers-retours entre la scène artistique et les coulisses du spectacle vivant. D’abord chanteur, il explore très tôt l’écriture et l’interprétation avec une sensibilité tournée vers l’humain et l’émotion vraie.

Il évolue ensuite dans l’univers de la communication culturelle, notamment comme attaché de presse au Théâtre du Gymnase, développant une connaissance fine du milieu artistique et du rapport au public. Mais la musique reste son fil conducteur.

En 2020, il forme le duo Les Amoureux du Sacré Cœur, avant de revenir aujourd’hui à un projet solo plus intime. Avec son nouveau titre « L’autre côté de la rivière », François Deblaye propose une chanson introspective et poétique, une réflexion sur cette quête universelle du bonheur que l’on cherche souvent ailleurs… alors qu’il se trouve parfois tout près de nous.

Son univers s’inscrit dans une chanson Française contemporaine sensible, où le texte occupe une place centrale et où la sincérité prime sur l’effet.

Avec “L’autre côté de la rivière”, François Deblaye signe un titre délicat et profondément humain. Disponible dès à présent sur toutes les plateformes de téléchargement, le titre est accompagné de son clip sur YouTube, le morceau s’impose comme une parenthèse sensible et douce dans ce tumulte ambiant et anxiogène actuel

“L’autre côté de la rivière”, c’est l’histoire de ceux qui savent que le bonheur n’est pas toujours là où on le cherche… mais parfois, juste à côté de nous, il évoque cette province parfois méprisée et mal-aimée.

Une chanson comme un miroir

Dans cette nouvelle composition, François Deblaye explore cette quête intérieure que nous connaissons tous : chercher ailleurs ce que l’on possède déjà. La rivière devient métaphore. Elle sépare, elle intrigue, elle attire. On imagine que l’herbe y est plus verte ailleurs . On fantasme l’autre rive.Mais si le véritable voyage n’était pas géographique ? S’il était émotionnel ?

La voix se pose avec sincérité, portée par une production élégante qui laisse respirer le texte. Rien de superflu. Juste l’essentiel : une mélodie qui touche, des mots qui résonnent, et cette impression douce-amère d’avoir déjà vécu ce que la chanson raconte.

Un clip à découvrir impérativement 

Le titre est accompagné d’un clip à découvrir sur YouTube, qui prolonge cette atmosphère introspective et contemplative. Une invitation visuelle à la traversée, au questionnement, au recentrage

L’article François Deblaye : une voix entre deux rives est apparu en premier sur .

Lyna Mihoub exerçait son métier avec une implication sincère et presque affective. Elle croyait en ses artistes, les soutenait, les accompagnait avec une loyauté et une bienveillance qui forçaient le respect. Beaucoup savent combien elle pouvait se montrer attentive, encourageante, profondément investie dans chaque projet… Et puis il y avait Avignon.

Avignon où, année après année, elle était infatigable. Toujours présente, toujours attentive, courant d’un lieu à l’autre avec la même énergie, le même sourire, la même générosité. Pour beaucoup, elle faisait partie du paysage du festival, comme une évidence, une présence familière et chaleureuse.

Lynda était de ces personnes qui créent du lien, qui rassurent, qui apaisent. De ces professionnelles dont on ne mesure pleinement la valeur qu’à travers le vide qu’elles laissent. Elle était aussi d’une grande pudeur. Discrète, digne, elle avait choisi de rester silencieuse sur la maladie qu’elle traversait. Fidèle à elle-même, elle ne voulait inquiéter personne. Jusqu’au bout, elle aura conservé cette délicatesse et cette retenue qui la caractérisaient tant.

Il y a quelques jours encore, sa voix portait des mots simples et rassurants au téléphone . Rien de méchant, je sors bientôt de l’hôpital me disait-elle, un accident de scooter… Comme toujours, elle pensait aux autres avant de penser à elle…Aujourd’hui, c’est avec une immense tristesse que je pense à toi, ta famille, tes Artistes …
Mais au-delà de l’émotion, il reste le souvenir d’une femme profondément humaine, passionnée par son métier, sincèrement attachée aux artistes qu’elle accompagnait, et dont la gentillesse marquera durablement tous ceux qui ont croisé sa route personnelle et professionnelle.

Merci pour tout. Pour ta douceur, ton écoute, ta présence. Jusqu’au bout …Bon voyage ma chère Lynda Mihoub

L’article Lynda Mihoub : Une étoile de plus dans le ciel est apparu en premier sur .

Avec FOREVER – The Best Show About The King of Pop, c’est toute la puissance de cette œuvre mythique qui renaît sous les projecteurs dans une célébration scénique d’envergure.

Une célébration plus qu’un hommage

FOREVER n’est pas un simple spectacle hommage. C’est une immersion totale dans un univers artistique qui a redéfini les codes de la pop moderne. Dès les premières minutes, le spectateur est happé par une mécanique scénique parfaitement huilée où se conjuguent précision chorégraphique, intensité musicale et fidélité esthétique. Les artistes sur scène ne se contentent pas d’interpréter des titres emblématiques ; ils recréent une énergie, une atmosphère, une signature. Celle d’un artiste visionnaire dont chaque geste, chaque rythme et chaque silence participaient d’une écriture spectaculaire unique.

Une expérience sensorielle et émotionnelle

Le répertoire du King of Pop appartient désormais au patrimoine musical universel. De génération en génération, ces chansons demeurent intactes dans leur capacité à rassembler et à provoquer une émotion immédiate. L’événement capitalise sur cette force intemporelle pour proposer une expérience profondément immersive.

L’orchestre live insuffle une vibration organique aux arrangements tandis que les tableaux visuels restituent l’intensité des performances qui ont marqué l’histoire du spectacle vivant. Le public ne regarde pas simplement un show : il revit une mémoire collective.

Le Grand Rex, écrin d’un événement d’exception

Lieu emblématique du paysage culturel parisien, le Grand Rex s’impose comme un cadre idéal pour accueillir une production d’une telle ampleur. Chargée d’histoire, la salle confère au spectacle une dimension supplémentaire, presque cérémonielle.

Dans cet écrin mythique, la scénographie déploie toute sa puissance et rappelle combien l’univers de Michael Jackson était indissociable de la notion même de spectacle total.

Un héritage qui continue de rassembler

Plus de quinze ans après la disparition de l’artiste, l’empreinte de Michael Jackson demeure d’une étonnante modernité. Son influence irrigue toujours la création contemporaine, qu’il s’agisse de musique, de danse, de mode ou de mise en scène.

FOREVER – The Best Show About The King of Pop s’inscrit dans cette continuité en offrant au public l’opportunité rare de renouer avec une œuvre qui a façonné l’histoire de la culture populaire mondiale. Le succès international du spectacle témoigne de cette permanence émotionnelle : certaines légendes ne connaissent pas l’usure du temps.

Une invitation à la redécouverte

Que l’on soit admirateur de longue date ou simple amateur de performances scéniques d’envergure, FOREVER – The Best Show About The King of Pop agit comme une passerelle entre les époques. Le spectacle rappelle une évidence trop souvent oubliée : la scène possède ce pouvoir singulier de raviver les mythes et de transformer la nostalgie en expérience vivante.

Plus qu’un retour, FOREVER – The Best Show About The King of Pop propose une redécouverte. Plus qu’un souvenir, une célébration

Forever
The best show about The King of Pop

Du 17 au 20 Février 2026 au Grand Rex à Paris et en tournée dans toute la France

L’article FOREVER au Grand Rex : Une immersion spectaculaire dans l’univers du King of Pop est apparu en premier sur .

Musicalement exceptionnel, techniquement hors norme, le groupe So Floyd a su convaincre les mélomanes, les puristes et les fans de Pink Floyd par la précision de ses riffs, la magie des lumières, la qualité du son, l’interprétation exceptionnelle et la fidélité troublante aux concerts du légendaire groupe londonien.

So Floyd revisite les plus grands succès du groupe britannique, des morceaux ancrés dans la mémoire collective et des concerts inscrits au panthéon de la musique !

Revivez sur scène tous les titres légendaires « Another brick in the wall », « Money », « Time », « Wish you were here », “Shine on you Crazy Diamond” et bien d’autres encore…

Après avoir conquis les zéniths de France, le phénomène So Floyd annonce son retour magistral dans la capitale. Le groupe investira la scène mythique du Dôme de Paris (Palais des Sports) le jeudi 12 février 2026, pour une soirée qui promet d’être bien plus qu’un simple concert : une véritable immersion sensorielle dans l’univers du plus grand groupe de rock progressif de l’histoire.

Avec The Pink Floyd Show, So Floyd propose un spectacle en 4 actes, correspondant à autant d’univers visuels et sonores, qui permet de retrouver les différentes époques de la production musicale riche et variée du groupe culte. Grâce à une fidélité sonore et visuelle époustouflante, So Floyd s’est imposé comme la référence absolue pour les amateurs de Pink Floyd. Loin de la simple imitation, le groupe propose une restitution méticuleuse des chefs-d’œuvre de David Gilmour, Roger Waters, Richard Wright et Nick Mason. Unanimement, le groupe est reconnu pour son respect scrupuleux des arrangements originaux et son énergie scénique électrisante.

Venez découvrir deux heures de spectacle pour un hommage troublant qui promet un bond dans le temps et une approche originale de l’œuvre du plus grand groupe des années 70

L’article So Floyd : De retour au Dôme de Paris est apparu en premier sur .