Au fil des années, Albert Tawil a su construire un réseau solide dans l’industrie culturelle, ce qui lui permet de jouer un rôle de passeur entre les artistes et le public. Il est également reconnu pour son sens de l’innovation et sa capacité à détecter des projets originaux. Discret médiatiquement, il n’en reste pas moins une figure influente dans les coulisses du monde artistique, où il agit comme un véritable facilitateur de projets créatifs.

INTERVIEW
Albert Tawil 

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Karim Mamèche était brigadier à la BAC 18, une unité de terrain au cœur de Paris.
Un policier engagé… jusqu’au jour où tout s’effondre. Accusé, jugé, condamné à huit ans de prison… il en passera deux derrière les barreaux avant d’être finalement relaxé.

Alors que s’est-il réellement passé ?
Que révèle cette affaire sur les coulisses de la police, sur ses silences, sur ses zones de tension ?Dans Bylka, il livre aujourd’hui sa vérité.

Un témoignage rare, brut… au cœur d’une affaire qui continue d’interroger. Voici son histoire Au Passage des Artistes

INTERVIEW
KARIM MAMECHE 

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Entre introspection et engagement, La clé des ténèbres devient une œuvre de réparation, mais aussi un cri apaisé pour toutes celles et ceux qui cherchent, eux aussi, leur propre clé

– L’interview –
Clélia Souillard 

Art Scène Radio : Votre roman s’inspire d’une histoire vraie. Qu’est-ce qui vous a décidée à franchir la frontière entre le vécu et la fiction ? L’écriture fut-elle un exutoire pour vous ?

Clélia Souillard : Mon roman s’inspire effectivement de mon histoire personnelle. Ce qui m’a poussée à franchir la frontière entre le vécu et la fiction, c’est d’abord le besoin de rendre visibles des mécanismes encore trop méconnus, trop banalisés.

Il faut être lucide : aujourd’hui encore, ces schémas d’emprise et de harcèlement se répètent dans le monde du travail, souvent dans le silence. J’en avais assez qu’on considère cela comme quelque chose de “normal”, comme une fatalité du milieu professionnel.

J’ai voulu mettre la lumière sur ce qui se passe dans l’ombre, mais aussi offrir au lecteur la possibilité de s’identifier à travers un personnage de fiction. Le roman permet une certaine distance émotionnelle, tout en restant profondément vrai.

Et oui, l’écriture a été un véritable exutoire, une forme de thérapie silencieuse. Je n’arrivais pas à poser les mots à l’oral, par pudeur ou par peur de déranger. Écrire m’a permis d’exprimer sans filtre, sans m’autocensurer, quitte à bousculer. Parce que parfois, dire les choses dans leur vérité brute, c’est déjà un acte de libération.

Art Scène Radio : Vous écrivez : “Il ne criait jamais. Il posait sa voix comme un scalpel.” Comment avez-vous travaillé ce ton si maîtrisé, cette tension entre douceur et cruauté ?

Clélia Souillard : Cette tonalité maîtrisée est en réalité la force de ce que j’ai vécu. Elle vient du réel, ce n’est pas une construction littéraire, mais une empreinte. Elias Dorn incarne cette forme de violence feutrée qui n’a pas besoin de cris pour exister. Il tranche sans hausser le ton, il anesthésie par le calme.

C’est cette contradiction, ce paradoxe du prédateur tranquille, que j’ai voulu rendre perceptible dans l’écriture. La douceur, ici, est une arme : elle masque la cruauté, elle la sublime presque, jusqu’à ce qu’on ne sache plus distinguer la main qui caresse de celle qui contrôle.

J’ai travaillé cette tension comme un fil tendu entre deux psychés : celle du bourreau et celle de la victime. La sienne, parfaitement orchestrée, qui dissèque sans trembler. Et la mienne, qui encaisse en silence, dans une résistance invisible.

J’ai longtemps cru que la maîtrise était une forme de survie. Alors, j’ai écrit avec la même retenue que celle que j’avais dans le réel, une écriture à voix basse, mais qui tranche à son tour. Ce ton-là, c’est le prolongement du traumatisme : il dit l’impossibilité du cri, la lucidité glacée de celui qui observe sa propre douleur

La clé des ténèbres explore l’emprise, la peur, mais aussi la résilience. Quelle place occupe la lumière dans votre écriture ?

La lumière, dans La clé des ténèbres, n’est pas un décor. C’est un état de conscience. Elle représente la résilience du personnage principal, mais aussi celle des présences silencieuses autour d’elle, ces âmes qui résistent sans bruit.

J’ai choisi de ne faire apparaître la lumière qu’à la toute fin du roman, parce qu’elle ne m’était pas accessible dans le réel à l’époque des faits. Dans l’obscurité, on ne voit rien d’autre que la survie. Ce n’est qu’après, avec le recul, qu’on comprend qu’une clarté était déjà en train de naître dans les fissures.

Je voulais que le lecteur ressente cette lente émergence, ce passage initiatique entre la sidération et la lucidité, entre la peur et la reconstruction.

La lumière, pour moi, n’existe qu’au contact de l’ombre. Elle n’est pas l’opposé du noir, elle en est la métamorphose. C’est dans cette tension que se trouve la véritable force : celle d’accepter, puis de renaître.

Vous évoquez “les silences complices”. Selon vous, pourquoi le mutisme collectif autour de ces violences demeure-t-il si fort, même aujourd’hui ?

Je crois qu’il y a d’abord un état de sidération collective. Lorsqu’un système d’emprise s’installe, chacun sent confusément que quelque chose ne va pas, mais la peur paralyse : peur d’être le suivant, peur d’être mis à l’écart, peur de perdre sa place simplement pour avoir osé nommer l’injustice.

Dans La clé des ténèbres, j’ai voulu montrer cette dimension presque sectaire du pouvoir qu’exerçait Elias Dorn. Il imposait une domination psychique nourrie du silence des autres. Cette mégalomanie cachait une fragilité profonde, celle d’un homme incapable de se confronter à sa propre part d’ombre.

Le mutisme collectif demeure parce que nous avons peur, tout simplement. Peur de voir, peur de savoir, peur d’être mêlés. Se confronter à la souffrance d’autrui, c’est aussi se confronter à ses propres lâchetés.

Mais ce confort du silence est une forme de complicité. Moi, j’aime la justice. Et je ne vois pas pourquoi les victimes devraient continuer à se taire pour préserver les apparences de ceux qui leur ont fait du mal.

Je sais que ce discours dérange. Mais après tout, je préfère être détestée pour une cause juste qu’aimée pour un mensonge. C’est aussi ça, La clé des ténèbres : choisir la vérité, même quand elle brûle.

Votre style est d’une intensité presque mystique. Y a-t-il une dimension spirituelle ou rédemptrice dans votre rapport à l’écriture ?

Oui, il y a une dimension spirituelle, mais elle s’exprime d’abord à travers la dérive même du pouvoir qu’exerce Elias Dorn. Il avait construit autour de lui une véritable croyance, un système quasi sectaire où tout devait graviter autour de sa vision.

Il rêvait d’une entreprise autonome, repliée sur elle-même, avec ses commerces, sa crèche, sa bière : une micro-société où chacun aurait dépendu de lui, jusque dans sa vie intime. Ce besoin d’omnipotence illustre à quel point l’homme peut confondre la création et la possession.

Pour moi, la véritable dimension spirituelle de l’écriture se trouve à l’opposé de cette folie de contrôle : elle réside dans la libération. Écrire m’a permis d’exorciser cette emprise, d’en comprendre les mécanismes, mais aussi de transformer l’expérience en quelque chose d’universel.

Là où lui cherchait à dominer, j’ai choisi de sublimer. En ce sens, oui, il y a eu une forme de rédemption : non pas dans la vengeance, mais dans la transmutation, faire d’une blessure une vérité, d’une chute une lumière.

La clé des ténèbres est le titre de votre livre. Que suggère-t-il ? Quelle est cette “clé” pour vous ?

La clé des ténèbres est une métaphore de la traversée intérieure. Cette clé ouvre la porte de ce qu’on ne veut pas voir : nos ombres, nos blessures, nos contradictions. Elle ne délivre pas, elle révèle.

Elle symbolise le moment où l’on cesse de fuir la douleur pour enfin la regarder en face. Tant qu’on reste dans la peur, la serrure demeure close. Mais dès qu’on accepte d’entrer dans l’obscurité, la lumière commence à réapparaître.

Le titre porte aussi l’idée que chacun détient sa propre clé : celle de sa survie, de sa lucidité, de sa résilience. Écrire La clé des ténèbres, c’était descendre dans mes ténèbres pour y trouver le sens, et comprendre qu’il faut parfois traverser la nuit entière pour retrouver l’aube

Si votre livre pouvait transformer quelque chose, que voudriez-vous qu’il change ?

J’aimerais qu’il change notre regard sur les victimes. On croit souvent qu’une victime doit crier ou s’effondrer pour être entendue. Mais la plupart se taisent — par peur, par sidération, par instinct de survie. Ce silence n’est pas une faiblesse : c’est un mécanisme de protection.

À travers ce livre, j’aimerais que l’on apprenne à lire ce silence autrement, qu’on cesse de juger la réaction pour écouter la douleur qui ne se dit pas.

Je rêve d’un accompagnement réel des victimes, avec des moyens humains et psychologiques à la hauteur des enjeux. Si mon livre peut contribuer à briser l’impunité et éveiller les consciences, il aura rempli sa mission : transformer la souffrance en lucidité, et la lucidité en mouvement.

Enfin, que diriez-vous à celles et ceux qui vivent encore sous emprise et n’ont pas trouvé les mots pour le dire ?

Je leur dirais d’abord que ce n’est pas leur faute. L’emprise s’installe lentement, subtilement, jusqu’à devenir une norme émotionnelle. On finit par confondre le contrôle avec l’attention, la peur avec la loyauté.

Prendre conscience de ce mécanisme, c’est déjà un premier pas vers la liberté. Cela demande du temps, du courage et beaucoup de douceur envers soi-même. L’important est de ne pas rester seul.

Si vous vous sentez constamment mal à l’aise, si vous doutez de vous sans comprendre pourquoi, c’est déjà un signal d’alarme. Se faire accompagner, c’est réapprendre à penser, à parler, à respirer par soi-même.

L’emprise déforme la perception, mais la conscience la rétablit. Et le jour où l’on comprend que le silence n’est plus une protection mais une prison, on tient déjà en soi la clé des ténèbres. Même si la justice humaine ne répond pas toujours à la hauteur de la plainte, la vérité, elle, a sa propre mémoire. Et elle sait attendre.

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Sur les pages de ART SCÈNE RADIO, nous avons le plaisir de partager un moment d’interview avec l’artiste

INTERVIEW

Djazia Ahrénds : Peux-tu nous parler de ton parcours musical et de ce qui t’a menée à la musique ?

Jeanne Gabrielle : La musique a toujours fait partie de ma vie. J’ai commencé par le violon au conservatoire à l’âge de 4 ans. Vers l’adolescence je découvre tout un univers musical que je connaissais peu, le rock.

Je commence alors la guitare électrique tout en écoutant quotidiennement David Bowie, les Beatles, le Velvet Underground puis Gainsbourg, Barbara, Brel, Françoise Hardy.

C’est vers 16 ans que je commence à écrire mes premières chansons, en français. Par la suite j’ai étudié le jazz dans une école de musicien professionnel (CFPM), travaillé ma voix, fait des arrangements sur mes chansons qui étaient alors en guitare / voix.

De fil en aiguille, je commence à me professionnaliser, à faire beaucoup de concerts, des premières parties (Dominique A, Brigitte, Michel Sardou, Louis Chedid.)… Puis en 2018 sort mon premier EP Vertige.

Quelles sont tes principales influences musicales, littéraires ou cinématographiques ?

Je suis une amoureuse de la chanson française. Je reste scotchée quand j’écoute les sublimes chansons de Barbara, de Serge Gainsbourg, Brassens, Brel. Je suis fan du groupe Odezenne. Je suis également influencée par des chanteuses comme Cat Power dont la musicalité, la fragilité de la voix m’émeut beaucoup

Mais finalement, que ce soit dans la musique, le cinéma ou la littérature, mes goûts sont très éclectiques. J’aime beaucoup le cinéma Français (Valérie donzelli,Jeanne herry, Audiard, Desplechin…) 

Y a-t-il une rencontre ou un artiste qui a marqué un tournant dans ta carrière ?

Je dirais que chaque rencontre m’a emmenée quelque part mais je pense que celle avec mon producteur Valéry Zeitoun, qui a cru en moi dès le début, m’a énormément apportée

J’ai pu travailler avec des réalisateurs et arrangeurs merveilleux tel que Bénédicte Schmitt, Dominique Blanc-Francard, Samy Osta, Denis Clavaud

J’ai adoré ouvrir pour Dominque A. J’ai été sa première partie lors d’un concert à Bastia. Ce fut un concert important pour moi 

Comment décrirais-tu ton univers musical en quelques mots ?

Le texte est vraiment important pour moi, ainsi que le travail de la mélodie. En ce sens je pense que le style de ma musique c’est la chanson Française mais il ya  également une touche de pop, parfois de rock. C’est une musique assez organique (piano, guitare, basse, orgue, batterie). J’essaye d’y mettre toute ma sensibilité, mon vécu

Quels sont les thèmes récurrents dans tes chansons ? Y a-t-il un message particulier que tu souhaites transmettre?

Lorsque je réécoute mes chansons, je me rends compte que des thèmes reviennent souvent, l’amour, le temps qui passe, une certaine quête de sens, l’enfance. Ce sont des sujets assez récurrents dans mes textes. Une vraie psychanalyse

Comment se déroule ton processus de composition ? Es-tu plutôt instinctive ou méthodique ?

Je compose toujours de la même manière. Je cherche à la guitare une suite d’accords, puis une mélodie. Par la suite je commence à chantonner quelques mots, puis vient une première phrase, un sujet, et je me laisse guider par l’inspiration. Parfois je laisse la chanson de côté quelques semaines, en commence une autre puis revient sur la précédente

Ton premier EP, “Vertige”, est sorti en 2020. Peux-tu nous en parler et nous dire comment il a été conçu ? 

J’ai composé toutes les chansons de cet EP en guitare voix et nous les avons habillées Samy Osta, Benedicte Schmitt, Dominique Blanc Francard et moi même. Je suis restée 6 mois en studio, Vertige est né

En 2020, tu as sorti le single “Famille”. Quelle est l’histoire derrière cette chanson ?  

Famille est une chanson très importante pour moi. Je l’ai composé en 15 minutes. Ma famille me manquait. J’étais à Paris pour l’enregistrement de l’EP. Je suis originaire de corse, j’y suis née et j’y ai grandi. Tous les étés, nous les passions à Venaco (mon village) chez ma grand-mère. Je suis très nostalgique de cette époque où je passais mes journées à regarder ma grand-mère cuisiner, à aller à la rivière, puis venait les repas de familles quotidiens. Tout le monde se retrouvait, même les voisins. Cette chanson parle de, de ces moments magiques…

Dans « Sur le fil, » tu explores des émotions complexes comme le doute et la quête d’authenticité. Peux-tu nous parler du contexte dans lequel cette chanson est née ? 

Quand j’ai écrit cette chanson je me sentais un peu coincée, bloquée. Je me posais beaucoup de questions sur ce monde en perpétuels changements. J’essayais de comprendre où était ma place, notre place, qu’est ce qui avait vraiment du sens. Je voulais mettre des mots sur cette peur face au temps qui passe si vite

Avec Saisons, tu sembles explorer le passage du temps et les émotions qui l’accompagnent. Quelle a été l’inspiration derrière cette chanson ?

C’est une chanson d’amour. Une rencontre. J’ai voulu décrire ce qu’on peut ressentir lorsqu’on ressent des sentiments amoureux

Si tu pouvais changer quelque chose dans l’industrie musicale, ce serait quoi ?

Le milieu de la musique est un milieu complexe. Si je pouvais changer quelque chose ce serait de laisser plus de place (radio, tv, victoire de la musique ) à des artistes plus confidentiels. La France regorge de musiciens talentueux et de styles variés qui méritent d’être plus entendus. Aujourd’hui la plus value d’un artiste est le nombre de followers sur ses réseaux sociaux. J’ai parfois l’impression que l’art passe finalement après

Avec quel artiste rêves tu de collaborer un jour?

Il y en a beaucoup. Un duo avec Cat Power, Patrick Watson ou encore Véronique Sanson serait MAGNIFIQUE.

Merci Jeanne Gabrielle pour cet échange. À bientôt sur les ondes !

Crédit photo Noémie Wonder

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Une enfance tourmentée, une vocation révélée

Marqué par une enfance difficile, Frédéric Deban a transformé les épreuves de sa vie en un moteur pour nourrir sa créativité. Abandonné par sa mère à l’âge de 4 ans et balloté entre foyers et familles d’accueil, il a connu la violence, la solitude et la rue. Pourtant, c’est dans ces épreuves qu’il puise une force singulière. Sa rencontre avec l’amour et son goût pour la scène lui ouvrent les portes d’une carrière artistique où il sublime ses blessures personnelles

Une carrière prolifique au cinéma et à la télévision

Frédéric Deban fait ses débuts au cinéma en 1985 aux côtés d’Alain Delon dans Parole de Flic. L’année suivante, il s’illustre dans Alger la Blanche de Cyril Collard, un rôle audacieux qui le révèle. Dès lors, il enchaîne les succès, incarnant des personnages complexes dans des œuvres marquantes comme Les Cœurs Brûlés (1992) et Une Famille Formidable (1993).

Mais c’est avec Sous le Soleil (1996-2008) qu’il devient une figure incontournable du paysage audiovisuel français. Son rôle de Grégory Lacroix, charismatique et torturé, séduit des millions de téléspectateurs. Malgré l’arrêt de la série, il revient en 2014 dans Sous le Soleil de Saint-Tropez, poursuivant une carrière riche de plus de vingt téléfilms et longs-métrages.

Un artiste complet, entre écriture et scène

Frédéric Deban ne se limite pas au jeu d’acteur. Il écrit et réalise, notamment le court-métrage Simone (1997), et signe plusieurs ouvrages autobiographiques poignants. Dans J’aurais voulu être le fils de quelqu’un (2013), il se livre avec une sincérité bouleversante sur son enfance, tandis que Vos gueules les acouphènes (2016) raconte son combat contre la surdité, diagnostiquée en 2014.

Côté théâtre, il se réinvente avec des œuvres introspectives. Le Journal d’un malentendant et ses malentendus, présenté au Festival d’Avignon en 2022, mêle humour et émotion, explorant avec brio son handicap et sa renaissance.

Un homme de résilience et d’engagement

Malgré les défis – perte d’audition, passages à vide dans sa carrière – Frédéric Deban incarne la résilience. Sa capacité à transformer ses failles en force artistique est un témoignage de son humanité et de son dévouement à l’art.

Frédéric Deban est bien plus qu’un acteur : il est une voix, un regard et une plume qui transcendent les époques et les genres. Par son parcours exceptionnel, il nous rappelle que la passion, le talent et le courage sont les clés pour surmonter les obstacles et toucher le cœur du public

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À mon époque, le rire de tout était presque une religion : une manière de désamorcer les tabous, d’encourager la réflexion, et, surtout, de vivre ensemble. Mais aujourd’hui, l’humour doit composer avec un champ de mines : sensibilités religieuses, culturelles, ethniques, identitaires… Doit-on encore rire de tout ? Ou l’humour, comme un vieux comique usé, doit-il s’effacer de la scène, lesté par la lourdeur de la société actuelle ?

Nous tenterons de répondre à cette question avec mon invité. Un artiste qui, à l’image d’un feu d’artifice, éclabousse le ciel de sa lumière : imprévisible, spectaculaire, et parfois brûlant. Reste à savoir si, chez vous, la détonation provoquera des éclats de rire ou un grincement de dents. Le rideau se lève, et c’est à vous de juger…

L’ INTERVIEW
– Dieudonné –

L’humoriste a souvent été au cœur des polémiques, mais aussi des éclats de rire. Son humour, souvent qualifié de transgressif, divise autant qu’il rassemble. Commençons par une question essentielle : qu’est-ce que l’humour aujourd’hui ? Est-ce encore une arme, un miroir de la société, ou simplement une manière de provoquer la réflexion?

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Victoria Sio, artiste à la voix puissante et émotive, revient sur scène pour un concert exceptionnel ce dimanche 17 novembre 2024 à 20h00, dans le cadre intime et vibrant de la salle « Les Étoiles ». Elle interprétera en live l’intégralité de ses deux EPs, Tout est bon là et 2ème Vie, accompagnée de ses musiciens pour un moment de communion musicale intense et sincère. Cette soirée promet d’être ponctuée de surprises qui captiveront les fans et séduiront ceux qui la découvrent.

Révélée au grand public par sa prestation dans le spectacle Le Roi Soleil, Victoria Sio a confirmé son talent et sa popularité en prêtant sa voix chantée à Céline Dion dans le film Aline, le biopic de Valérie Lemercier. Forte de cette reconnaissance, elle mène désormais un projet solo audacieux et personnel qu’elle compose et produit elle-même. Son univers artistique, qu’elle qualifie de « nouvelle variété française », allie émotion brute, puissance vocale et interprétation moderne, ce qui la distingue dans le paysage musical français. Victoria nous invite à plonger dans ses chansons aux mélodies entraînantes et aux paroles introspectives qui résonnent avec le quotidien de chacun.

Sorti en 2023, son dernier EP 2ème Vie explore des thèmes universels de résilience et d’amitié, avec des titres tels que Pourquoi et Meilleur pote, qui ont conquis les ondes et les médias. Ces morceaux, diffusés sur France Bleu, Chérie FM, M Radio, NRJ Hits et M6, témoignent de la réception enthousiaste du public et des critiques. Victoria Sio propose des chansons qui touchent toutes les générations, et son concert aux Étoiles s’annonce comme une célébration de la « nouvelle variété française » qu’elle incarne si bien.

Ne manquez pas cette occasion unique de voir en live une artiste qui, par sa sincérité et son talent, s’impose de plus en plus dans le cœur du public. Ce 17 novembre, préparez-vous à vivre une soirée pleine d’émotions, où Victoria Sio nous offrira un voyage musical personnel, intense et inspirant.

lien de réservation : 

https://victoriasio.qidoon.com/events/2153

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Après une maîtrise en psychologie, Marie-Paule Belle monte à Paris à la suite du décès de sa mère corse. La capitale devient le théâtre de ses rêves et ambitions. Paris, ville de toutes les possibilités, voit éclore cette artiste en 1969 lorsqu’elle gagne un concours télévisé sur Radio Monte Carlo. Ce pari entre amis, simple défi anodin à l’époque, allait la propulser sur la scène musicale française.

Dès ses débuts, Marie-Paule Belle se distingue par une singularité musicale et vocale. Son premier 33 tours en 1973 lui vaut une reconnaissance rapide, saluée notamment par Philippe Bouvard sur son émission Samedi soir. Cette même année, elle est couronnée par l’Académie Charles-Cros, récompensée pour son originalité et sa créativité. Bobino, l’Olympia, Spa : autant de scènes prestigieuses où elle impose son univers unique, fait d’humour et de tendresse.

Son succès se cristallise en 1976 avec La Parisienne, une chanson qui incarne tout ce que Marie-Paule Belle représente : un mélange d’élégance, d’espièglerie et d’autodérision. Cette chanson est un immense succès, lui valant un disque d’or l’année suivante. À travers ses tournées en France, elle tisse un lien indéfectible avec le public, qui se reconnaît dans cette artiste capable de faire passer du rire aux larmes

L’INTERVIEW

Marie Paule Belle 

Marie-Paule Belle ne s’arrête pas à la chanson. Elle explore aussi la poésie et le théâtre. Son parcours est marqué par des rencontres artistiques, dont celle avec la romancière Françoise Mallet-Joris, qui fut à la fois sa compagne et sa parolière pendant plus d’une décennie. Ensemble, elles ont écrit des chansons marquantes, et malgré la discrétion de l’époque sur leur relation, leur histoire reste un symbole de liberté et d’émancipation.

Au fil des ans, Marie-Paule Belle a su évoluer, s’adapter aux nouvelles tendances sans jamais perdre son identité artistique. En 2001, elle rend hommage à Barbara, une autre icône de la chanson française, avec un spectacle poignant qui témoigne de son respect et de son amour pour la poésie musicale.

Aujourd’hui, alors qu’elle continue de se produire, son public reste fidèle. En 2023, Marie-Paule Belle doit reporter une série de concerts pour des raisons de santé, mais l’attente ne fait que renforcer l’admiration que ses fans lui portent. En janvier 2024, elle reviendra sur scène avec la même passion et le même amour de la chanson qui l’animent depuis ses débuts.

Marie-Paule Belle incarne une carrière riche, entre chansons populaires et explorations poétiques, entre scènes prestigieuses et moments intimes. Toujours debout, elle est l’exemple parfait d’une artiste qui a su traverser les époques sans jamais trahir ce qui fait sa force : une sincérité sans fard et une humanité désarmante.
l’Artiste sera sur scène le 02 novembre 2024 aux Folies Bergère pour ses 50 ans de carrière

Crédit photo : Véronique Seard

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L’INTERVIEW 

Samuel HERNANDEZ
Président SAS Edi’Box

Djazia Ahrénds – Benhabilés : Après un burn-out et un passage chez McDonald’s, qu’est-ce qui vous a donné l’élan nécessaire pour vous lancer dans un projet aussi ambitieux qu’Edi’box ?

Comment avez-vous eu l’idée de rendre la lecture accessible aux enfants malvoyants et non-voyants, tout en maintenant un prix aussi bas que 3 euros par livre ?

La aussi le hasard, en assistant à une réunion de présentation d’une entreprise dont les valeurs de l’inclusivité était le let motive de l’enseigne je me suis dit qu’il était dommage de ne pas inclure cette partie inclusive dans la lecture en la rendant accessible aux enfants malvoyant et non-voyant par l’audio. concernant le prix c’était une des conditions à respecter afin de rendre la aussi les ouvrages accessibles pour les familles qui ont peu de budget.

Vous avez convaincu des personnalités comme Cali et Jérôme Anthony de prêter leur voix à vos livres. Comment êtes-vous parvenu à transformer votre vision en un projet aussi fédérateur ?

Mon passé artistique font que j’ai la chance et le privilège d’avoir un carnet d’adresses de nombreuses personnalité, Cali et Jérôme Anthony font partie des premiers artistes contacter puis, le bouche à oreille à fait le reste Axel Marbeuf (Demi-Finaliste Star Academy 2023) par exemple d’abord contacté pour être l’une des voix ce retrouve aujourd’hui à être l’auteur et la voix d’une de nos collections.

Le monde de l’édition pour enfants est très concurrentiel. Comment avez-vous réussi à vous démarquer avec une approche inclusive et innovante comme celle d’Edi’box ?

Justement en permettant l’accessibilité via l’audio au public en situation d’handicap

Quel a été le moment clé où vous avez réalisé que ce projet, qui a commencé par une simple idée, allait réellement transformer la vie des enfants et des familles ?

Je ne le réalise pas encore vraiment tout s’enchaine tellement vite,  mais les retours positifs ont été instantané et me le font comprendre de plus en plus

Avec un modèle aussi accessible, pensez-vous qu’Edi’box pourrait redéfinir l’avenir de la littérature pour enfants, notamment en matière d’inclusivité ?

Je le souhaite et nous envisageons par la suite de proposez nos services en conception de version audio des ouvrages pour d’autres éditeurs

Relation presse : Jérôme Perrier

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