Ce jour-là, sa grand-mère, Giuseppina, croise la route d’un jeune chanteur américain venu remonter le moral des troupes : Frank Sinatra. De cette rencontre furtive, presque irréelle, ne subsistent que quelques fragments d’histoires, un regard échangé, une main tendue sur scène, et une chanson improvisée sous la clameur des soldats. Neuf mois plus tard, la mère de Willy naît. Avec les yeux bleus de Sinatra. Willy les a hérités à son tour. Et partout où il va, de Paris à Las Vegas, des inconnus lui glissent, amusés ou surpris: « Vous avez quelque chose de Sinatra »

Alors, mythe ou vérité ?

La famille a toujours laissé planer le doute. Giuseppina, pudique, fidèle à une certaine idée de la dignité, refusait d’en dire davantage : « Je ne veux pas mettre le désordre dans sa vie… »

Ce secret, ce trouble, cette part d’ombre, Willy en a fait un spectacle. Non pour prouver quoi que ce soit, mais pour raconter. Pour célébrer. Pour comprendre ce que signifie hériter d’une histoire qu’on n’a pas choisie, mais qui vous choisit. Quand la mémoire familiale rencontre l’avenir du monde. Pendant trente ans, Willy Mansion a été entrepreneur. Il a mis en lumière des marques, encouragé des engagements, porté des projets tournés vers une consommation plus responsable. Puis un jour, face aux bouleversements climatiques, l’évidence s’est imposée : il fallait parler autrement. Plus fort. Plus vrai. Plus humain. La naissance de son petit-fils agit comme un électrochoc. Soudain, le secret de 1945 et la chaleur d’un micro prennent un sens nouveau : Que transmettons-nous vraiment à ceux qui nous suivent ? Une chanson, Un nom, Un monde à reconstruire ?

C’est ainsi qu’est né “My Way”, spectacle intime autant qu’universel, premier show au monde labellisé 1% for the Planet, mêlant récits familiaux, swing irrésistible et questionnements brûlants sur l’héritage que nous laisserons aux générations futures. De Paris à Foggia, de Palm Springs, où il a séjourné dans la mythique villa de Sinatra, jusqu’à Vegas, où les fantômes du Rat Pack semblent encore respirer dans l’air du désert, il tisse un récit où se mêlent humour, émotion, anecdotes vertigineuses et mélodies intemporelles.

Il porte les standards de Sinatra comme on porte une mémoire. Et il y glisse ses propres chansons, écrites comme des confidences, des appels, des promesses d’avenir. Car le dilemme est là, au cœur du spectacle : Willy doit-il rester fidèle au crooner qui pourrait être son grand-père… ou à l’enfant qui est déjà son avenir ? Entre ces deux fidélités, il invente sa voie,  sa propre “Way” et invite le public à l’accompagner.

Un spectacle qui réunit les générations

Avec un big band, des choristes, des images d’archives et la classe indémodable du swing, “My Way” n’est pas seulement un show hommage. C’est un voyage. Un pont jeté entre hier et demain. Un hommage aux crooners des années 60, mais aussi un appel vibrant à ne plus reculer devant l’urgence climatique.

On rit.On s’émeut.On se reconnaît.On regarde autrement ceux qu’on aime. Et l’on sort avec l’envie très simple, mais essentielle, de faire sa part. Willy Mansion, PDG engagé, homme de scène tardif mais passionné, grand-père émerveillé et possible héritier d’une légende, vous donne rendez-vous pour une soirée unique : un spectacle à la croisée du mythe, de l’intime et du futur. Alors, pour paraphraser Sinatra : Et si on passait la soirée ensemble ?

– MY WAY –

Willy Manison

Au théâtre de la Tour Eiffel – Paris

le 26 nov et le 3 décembre

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Il est de ces artistes dont la seule présence sur scène suffit à installer une atmosphère de joie communicative. Booder appartient à cette rare catégorie d’humoristes capables de fédérer plusieurs générations autour d’un rire franc et bienveillant. Après trois années de tournée triomphale avec Booder is back, 800 représentations à guichets fermés, des Zéniths bondés et un Dôme de Paris conquis,  l’enfant de Melun reprend son cahier et son crayon quatre couleurs pour nous livrer un nouveau spectacle aussi drôle que touchant : Booder Ah… L’école!

Cette fois, c’est vers les bancs de l’école que Booder porte son regard à la fois acéré et tendre. De sa propre scolarité à celle de son fils aujourd’hui, l’humoriste brosse avec une justesse et humour  le portrait d’un système éducatif en pleine mutation. « L’école est la base du bien-être de nos enfants », martèle-t-il, conscient de l’importance de ce sujet qui touche chaque famille française. Dans son nouveau spectacle de quatre-vingt-dix minutes, tout y passe : les copains de classe, la récréation et ses codes impitoyables, les professeurs dévoués, mais aussi les sujets plus graves comme le harcèlement scolaire. Avec son talent habituel pour transformer le quotidien en moments de comédie pure, Booder parvient à aborder ces thématiques sensibles sans jamais verser dans la leçon de morale

Une tournée XXL

Le succès ne s’est pas fait attendre. Dès l’annonce de ce nouveau spectacle, les salles se sont remplies à une cadence folle. Le 21 mars 2026, Booder investira le mythique Grand Rex parisien, avant d’enchaîner une tournée de plus de cent dates qui le mènera à travers la France, mais aussi en Belgique et en Suisse.
Cette itinérance n’a rien d’étonnant pour celui qui est devenu, au fil des années, l’un des humoristes préférés des Français. Son secret ? Une authenticité désarmante et cette fameuse bonne humeur qui traverse la rampe pour venir chatouiller le public dès les premières minutes.
Un spectacle pour toute la famille
Accessible dès six ans, Booder Ah… L’école ! s’inscrit dans cette volonté de l’artiste de créer des moments de partage intergénérationnel. Les parents reconnaîtront leurs propres souvenirs d’écoliers, tandis que les enfants se retrouveront dans ces anecdotes qui font le sel de la vie scolaire.
Ceux qui ont suivi Booder sur les réseaux sociaux connaissent déjà ses hilarantes vidéos de « cours particuliers » donnés à son fils, devenues virales notamment sur TikTik. Ce nouveau spectacle promet d’explorer plus en profondeur cette relation père-fils, teintée d’humour et d’amour. Une visibilité médiatique sans précédent. Pour accompagner le lancement de cette tournée, Booder multipliera les apparitions télévisuelles

Booder Ah… L’école!

En tournée 26/27  

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Sous la direction subtile de Charles Tordjman, Grumberg met en jeu deux comédiens d’exception, Jean-Pierre Darroussin et Christine Murillo, dans la peau d’un couple d’octogénaires usés par la vie, par leurs douleurs physiques autant que par les blessures du temps. Lui traîne son mal de dos comme un fardeau de Sisyphe, elle ajuste son appareil auditif et son sourire dentaire avec la dignité tranquille de ceux qui savent encore rire d’eux-mêmes.

Leur routine, déjà chancelante, vacille davantage lorsque leur fils de cinquante ans, revenu vivre sous le toit parental, s’enferme dans un mutisme obstiné. Trois êtres, trois solitudes, trois respirations suspendues dans un même couloir où se croisent la tendresse et l’exaspération, la dérision et l’émotion. Grumberg, fidèle à sa manière, manie l’ironie comme une arme douce : derrière les répliques ciselées se profile une réflexion profonde sur la famille, la vieillesse et l’incommunication. Dans le couloir, c’est un peu Godot entre deux Chaises, une attente absurde où le rire affleure toujours, même au bord des larmes.

Dans une langue à la précision d’orfèvre, l’auteur se plaît à rappeler que « rien n’est plus drôle que le malheur, pourvu qu’il soit équitablement partagé ». Et c’est bien cette équité, cette fraternité du rire et des pleurs, que la mise en scène de Tordjman célèbre avec pudeur et élégance. Les décors de Vincent Tordjman, la lumière de Christian Pinaud, les costumes de Lili Kendaka et la musique discrète de Vicnet composent un écrin sensible, presque domestique, pour ce duel conjugal où les mots, souvent, remplacent les gestes. Dans cette comédie de la fin de route, où tout vacille mais rien ne se renie, Grumberg offre à Darroussin et Murillo un terrain de jeu somptueux, à la fois drôle, lucide et terriblement humain. Un spectacle où l’on rit à travers les larmes, où l’on reconnaît les siens, où le théâtre redevient ce qu’il n’aurait jamais dû cesser d’être: un miroir tremblant de nos fragilités.

Dans le couloir

Au Théâtre Hébertot

À partir du 24 janvier 2026

Du mercredi au samedi à 19h, le dimanche à 17h30

Distribution :

Une pièce de Jean-Claude Grumberg

Mise en scène : Charles Tordjman

Assistante mise en scène :  Pauline Masson

Avec Jean-Pierre Darroussin et Christine Murillo

Décor : Vincent Tordjman

Lumière :  Christian Pinaud

Costumes : Lili Kendaka

Musique : Vicnet

Relation Presse : Pierre Cordier – PC PRESSE

Une coproduction Théâtre Hébertot et MK PROD’

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Dans Requiem pour un Fou, David Hallyday signe un spectacle « sang pour sang » Hallyday. Pendant deux heures, les répertoires croisés du père et du fils s’entremêlent, se répondent, se confrontent parfois, pour mieux célébrer cette histoire musicale unique. Entre émotion pure et énergie rock, l’artiste déploie sur scène une vision personnelle, presque spirituelle, de l’œuvre paternelle. Il ne s’agit pas ici d’imitation, mais de transmission, d’un passage de flambeau que seul David pouvait incarner

Compositeur, chanteur, multi-instrumentiste, David Hallyday a déjà marqué la chanson française par son exigence et son élégance musicale. On lui doit notamment Sang pour Sang, l’album emblématique de Johnny Hallyday, vendu à plus de deux millions d’exemplaires, fruit d’une réconciliation artistique et filiale devenue légende. Aujourd’hui, avec Requiem pour un Fou, le fils rend hommage au père, sans pathos ni nostalgie, mais avec la sincérité d’un artiste accompli qui revendique sa part d’héritage.

Ce concert-hommage n’est pas seulement une célébration : c’est une traversée de la mémoire et du cœur. Les titres phares de Johnny (revisités avec puissance et respect) dialoguent avec le répertoire personnel de David, dans une mise en scène audacieuse où se mêlent émotion, lumière et virtuosité. Le public, déjà conquis lors des premières dates, évoque un moment « hors du temps », où se rencontrent deux générations d’artistes et deux façons d’aimer la scène. Car derrière le nom Hallyday, il y a avant tout une histoire d’amour : celle d’un fils pour son père, d’un artiste pour la musique, d’un public pour une légende.

Rendez-vous le mercredi 12 novembre 2025 au Dôme de Paris pour un spectacle inoubliable. Et pour les autres, la tournée se poursuit à travers toute la France, une promesse d’un voyage émotionnel que l’on n’oublie pas

David Hallyday

au Dôme de Paris – le 12/11/2025

Et en tournée dans toute la France 

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Nous sommes à Paris, en 1840. Dans un bureau monotone, deux employés se rencontrent, se reconnaissent, et se lient d’amitié autour d’une même soif d’apprendre. Le hasard (et un héritage)  vont leur offrir la liberté dont ils rêvaient : celle de tout recommencer à la campagne, loin du tumulte urbain. À peine installés, Bouvard et Pécuchet se lancent dans une frénésie d’expériences, avides de tout comprendre, de tout maîtriser. L’agriculture, la science, la philosophie, la religion, la politique, la médecine, la littérature… rien ne leur résiste, sauf peut-être la réalité. Car de tentative en tentative, leurs ambitions s’écroulent dans une suite de désastres aussi désopilants qu’humbles.

Sous la direction inspirée de Géraud Bénech, les deux comédiens (Jean-Paul Farré, merveilleux artisan du verbe et du rythme, et Marc Chouppart, complice de toujours) livrent une partition à deux voix d’une précision comique remarquable. Leur duo, à la fois clownesque et poétique, transforme l’ironie flaubertienne en une leçon d’humanité. À travers les rires et les maladresses, se dessine en filigrane une question très contemporaine : que vaut le savoir lorsqu’il n’est pas habité par l’intelligence du cœur ? Car derrière la farce et la dérision, Bouvard et Pécuchet est aussi une fable sur la vanité du savoir total, sur la confusion entre apprendre et comprendre. À l’heure où l’intelligence artificielle prétend tout savoir à notre place, cette adaptation résonne comme une douce provocation : un “manuel de sciences absurdes”, certes, mais infiniment humain.

Jean-Paul Farré et Marc Chouppart revisitent Flaubert sans trahir son esprit : un mélange rare de fidélité littéraire et d’audace scénique. Dans cette comédie du savoir et de la bêtise, ils célèbrent le droit à l’erreur, la beauté du doute et la joie d’apprendre, même mal. Un spectacle humain  qui promet la fois de l’intelligence, du burlesque, qui rappelle que la curiosité parfois maladroite reste une formidable aventure.

BOUVARD & PÉCUCHET

De Gustave Flaubert

 Au Théâtre de Poche Montparnasse

À partir du 11 novembre 2025 – les mardis, mercredis et jeudis à 19h00

Adaptation : Marc Chouppart et Géraud Bénech

Mise en scène : Géraud Bénech

Avec : Jean-Paul Farré et Marc Chouppart

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Entre introspection et engagement, La clé des ténèbres devient une œuvre de réparation, mais aussi un cri apaisé pour toutes celles et ceux qui cherchent, eux aussi, leur propre clé

– L’interview –
Clélia Souillard 

Art Scène Radio : Votre roman s’inspire d’une histoire vraie. Qu’est-ce qui vous a décidée à franchir la frontière entre le vécu et la fiction ? L’écriture fut-elle un exutoire pour vous ?

Clélia Souillard : Mon roman s’inspire effectivement de mon histoire personnelle. Ce qui m’a poussée à franchir la frontière entre le vécu et la fiction, c’est d’abord le besoin de rendre visibles des mécanismes encore trop méconnus, trop banalisés.

Il faut être lucide : aujourd’hui encore, ces schémas d’emprise et de harcèlement se répètent dans le monde du travail, souvent dans le silence. J’en avais assez qu’on considère cela comme quelque chose de “normal”, comme une fatalité du milieu professionnel.

J’ai voulu mettre la lumière sur ce qui se passe dans l’ombre, mais aussi offrir au lecteur la possibilité de s’identifier à travers un personnage de fiction. Le roman permet une certaine distance émotionnelle, tout en restant profondément vrai.

Et oui, l’écriture a été un véritable exutoire, une forme de thérapie silencieuse. Je n’arrivais pas à poser les mots à l’oral, par pudeur ou par peur de déranger. Écrire m’a permis d’exprimer sans filtre, sans m’autocensurer, quitte à bousculer. Parce que parfois, dire les choses dans leur vérité brute, c’est déjà un acte de libération.

Art Scène Radio : Vous écrivez : “Il ne criait jamais. Il posait sa voix comme un scalpel.” Comment avez-vous travaillé ce ton si maîtrisé, cette tension entre douceur et cruauté ?

Clélia Souillard : Cette tonalité maîtrisée est en réalité la force de ce que j’ai vécu. Elle vient du réel, ce n’est pas une construction littéraire, mais une empreinte. Elias Dorn incarne cette forme de violence feutrée qui n’a pas besoin de cris pour exister. Il tranche sans hausser le ton, il anesthésie par le calme.

C’est cette contradiction, ce paradoxe du prédateur tranquille, que j’ai voulu rendre perceptible dans l’écriture. La douceur, ici, est une arme : elle masque la cruauté, elle la sublime presque, jusqu’à ce qu’on ne sache plus distinguer la main qui caresse de celle qui contrôle.

J’ai travaillé cette tension comme un fil tendu entre deux psychés : celle du bourreau et celle de la victime. La sienne, parfaitement orchestrée, qui dissèque sans trembler. Et la mienne, qui encaisse en silence, dans une résistance invisible.

J’ai longtemps cru que la maîtrise était une forme de survie. Alors, j’ai écrit avec la même retenue que celle que j’avais dans le réel, une écriture à voix basse, mais qui tranche à son tour. Ce ton-là, c’est le prolongement du traumatisme : il dit l’impossibilité du cri, la lucidité glacée de celui qui observe sa propre douleur

La clé des ténèbres explore l’emprise, la peur, mais aussi la résilience. Quelle place occupe la lumière dans votre écriture ?

La lumière, dans La clé des ténèbres, n’est pas un décor. C’est un état de conscience. Elle représente la résilience du personnage principal, mais aussi celle des présences silencieuses autour d’elle, ces âmes qui résistent sans bruit.

J’ai choisi de ne faire apparaître la lumière qu’à la toute fin du roman, parce qu’elle ne m’était pas accessible dans le réel à l’époque des faits. Dans l’obscurité, on ne voit rien d’autre que la survie. Ce n’est qu’après, avec le recul, qu’on comprend qu’une clarté était déjà en train de naître dans les fissures.

Je voulais que le lecteur ressente cette lente émergence, ce passage initiatique entre la sidération et la lucidité, entre la peur et la reconstruction.

La lumière, pour moi, n’existe qu’au contact de l’ombre. Elle n’est pas l’opposé du noir, elle en est la métamorphose. C’est dans cette tension que se trouve la véritable force : celle d’accepter, puis de renaître.

Vous évoquez “les silences complices”. Selon vous, pourquoi le mutisme collectif autour de ces violences demeure-t-il si fort, même aujourd’hui ?

Je crois qu’il y a d’abord un état de sidération collective. Lorsqu’un système d’emprise s’installe, chacun sent confusément que quelque chose ne va pas, mais la peur paralyse : peur d’être le suivant, peur d’être mis à l’écart, peur de perdre sa place simplement pour avoir osé nommer l’injustice.

Dans La clé des ténèbres, j’ai voulu montrer cette dimension presque sectaire du pouvoir qu’exerçait Elias Dorn. Il imposait une domination psychique nourrie du silence des autres. Cette mégalomanie cachait une fragilité profonde, celle d’un homme incapable de se confronter à sa propre part d’ombre.

Le mutisme collectif demeure parce que nous avons peur, tout simplement. Peur de voir, peur de savoir, peur d’être mêlés. Se confronter à la souffrance d’autrui, c’est aussi se confronter à ses propres lâchetés.

Mais ce confort du silence est une forme de complicité. Moi, j’aime la justice. Et je ne vois pas pourquoi les victimes devraient continuer à se taire pour préserver les apparences de ceux qui leur ont fait du mal.

Je sais que ce discours dérange. Mais après tout, je préfère être détestée pour une cause juste qu’aimée pour un mensonge. C’est aussi ça, La clé des ténèbres : choisir la vérité, même quand elle brûle.

Votre style est d’une intensité presque mystique. Y a-t-il une dimension spirituelle ou rédemptrice dans votre rapport à l’écriture ?

Oui, il y a une dimension spirituelle, mais elle s’exprime d’abord à travers la dérive même du pouvoir qu’exerce Elias Dorn. Il avait construit autour de lui une véritable croyance, un système quasi sectaire où tout devait graviter autour de sa vision.

Il rêvait d’une entreprise autonome, repliée sur elle-même, avec ses commerces, sa crèche, sa bière : une micro-société où chacun aurait dépendu de lui, jusque dans sa vie intime. Ce besoin d’omnipotence illustre à quel point l’homme peut confondre la création et la possession.

Pour moi, la véritable dimension spirituelle de l’écriture se trouve à l’opposé de cette folie de contrôle : elle réside dans la libération. Écrire m’a permis d’exorciser cette emprise, d’en comprendre les mécanismes, mais aussi de transformer l’expérience en quelque chose d’universel.

Là où lui cherchait à dominer, j’ai choisi de sublimer. En ce sens, oui, il y a eu une forme de rédemption : non pas dans la vengeance, mais dans la transmutation, faire d’une blessure une vérité, d’une chute une lumière.

La clé des ténèbres est le titre de votre livre. Que suggère-t-il ? Quelle est cette “clé” pour vous ?

La clé des ténèbres est une métaphore de la traversée intérieure. Cette clé ouvre la porte de ce qu’on ne veut pas voir : nos ombres, nos blessures, nos contradictions. Elle ne délivre pas, elle révèle.

Elle symbolise le moment où l’on cesse de fuir la douleur pour enfin la regarder en face. Tant qu’on reste dans la peur, la serrure demeure close. Mais dès qu’on accepte d’entrer dans l’obscurité, la lumière commence à réapparaître.

Le titre porte aussi l’idée que chacun détient sa propre clé : celle de sa survie, de sa lucidité, de sa résilience. Écrire La clé des ténèbres, c’était descendre dans mes ténèbres pour y trouver le sens, et comprendre qu’il faut parfois traverser la nuit entière pour retrouver l’aube

Si votre livre pouvait transformer quelque chose, que voudriez-vous qu’il change ?

J’aimerais qu’il change notre regard sur les victimes. On croit souvent qu’une victime doit crier ou s’effondrer pour être entendue. Mais la plupart se taisent — par peur, par sidération, par instinct de survie. Ce silence n’est pas une faiblesse : c’est un mécanisme de protection.

À travers ce livre, j’aimerais que l’on apprenne à lire ce silence autrement, qu’on cesse de juger la réaction pour écouter la douleur qui ne se dit pas.

Je rêve d’un accompagnement réel des victimes, avec des moyens humains et psychologiques à la hauteur des enjeux. Si mon livre peut contribuer à briser l’impunité et éveiller les consciences, il aura rempli sa mission : transformer la souffrance en lucidité, et la lucidité en mouvement.

Enfin, que diriez-vous à celles et ceux qui vivent encore sous emprise et n’ont pas trouvé les mots pour le dire ?

Je leur dirais d’abord que ce n’est pas leur faute. L’emprise s’installe lentement, subtilement, jusqu’à devenir une norme émotionnelle. On finit par confondre le contrôle avec l’attention, la peur avec la loyauté.

Prendre conscience de ce mécanisme, c’est déjà un premier pas vers la liberté. Cela demande du temps, du courage et beaucoup de douceur envers soi-même. L’important est de ne pas rester seul.

Si vous vous sentez constamment mal à l’aise, si vous doutez de vous sans comprendre pourquoi, c’est déjà un signal d’alarme. Se faire accompagner, c’est réapprendre à penser, à parler, à respirer par soi-même.

L’emprise déforme la perception, mais la conscience la rétablit. Et le jour où l’on comprend que le silence n’est plus une protection mais une prison, on tient déjà en soi la clé des ténèbres. Même si la justice humaine ne répond pas toujours à la hauteur de la plainte, la vérité, elle, a sa propre mémoire. Et elle sait attendre.

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Devant cet engouement fulgurant, le groupe vient d’annoncer une seconde date parisienne, le 31 mai prochain au Trianon, promesse d’une nouvelle soirée placée sous le signe de l’énergie et des souvenirs partagés

Formés en 1992, les Worlds Apart ont marqué toute une génération avec leurs tubes emblématiques — Baby Come Back, Everlasting Love ou encore Je te donne — devenus les hymnes d’une époque insouciante et fédératrice. Plus de trente ans après leurs débuts, Nathan Moore, Steve Hart et Cal Cooper n’ont rien perdu de leur complicité ni de leur pouvoir de séduction. Leur retour sur scène s’annonce comme une célébration de ces années où la pop se voulait lumineuse et sincère.
Entre chorégraphies millimétrées, refrains imparables et émotion palpable, les fans pourront revivre une page dorée de leur jeunesse dans l’écrin prestigieux du Trianon, salle emblématique du boulevard de Rochechouart. Une manière, pour le trio, de prolonger le lien indéfectible qu’ils entretiennent avec leur public français, sans doute l’un des plus fidèles d’Europe. Ouverture de la billetterie prévue dès demain matin ( et au vu du précédent succès, mieux vaudra être très rapide).

WORLDS APART

Trianon – Paris

Le 31 Mai 2026

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Ce roman, inspiré d’une histoire vraie, s’avance à pas feutrés dans la chair des silences. C’est un récit de survie, une descente au cœur d’un enfer contemporain — celui de la manipulation ordinaire, du harcèlement institutionnalisé, des violences travesties en normalité. Et pourtant, au cœur de cette nuit, une chose subsiste : le battement obstiné de la vie, cette minuscule étincelle qu’aucun système ne peut éteindre.

La plume de Clélia Souillard a la précision d’un scalpel et la ferveur d’une prière. Elle écrit la chute comme on écrirait une crucifixion : lente, méthodique, presque chirurgicale. Son héroïne (que l’on sent si proche, tant elle est chaque femme qui a été regardée sans être vue, entendue sans être écoutée) s’effondre sans fracas. C’est une noyade dans l’air sec, un effacement progressif du « je » dans la mécanique du pouvoir. Mais à mesure que le récit se déploie, quelque chose se relève. Une conscience, fragile d’abord, puis incandescente.

Dans La Clé des Ténèbres, la douleur devient matière spirituelle. On y lit l’humiliation, mais aussi la résurrection. Ce roman est une Passion contemporaine : celle d’une femme qui renaît de son effacement. Chaque phrase semble trempée dans le feu et l’eau, à la fois brûlure et baptême. Il ne s’agit pas d’un cri de victime, mais d’un acte de transfiguration. Écrire, ici, c’est reprendre souffle. C’est reconquérir son nom, sa peau, sa foi en soi.

Clélia Souillard ne décrit pas seulement le mal : elle le démasque. Elle met en lumière le visage propre, la chemise repassée, le sourire convenu du bourreau moderne. Ce « mal en costume », cette domination sans éclat, que la société préfère taire parce qu’elle s’exerce dans la bienséance. À la croisée du thriller psychologique et du chant mystique, La Clé des Ténèbres donne à sentir le vertige de l’âme quand elle se bat pour ne pas disparaître.

Et au bout du gouffre, la clé. Pas celle qui ferme, mais celle qui délivre. Celle qui ouvre les ténèbres pour en faire jaillir la clarté. Car dans cette œuvre, chaque mot est un exorcisme, chaque page une main tendue à ceux qui n’ont pas su parler.

Clélia Souillard signe là bien plus qu’un premier roman : un acte de foi dans la littérature comme salut, un témoignage qui ose dire ce que le monde détourne du regard. Une histoire de vie, un instinct de survie qui se raconte dans un livre bouleversant …Sa voix, à la fois fragile et souveraine, rejoint la lignée des âmes blessées qui écrivent pour survivre — des voix comme celles de Camille Laurens, Delphine de Vigan ou Annie Ernaux. Mais ici, la douleur se fait arme et offrande. Une passion moderne. Une délivrance par la parole. Une clé tendue à tous ceux qui errent encore dans l’ombre de l’indifférence et les couloirs de la peur.

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Une célébration flamboyante de l’univers ABBA

Ceux qui ont eu la chance d’assister à la précédente tournée de MANIA le savent : il ne s’agit pas d’un simple concert hommage, mais d’une expérience immersive, un voyage dans le temps au cœur des années disco.

Chaque détail a été minutieusement pensé pour restituer la magie et l’énergie d’un groupe devenu mythique : instruments vintage, éclairages spectaculaires, chorégraphies fidèles, paillettes étincelantes, semelles compensées, costumes extravagants et accent suédois à la perfection. Pendant deux heures, le public est transporté dans l’effervescence des années 70-80, au rythme des plus grands succès d’ABBA: “Waterloo”, “Money, Money, Money”, “Gimme! Gimme! Gimme!”, “Dancing Queen”, “SOS”, “Mamma Mia”, “Take a Chance on Me”… et tant d’autres tubes intemporels qui continuent de résonner dans toutes les mémoires

Un hommage d’une fidélité exceptionnelle

Reconnu à travers le monde comme le meilleur tribute à ABBA, MANIA s’impose depuis plusieurs années comme une référence absolue du genre. Créé au Royaume-Uni, le spectacle a conquis plus de 50 pays et séduit plus de 5 millions de spectateurs, grâce à la qualité de son interprétation et à la justesse de sa mise en scène. Chaque performance est une célébration sincère de la musique d’ABBA, mais aussi une invitation à revivre une époque lumineuse et insouciante, où la pop rassemblait les générations. Le charme opère instantanément : les voix, les harmonies, les jeux de lumière et les orchestrations d’origine donnent la sensation bouleversante d’assister à un véritable concert d’ABBA.

Une soirée festive et intergénérationnelle

Que vous soyez fan de la première heure ou simple amateur de bonne musique, MANIA promet un moment de partage et d’émotion collective. Impossible de résister à l’envie de chanter, de taper dans les mains ou de danser sur ces refrains éternels qui ont marqué plusieurs décennies.

Au Dôme de Paris, l’ambiance s’annonce électrique : une salle mythique, un public conquis, et cette atmosphère unique où la nostalgie rencontre la fête. Un pur concentré de joie et de liberté, à savourer sans modération

MANIA – The ABBA Tribute

 Vendredi 17 octobre 2025

Dôme de Paris – Palais des Sports

 20h00

 Billetterie ouverte dès maintenant

 En tournée française tout au long du mois d’octobre 2025

(13 dates dans les plus grandes villes de France)

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Sous la majestueuse coupole du Palais des Congrès, Curiosité invite petits et grands à un voyage où la prouesse rejoint la poésie. Entre ciel et bitume, hip-hop et acrobatie, la nouvelle création de la Compagnie Hassan El Hajjami, alias HASPOP, repousse les frontières du cirque contemporain.

Conçu et mis en scène par Hassan El Hajjami, danseur, chorégraphe et metteur en scène multi-primé, le spectacle conjugue l’énergie urbaine à l’élégance du cirque moderne. Ancien artiste du Cirque du Soleil, formé sous la direction de Paul McCartney et Ringo Starr dans le mythique spectacle The Beatles LOVE, Hassan El Hajjami a connu deux décennies de gloire sur les plus grandes scènes de Las Vegas. Tour à tour danseur, chorégraphe et directeur artistique, il a signé des créations pour Michael Jackson, David Guetta, Usher, ou encore Hermès et Nike.

En 2020, après quinze ans de collaboration avec le Cirque du Soleil, il revient à Lyon, sa ville d’origine, pour fonder sa propre compagnie : un laboratoire où fusionnent arts du cirque, hip-hop et récit théâtral. Son ambition : réenchanter le cirque par la narration et l’émotion, en offrant au public des spectacles à la croisée de la performance et du rêve.

Un conte initiatique au cœur du New York des années 1930

Curiosité se déroule à Grand Central Station, en 1930. En pleine récession américaine, Elliot, jeune orphelin venu d’Angleterre, tente de survivre en cirant les souliers des voyageurs pressés. Un jour, une valise oubliée tinte et laisse échapper quelques notes de musique. La curiosité de l’enfant l’emporte : il ouvre la mallette et se trouve propulsé dans un monde imaginaire, peuplé de souvenirs, de féerie et de rencontres surréalistes.

Au fil des tableaux, l’orphelin remonte le fil du temps, interroge son passé, et redécouvre la tendresse, la bienveillance et la force de l’espérance. Un récit onirique, entre illusion et résilience, où la curiosité, loin d’être un défaut, devient moteur de liberté et d’humanité.

Entre voltige et poésie : la magie du mouvement

Sur scène, dix artistes d’exception venus du monde entier, anciens du Cirque du Soleil, du Cirque Éloize ou du Cirque National de Mongolie, ils font naître un univers vibrant et spectaculaire. Au programme : voltige aérienne, duo main à main, trampoline AirTrack, capilotraction, contorsion, danse acrobatique, et numéros de diabolo portés par une mise en lumière soignée signée Émilien Guesnard et une musique originale d’Alexis Roure (Psykott).

Céline Picault, Laurent Fraïoli, Virginia Dahn Pha, Alexis de Saint-Jean, Nicole Martres, Marie Menuge, Younès El Hajjami et Djalim Drack incarnent, chacun à leur manière, cette alchimie entre puissance physique et délicatesse émotionnelle.

Le spectacle se veut total, réunissant les arts du cirque, la danse, le jeu d’acteur et les technologies scéniques les plus récentes pour faire du mouvement un langage universel.

Hassan El Hajjami : du bitume lyonnais aux étoiles de Las Vegas

Figure inspirante et autodidacte, Haspop (contraction de Hassan et Popping, cette danse saccadée dont il est maître ) s’est formé sur le parvis de l’Opéra de Lyon avant de conquérir le monde.

Champion d’Europe de popping, finaliste de La France a un incroyable talent et America’s Got Talent, il s’impose comme un créateur complet, alliant la rigueur du chorégraphe à la vision du show designer.

À travers la Cie HASPOP, il invente une nouvelle grammaire circassienne, où la virtuosité n’est jamais gratuite mais toujours au service de l’émotion. Il revendique un cirque ouvert, métissé, populaire et poétique  « un art total, où le corps raconte ce que les mots taisent ».

« Curiosité » : un hommage à l’imagination. Avec cette création, Hassan El Hajjami signe un spectacle à la fois spectaculaire et profondément humain.

Loin du simple divertissement, Curiosité évoque les vertiges de l’enfance, la persévérance des rêveurs et la force de la différence.

Entre rires et frissons, entre voltige et vibration, il réconcilie les générations dans une même émotion : celle de la beauté du geste et du pouvoir du rêve.

« Curiosité »

Palais des Congrès de Paris – du 26 au 31 décembre 2025

 Mardi à 17h et 20h30 • Mercredi à 14h et 17h • Vendredi à 17h • Samedi et dimanche à 14h

Réservations : 01 40 68 29 91 – www.palaisdescongresdeparis.com

Contact  presse : Pierre Cordier pcpresse@live.fr

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