Bébert faisait partie de ces artistes qui n’avaient pas besoin de se mettre en scène pour briller. L’authenticité était son costume, la sincérité sa signature. Sa manière d’habiter les chansons, de raconter sans jamais surjouer, d’interpréter avec une authenticité presque désarmante, a marqué des générations . Il avait ce charme indéfinissable que l’on retrouve chez les artistes populaires, ceux qui parlent à tout le monde, qui touchent juste, qui chantent “pour de vrai”.

Une rencontre inoubliable

J’ai eu la chance de le rencontrer chez lui, pour une interview. Ce moment restera gravé. Au-delà de son talent évident, j’ai découvert un homme d’une générosité immense, un artiste qui accueillait comme on ouvre sa porte à un ami : naturellement, chaleureusement, sans retenue.

Son regard pétillait, son rire communicatif mettait à l’aise en quelques secondes. Il partageait ses souvenirs avec pudeur, ses émotions avec élégance, ses mots avec un sens rare du partage. Cette humanité profonde, restera une empreinte indélébile.
Ses chansons continueront de résonner, ses interprétations de toucher, son sourire de hanter tendrement celles et ceux qui ont croisé sa route

INTERVIEW
Bebert

On dit souvent que certains artistes ne meurent jamais vraiment. Bébert fait partie de ceux-là.  Merci, Bébert Merci pour la chaleur, pour la musique, pour cette façon unique de créer du lien. Merci pour cette rencontre, pour cette générosité, pour cette vérité qui te rendait si précieux.

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Humoriste, chanteuse, actrice, tornade d’énergie, muse rebelle et indomptable… elle laisse derrière elle un vide immense, un silence étrange, presque inconcevable pour celle dont le rire tonitruant semblait défier le temps

C’est l’extinction d’une flamme qui éclairait depuis plus d’un demi-siècle la culture, méditerranéenne et francophone. Une femme libre, flamboyante, tendre et insolente, dont le talent débordait comme une mer jamais domptée. BIYOUNA est née le 13 septembre 1952 à Belcourt, quartier vibrant d’Alger, Biyouna a grandi dans une famille où l’art n’était pas un simple héritage : c’était un souffle, un langage, une évidence. Sa sœur, Leïla el Djazaïria, en était l’un des premiers phares. Avec Flifla, puis à la tête de sa propre formation, elle devient l’une des voix les plus demandées des mariages algérois.
C’est à 17 ans que celle-ci  se produit déjà dans les cabarets de la capitale. Le réalisateur Mustapha Badie remarque ce diamant brut et lui offre le rôle de Fatma dans La Grande Maison ( Dar Essbitar), avec notamment Djamel Benhabilés (mon Papa)

Le public découvre alors ce mélange rare de pudeur, de force, de comédie instinctive et de vérité. Une comédienne habitée, forgée par l’audace. Après La Grande Maison, les rôles s’enchaînent : Leïla et les autres en 1978, La Voisine en 2000, puis de nombreux projets où son naturel désarmant aimante les regards. Son destin franchit la Méditerranée en 1999, lorsqu’elle tourne avec Nadir Moknèche dans Le Harem de Madame Osmane. Suivront Viva Laldjérie et surtout Délice Paloma

– INTERVIEW –
BIYOUNA

Dans ce dernier, elle campe une Madame Aldjeria inoubliable : séductrice, tragique, souveraine… un personnage qui, comme elle, ne ressemble à aucun autre. À la télévision, elle devient l’une des figures les plus aimées grâce à la série Nass Mlah City (2002-2005), véritable phénomène populaire. Sur les planches, elle impressionne dans La Célestine (2009) au Vingtième Théâtre à Paris. Partout où elle passe, elle avait ce pouvoir d’attraction. Elle dérange parfois. Elle ne laisse jamais indifférent. Une voix grave, chaude, vibrante : une signature, Biyouna ne parlait pas, elle racontait. Elle ne chantait pas, elle enchantait . En 2001, elle sort Raid Zone, premier album qui révèle sa puissance vocale

Puis vient Une Blonde dans la Casbah, enregistré à Beyrouth, où elle revisite les grands classiques algériens, dont une version bouleversante de Bismillah. En 2011, elle prête ses chœurs à Julien Doré dans Bergman, preuve que son art n’avait pas de frontières.

Ces dernières années, elle avait retrouvé le public algérien grâce à plusieurs œuvres ramadanesques. Dans Edamma, diffusée sur l’ENTV, elle interprète Halima : une vieille femme fragile, presque muette. Plus de 4 millions de téléspectateurs suivent les premiers épisodes. Elle brille aussi dans la comédie avec Akhou El Banat, Skarkech ou Maicha fel good, prouvant qu’elle pouvait passer du rire aux larmes avec une grâce déconcertante.

Une femme libre qui contraste avec notre époque . Une âme immense. Une légende que nous avons reçu sur nos ondes. Biyouna n’était pas seulement une artiste. Elle était une attitude, une posture, une femme authentique, une vérité, une révolte tellement tendre. BIYOUNA était une femme qui disait ce qu’elle pensait, qui vivait comme elle l’entendait, qui ne s’excusait d’aucune de ses couleurs.

Elle a bousculé les normes, défié les étiquettes, ouvert des portes. Son rire résonnera encore longtemps. Sa voix, ses personnages, ses chansons continueront d’habiter les foyers, les cœurs, les mémoires. Elle laisse une trace indélébile. Une trace de liberté.un souffle de vérité. La mémoire d’une femme debout.

Que votre âme

repose en paix  chère BIYOUNA,

merci pour tout…

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Dès ses débuts au début des années 1960, Jimmy Cliff s’impose comme l’un des pionniers du ska puis du reggae. Son timbre puissant, son sens de la mélodie et ses textes empreints d’espoir et de résilience le distinguent rapidement. Il sait très tôt que la musique peut être un chemin vers la liberté, individuelle comme collective. C’est en 1969 qu’il signe l’un de ses plus grands titres, Many Rivers to Cross, hymne bouleversant devenu intemporel. En 1972, il entre dans l’histoire en incarnant Ivan Martin dans le film culte The Harder They Come, dont la bande originale, portée par son énergie et son charisme, révèle le reggae au monde entier. Suivront des succès planétaires comme Reggae Night ou sa lumineuse reprise de I Can See Clearly Now.

Artiste curieux et ouvert, Jimmy Cliff n’a jamais cessé de puiser dans des influences diverses, reggae, ska, pop, disco, élargissant sans cesse les frontières de son univers musical. Ses collaborations et ses explorations stylistiques ont contribué à faire du reggae une musique internationale tout en restant profondément ancrée dans son identité jamaïcaine.

Au long d’une carrière de plus de soixante ans, il a traversé les générations sans jamais perdre son authenticité. Double lauréat du Grammy Award du meilleur album reggae (1986, 2013), membre du Rock and Roll Hall of Fame depuis 2010, il restera une référence absolue, un phare artistique et un messager de paix. Jimmy Cliff laisse également derrière lui une vie personnelle discrète, notamment sa fille, l’actrice et chanteuse Nabiyah Be. Mais surtout, il laisse des chansons qui continueront de porter sa voix, celle d’un homme profondément attaché à la justice, à la liberté et au pouvoir réparateur de la musique.

Aujourd’hui, ce sont des millions de fans, en Jamaïque comme ailleurs, qui lui rendent hommage. Jimmy Cliff s’en est allé, mais ses mélodies, elles, continueront longtemps de traverser les rivières et les générations.

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Cette nouvelle production s’inscrit dans la continuité d’un héritage séculaire tout en osant une audace formelle rare : celle de la mise en abyme. « Comment ça se crée, un spectacle Gruss ? » interroge cette création singulière, qui transforme le processus créatif lui-même en matière dramaturgique. Sous la direction artistique de Stephan Gruss, les artistes ne se contentent plus d’exécuter des prouesses ; ils incarnent, chantent, dansent, et nous invitent dans l’intimité de leur laboratoire artistique.
L’audace de cette proposition réside dans son refus de la facilité. Plutôt que de simplement aligner des numéros spectaculaires, ce que la compagnie sait faire à la perfection depuis des générations , les Folies Gruss ont choisi d’explorer les territoires de la comédie musicale avec des compositions originales. Chaque artiste endosse un personnage clé, transformant acrobates, écuyers et jongleurs en acteurs d’une narration qui célèbre l’art dans ce qu’il a de plus authentique : sa création même.Cette démarche prend une résonance particulière en 2025

Le spectacle constitue un hommage poignant à Alexis Gruss, fondateur de la compagnie et maître écuyer disparu l’année dernière. Figure tutélaire de l’équitation de tradition française, reconnu au patrimoine culturel immatériel de l’UNESCO, Alexis Gruss avait restauré les lettres de noblesse d’un art menacé de disparition. Sa présence fantomatique hante cette création, non dans la mélancolie, mais dans l’élan vital qu’il a insufflé à plusieurs générations d’artistes

La cavalerie demeure, naturellement, au cœur du dispositif. Cinquante chevaux évoluent dans des tableaux qui célèbrent la diversité des races équines et leur histoire millénaire. Chaque numéro équestre devient une leçon d’histoire vivante, où la technique le dispute à l’émotion. Les couleurs musicales variées soulignent la personnalité de ces montures qui ne sont jamais de simples faire-valoir, mais de véritables partenaires artistiques

Le répertoire saltimbanque traditionnel trouve également sa place dans une scénographie entièrement renouvelée. Équilibristes et jongleurs déploient un vocabulaire gestuel ancestral, témoignant de cet art forain qui traverse les siècles. L’alliance entre haute voltige équestre et virtuosité acrobatique produit une alchimie rare, celle qui fait du cirque un art total, à la croisée du théâtre, de la danse et de la musique.
Les Folies Gruss ont compris que le spectacle commence avant même que le rideau ne se lève si tant est qu’il y ait un rideau sous un chapiteau. Le pré-show, agrémenté d’interventions artistiques lors du déjeuner ou du dîner, et l’after-show, qui prolonge la rencontre avec les artistes, témoignent d’une volonté de recréer cette convivialité propre aux arts forains, où la distance entre la scène et la salle s’abolit dans un esprit de fête partagée

Cette 52ᵉ création arrive à un moment charnière pour les arts du cirque en France. Alors que les grandes institutions culturelles peinent parfois à renouveler leur public, les Folies Gruss démontrent qu’il existe une voie médiane entre tradition et modernité, entre excellence technique et accessibilité populaire. Le chapiteau parisien accueille aussi bien les habitués, venus en pèlerinage annuel, que les néophytes curieux de découvrir un patrimoine vivant.
En dévoilant l’envers du décor, en livrant les secrets de la création, cette nouvelle production ne dénature pas le mystère qui entoure tout spectacle réussi. Au contraire, elle l’enrichit d’une dimension réflexive qui honore l’intelligence du spectateur. Comprendre comment naît la magie ne la dissipe pas ; cela nous rend plus attentifs encore aux multiples strates de talent, de travail et de passion qui la rendent possible.
Jusqu’au 29 mars 2026, le Carrefour des Cascades devient ainsi le sanctuaire d’un art qui refuse de choisir entre hier et demain, entre l’héritage des générations passées et l’invention permanente. Les Folies Gruss rappellent, avec une élégance discrète mais ferme, que certaines traditions ne survivent que parce qu’elles savent se réinventer sans se renier…

Les Folies Gruss,

Carrefour des Cascades,

75016 Paris
Du 19 octobre 2025 au 29 mars 2026
Formules pré-show et after-show disponibles

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Si son nom reste indissociable du groupe Les Charlots, qu’il rejoignit en 1987 pour succéder à Gérard Rinaldi, Richard Bonnot ne se résumait pas à cette aventure. À une époque où le groupe traversait une période plus calme après son âge d’or des années 1970, il lui permit pourtant de continuer à exister, de préserver cet esprit de camaraderie et de fantaisie qui en avait fait une légende de la chanson humoristique française.

Il participa notamment au film Le Retour des Charlots (1992), réalisé par Jean Sarrus, ultime clin d’œil collectif à une bande d’amis devenue culte. À travers cette participation, Bonnot incarnait une forme de continuité, celle d’un artiste qui choisit la loyauté plutôt que la lumière des projecteurs

Avant et après Les Charlots, Richard Bonnot fut aussi professeur de musique au collège Copernic à Saint-Vallier, transmettant à ses élèves l’amour du rythme, des harmonies et de la chanson Française. Derrière le musicien, il y avait un pédagogue attentif, un homme convaincu que la culture se partage d’abord sur les bancs de l’école, loin du tumulte médiatique.

Nombreux sont ceux qui se souviennent de son rire clair, de sa bienveillance, de son exigence aussi. L’enseignement n’était pas pour lui un repli, mais une seconde scène, plus intime, où l’on formait non pas des artistes, mais des oreilles, des cœurs, des sensibilités. Auteur, compositeur et interprète, Richard Bonnot menait également des projets personnels, entre chanson, composition instrumentale et création scénique. Sa palette musicale, nourrie d’humour et d’émotion, faisait de lui un Artiste complet, à la fois musicien et conteur.

Son talent fut salué à plusieurs reprises par ses pairs, notamment par Fabienne Thibeault, qui voyait en lui « un très bon chanteur, un très bon compositeur ». Dernièrement, il venait de signer la musique de la comédie musicale “Princesse Loire au pays des six rivières”, écrite par Fabienne Thibeault elle-même. Un projet poétique et ambitieux, porteur d’un souffle nouveau, preuve que Richard n’avait rien perdu de sa curiosité artistique, ni de son goût pour les jolies histoires

Richard Bonnot laisse derrière lui ses deux fils jumeaux, Oscar et Arthur, nés de son union avec Lucile Gaut, ancienne comédienne et chanteuse des Minikeums. À travers eux, c’est toute une lignée d’artistes qui se poursuit, entre musique, création et transmission.

L’annonce de son décès a été faite par Gérald Dahan, ami et complice de longue date, dans un communiqué empreint d’émotion : « C’est avec une immense tristesse que je vous annonce le décès de mon ami de 30 ans, complice de scène et pianiste Richard Bonnot. Artiste complet, auteur, compositeur, interprète et membre du groupe parodique Les Charlots. ».

Richard Bonnot restera dans la mémoire collective comme un artisan du rire et de la musique, un musicien de conviction plus que de carrière. De Montceau-les-Mines aux plateaux de télévision, des studios aux salles de classe, il aura joué chaque note avec sincérité, sans jamais trahir son amour du public. Et s’il fallait retenir une phrase pour l’accompagner, on choisirait sans doute celle  de Victor Hugo :

« On passe la moitié de sa vie à attendre ceux qu’on aimera, et l’autre moitié à quitter ceux qu’on aime. »

À présent, Richard Bonnot a quitté la scène. Mais son écho, lui, continue de résonner  comme un dernier refrain qui ne veut pas finir

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Étrangement, aucune scène, jusqu’à présent, n’avait osé se confronter à l’immensité de son héritage. L’oubli est réparé avec « Et Maintenant », spectacle conçu par Gil Marsalla, qui, depuis sa création, s’est imposé comme l’un des plus ambitieux hommages rendus à un chanteur français. Interprété avec ferveur par Jules Grison et accompagné de la présence exceptionnelle d’Emily Bécaud, ce récital se distingue par sa volonté de transcender la nostalgie pour restituer la puissance originelle d’une œuvre intemporelle

Il est pourtant regrettable que l’écho de la voix de Gilbert Bécaud se fasse si rare dans nos médias. Ses chansons, vibrantes d’élan et d’humanité, semblent désormais ensevelies sous le flot continu de la nouveauté. Comme si l’on avait relégué au silence une flamme dont l’ardeur continue pourtant de briller dans les mémoires. Redonner à Bécaud la place qu’il mérite, c’est non seulement honorer un géant, mais aussi rappeler qu’une chanson peut traverser le temps et demeurer éternellement vivante.
À l’heure où la chanson française cherche à redéfinir ses canons et à renouer avec sa grandeur, cette célébration du centenaire apparaît comme un jalon essentiel. Plus qu’un hommage, « Et Maintenant » s’annonce comme une traversée, presque initiatique, au cœur d’une mémoire collective où Bécaud demeure, à jamais, l’incarnation d’une ferveur inextinguible

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Né à Bordeaux, fils d’immigrés sino-cambodgiens, Bun Hay Mean avait fait de son parcours un fil rouge de ses spectacles. Il y puisait une verve hors-norme, un humour noir teinté d’absurde, d’auto-dérision, et de vérités crues qu’il balançait comme des uppercuts déguisés en rires. Il se présentait comme un « Chinois marrant »,  un surnom qu’il avait d’abord choisi comme une provocation tendre, avant de l’assumer comme un manifeste.

Repéré dans les années 2010 par Alais Degois, alias « Papy », puis propulsé sur le devant de la scène par le Jamel Comedy Club en 2014, Bun Hay Mean s’était rapidement distingué dans le paysage comique : débit mitraillette, regards acérés, impertinence maîtrisée. Il n’était pas juste drôle,  il était dérangeant, nécessaire, vrai. Il riait de tout, mais pas avec n’importe qui.

Un parcours cabossé, une ascension courageuse

Avant de connaître la lumière des projecteurs, Bun Hay Mean a connu les galères. Des débuts sans le sou, des périodes de rue, des scènes désertées et des salaires dérisoires. « Mon premier cachet, c’était 1,20 euro », disait-il dans un éclat de rire désabusé. Mais il n’a jamais lâché. Parce qu’il avait une rage douce, une force sourde, et un talent brut. Et aussi parce qu’il savait que l’humour pouvait être une arme, un refuge, une main tendue.

Avec ses spectacles : Chinois marrant d’abord, puis Le monde appartient à ceux qui le fabriquent,  il n’a cessé de déconstruire les clichés sur les communautés asiatiques, les préjugés sociaux, les discriminations ordinaires. Sans victimisation, sans pathos, mais avec une précision chirurgicale et un sens de l’absurde qui faisait mouche.

Un méchant au grand cœur

En 2023, le grand public l’a découvert sur grand écran dans Astérix et Obélix : l’Empire du milieu de Guillaume Canet, où il campait un méchant haut en couleurs face à Vincent Cassel et Manu Payet. Un rôle à contre-emploi pour ce “vrai gentil” que tous ses proches décrivent comme profondément généreux, pudique, modeste. Ce fut pour lui une consécration tardive, mais méritée, fruit d’années d’obstination, de travail acharné et de sincérité sans masque.

Un silence assourdissant

Aujourd’hui, ses proches, ses collègues, ses fans sont sous le choc. Comment un homme aussi vivant, aussi explosif sur scène, a-t-il pu disparaître ainsi, en silence ? Était-ce un accident ? Un geste de désespoir ? À ce stade, nul ne le sait. Et peut-être que cela n’a plus d’importance. Car ce qui reste, c’est la trace indélébile qu’il laisse derrière lui : une voix qui a osé dire, oser rire, oser exister.

Bun Hay Mean, ce n’était pas juste un comique. C’était un éclat dans la nuit, un fou rire au bord du gouffre, une étoile filante dans un ciel trop lourd. Il nous a appris à rire autrement, à regarder ailleurs, à tendre l’oreille plutôt que de détourner les yeux.

Bon vent l’artiste…

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Il fallait bien une fin à ce voyage stellaire entamé en 2015 avec le premier volume de la série d’archives de David Bowie. Et pourtant, l’annonce de ce dernier coffret, prévu pour le 12 septembre en éditions limitées (13 CD ou 18 vinyles), résonne comme une nouvelle secousse émotionnelle pour tous ceux qui n’ont jamais cessé de scruter l’horizon musical de l’homme aux mille visages.

Ce sixième et ultime volet retrace les quinze dernières années de la carrière de Bowie. Une période trop souvent reléguée dans l’ombre des décennies flamboyantes, mais qui recèle quelques-unes de ses œuvres les plus profondes, les plus expérimentales, et peut-être les plus sincères.

Une tétralogie en clair-obscur

Au cœur du coffret, quatre albums studio essentiels :

– Heathen (2002), retour au classicisme hanté, marqué par une collaboration poignante avec Tony Visconti.

– Reality (2003), album rock nerveux et mélodique, écrit dans une urgence lucide.

– The Next Day (2013), résurrection inattendue, coup de poing artistique et politique, dans lequel Bowie revisitait ses propres mythes à coups de guitare et d’ironie.

Blackstar (2016), l’ultime météore, chef-d’œuvre jazz-rock d’un homme qui s’éteint en offrant une œuvre sidérale, inclassable, bouleversante.

Trésors de scène et pépites inédites

Le coffret propose également l’intégralité du concert donné au Montreux Jazz Festival en 2002, publiée officiellement pour la toute première fois. Un Bowie en état de grâce, entre élégance rock et émotion palpable.

Autre joyau : A Reality Tour, remasterisé et reséquencé, donne une ampleur nouvelle à cette tournée qui fut la dernière du vivant de l’artiste.

Deux EPs (The Next Day Extra et No Plan) viennent compléter l’ensemble, aux côtés de Re:Call 6, une compilation rassemblant faces B, titres de films, versions alternatives et autres raretés. Une mine d’or pour les collectionneurs.

Un livre d’art comme épilogue

Comme dans les volumes précédents, le coffret est accompagné d’un livre relié somptueux, incluant des photos rares et inédites, issues des archives personnelles de Bowie, ainsi que les commentaires du fidèle Tony Visconti, co-producteur et témoin privilégié des dernières années du Thin White Duke.

Un testament musical et spirituel

Ce coffret n’est pas une simple anthologie. C’est une œuvre testamentaire, une capsule temporelle destinée à rappeler que Bowie n’a jamais cessé de se réinventer, même dans ses ultimes éclats. À l’instar de son chant du cygne, Blackstar, qui résonne aujourd’hui comme une prière cosmique, cet ultime volume s’adresse à l’éternité.

David Bowie n’est pas mort. Il est entré dans la légende,  et ce coffret en est la preuve vibrante, somptueuse, définitive.

Précommandes disponibles dès maintenant. Sortie officielle : 12 septembre 2025.

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Une ascension fulgurante

Née le 29 août 1981 à Belœil, en Belgique, Émilie Dequenne n’a que 18 ans lorsqu’elle décroche le rôle de Rosetta, héroïne d’une rage absolue imaginée par les frères Dardenne. Ce rôle bouleversant, celui d’une jeune fille livrée à une survie âpre et sans concession, lui vaut la consécration immédiate : le Prix d’interprétation féminine au Festival de Cannes 1999. Une première apparition au cinéma, et déjà l’histoire s’écrit en lettres d’or.

Mais Émilie ne s’est jamais laissée enfermer. Là où d’autres auraient pu être écrasées par un tel départ, elle, au contraire, a su tracer sa route avec une intelligence et une audace rares.

Des rôles forts, des choix engagés

Elle enchaîne les rôles marquants, révélant à chaque film une palette toujours plus riche. En 2009, elle incarne la troublante Fille du RER sous la direction d’André Téchiné. Trois ans plus tard, en 2012, elle explose dans À perdre la raison de Joachim Lafosse, un rôle qui lui vaut le prix d’interprétation dans la section Un Certain Regard à Cannes. Son jeu, à la fois puissant et d’une sensibilité à vif, bouleverse.

Émilie aimait les rôles qui bousculent, les histoires qui remuent. Elle brillait dans des films aussi variés que Pas son genre de Lucas Belvaux (2014), où elle incarne une coiffeuse amoureuse d’un intellectuel, ou Numéro Une de Tonie Marshall (2017), où elle se glisse dans la peau d’une femme d’affaires se battant dans un monde d’hommes

Un dernier combat, une dernière preuve de force

En 2023, la vie a placé sur son chemin l’épreuve la plus redoutable. Un cancer endocrinien, aussi rare qu’impitoyable. Émilie a affronté la maladie comme elle a toujours vécu : avec courage, avec franchise, avec cette force brute qui lui appartenait. Elle a partagé son combat sans faux-semblants, consciente de l’inéluctable, mais jamais résignée.

Le 16 mars 2025, son corps s’est éteint. Mais son regard, lui, continuera de nous hanter. Ses rôles, ses éclats de rire, ses silences habités resteront gravés dans la mémoire du cinéma.

Émilie Dequenne n’est pas partie. Elle danse encore quelque part, libre et lumineuse, comme elle l’a toujours été.

Credit photo : AFP

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Certains d’entre eux n’ont connu que la peur et l’abandon. Ils ont vécu dans des cages insalubres, manqué de nourriture, souffert du froid et de maladies non soignées. Mais grâce à des adoptants et des familles d’accueil engagés, beaucoup ont pu quitter cet enfer et découvrir enfin la chaleur d’un foyer.

Un sauvetage, c’est bien plus qu’un simple voyage

Derrière chaque adoption, il y a un long travail en amont :

•Les soins vétérinaires indispensables : chaque chien doit être vacciné, stérilisé, testé pour diverses maladies, et parfois subir des opérations lourdes avant de pouvoir voyager.

•Les frais de préparation : la mise en pension, la nourriture, les passeports et les documents administratifs sont autant d’étapes essentielles avant leur arrivée en France.

•Le transport sécurisé : un rapatriement organisé dans le respect des réglementations européennes pour assurer leur bien-être durant le trajet.

Tout cela représente un coût considérable. Sans soutien financier, il devient impossible de continuer ces sauvetages.

Une simple action peut changer un destin

Si les frais d’adoption ne sont pas encore réglés, il est essentiel de le faire rapidement. Cet argent ne couvre pas seulement les dépenses passées, il permet aussi de sauver d’autres chiens en détresse.

Et même sans adopter, chacun peut agir. Un don, quel que soit son montant, aide directement un chien à sortir de la fourrière. Un euro, dix euros, vingt euros… Chaque geste compte

Comment aider ?

Plusieurs solutions existent pour apporter un soutien financier :

•Par chèque, à l’ordre de Association Mukitza, adressé à :

19 bis rue de la Sablière, 91310 LONGPONT SUR ORGE

•Par virement bancaire : les informations sont disponibles ici :

https://associationmukitza.forums-actifs.com/t18029-compte-bancaire-de-l-association

Compte bancaire de l’Association Mukitza

•Par Paypal : un lien direct est disponible ici :

Faire un don via Paypal : https://www.paypal.com/donate?hosted_button_id=H6VQ4PQD44B5U

Chaque geste sauve une vie

Les chiens de Piatra ne peuvent compter que sur la générosité et la mobilisation de ceux qui refusent l’indifférence. Grâce à des adoptants et des donateurs engagés, des centaines de vies ont déjà été sauvées. Mais d’autres attendent encore leur tour.

Merci du fond du cœur pour tout ce que vous faites. Offrir une seconde chance à ces chiens, c’est leur offrir ce qu’ils n’ont jamais eu : une famille, de l’amour, et une vie digne de ce nom

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